64 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE EN EL IPN






Miércoles. 4. 12, 17 y 19 hs.
DE LA INFANCIA
(México 2009. 120 mins.)
Director: Carlos Carrera
Con: Damián Alcázar, Benny Emmanuel, Rodrigo Corea, Pascacio López, Giovanna Zacarías, Gael Zárate, Ernesto Gómez Cruz, Rodrigo Oviedo, Orlando Moguel, Alicia Zapien, Gabriela Canudas, Roberto Sosa, Elizabeth Cervantes, Juan Carlos Vives, Luisa Huertas, Alonso Echánove.
Guión: Silvia Pasternac, Fernando Javier León Rodríguez, Carlos Carrera sobre la novela de Mario González Suarez. Fotografía: Martín Boege. Música: Camilo Froideval, Raúl Vizzi.
 Nacido en una familia disfuncional y violenta, Francisco es un niño cuyos primeros años de vida se encuentran infectos desde la raíz: su padre es un hombre agresivo que se conduce por la vida de manera deshonesta e impulsiva. En medio del caos originado por la inestabilidad, la pobreza y el mal ejemplo paterno, Francisco intentará experimentar los procesos normales de la infancia a pesar del entorno de horror e incertidumbre. Con elementos fantásticos y sobrenaturales, en esta película, que permaneció enlatada durante casi una década, Carlos Carrera construye una ficción en donde la mirada infantil ante el desorden y la confusión pueden convertirse en un panorama turbulento o esperanzador.
Basada en la novela homónima del mexicano Mario González Suárez, De la infancia rescata tanto la crudeza como los detalles fantásticos de su antecedente literario. Como una especie de in extremis narrativo, el filme comienza en medio de un robo domiciliario perpetrado por Francisco. Con un salto al pasado, lo observamos nuevamente, pero ahora como un niño: inmerso en una vorágine de inestabilidad emocional, violencia intrafamiliar y un modelo paternal deshonesto. Un panorama que señala la desgarradora travesía diaria que implica nacer en una familia disfuncional. (Astrid García Oseguera. Cineteca Nacional)
Jueves 5. 12, 17 y 19 hs.
ROSTROS Y LUGARES
(Visages villages. Francia. 2017. 89 mins.)
Dirección: Agnès Varda, JR
Película documental con: Jean-Luc Godard, JR, Laurent Levesque, Agnès Varda.
Fotografía: Roberto De Angelis, Claire Duguet, Julia Fabry, Nicolas Guicheteau, Romain Le Bonniec, Raphaël Minnesota, Valentin Vignet. Música: Mathieu Chedid.
La veterana cineasta Agnès Varda y el artista urbano y fotógrafo JR, conocido por sus monumentales intervenciones gráficas en edificios y calles del mundo, se reúnen en este documental que retrata su improvisado paseo por algunos caminos y lugares de Francia, entre los que se encuentran el puerto de Le Havre y una planta química en los Alpes. En cada sitio, capturan momentos y personajes que quedan plasmados en inmensas imágenes que funcionan como testimonio de la vida moderna. El resultado es un entrañable trabajo sobre la naturaleza de la memoria y el paso del tiempo, la durabilidad del arte, la amistad entre generaciones y el placer de viajar a la aventura.
Al contemplar esos rostros y lugares, nos invita a reflexionar sobre el paso del tiempo y la naturaleza de la memoria, sobre la mutabilidad de la amistad y la durabilidad del arte, sobre la dignidad del trabajo y el destino de la clase obrera europea. No obstante, debajo de la jovialidad y el buen humor del filme, hay un reconocimiento implícito de pérdida. Los lugares se desmoronarán y las caras se desvanecerán, y el poder de las imágenes que aportan JR y Varda, proporcionan una parcial compensación por esta lúgubre inevitabilidad. La película es inolvidable, no por momentos dramáticos o imágenes deslumbrantes, sino porque funciona como un talismán. A donde sea que uno viaje, seguramente será útil. (A.O. Scott The New York Times)
Viernes 6. 12, 17 y 19 hs.
LA MAESTRA
(Učiteľka. Eslovaquia, República Checa. 2016. 102 mins.)
Director: Jan Hrebejk
Con: Zuzana Mauréry, Zuzana Konecná, Csongor Kassai, Tamara Fischer, Martin Havelka, Éva Bandor, Oliver Oswald, Peter Bebjak, Richard Labuda, Ina Gogálová, Monika Certezni, Peter Bartak, Jozef Domonkos, Judita Hansman.
Guión: Petr Jarchovský. Fotografía: Martin Ziaran. Música: Michal Novinski.
En la Eslovaquia comunista de los años 80, los estudiantes de una escuela primaria conocen a su nueva maestra, Mária Drazdechová, una mujer cuya influencia política permite someter a las familias de sus alumnos a un acuerdo de servidumbre: ellos le hacen favores de diversas índoles, ella sube las calificaciones de sus hijos y, así, ayuda a pulir su futuro académico y profesional. Cuando surge una petición para despedir a la maestra, se organiza una junta en donde las alianzas fraternales de los padres chocan con sus filiaciones civiles, reflejando la tensión social que se vive en un estado autoritario.
Brillante disección de los mecanismos de poder del régimen comunista, a cargo del checo Jan Hrebejk, un poco desconocido fuera de su país, pese a títulos como Casas acogedoras y Tenemos que ayudarnos. Esta vez rueda en coproducción con el país en que transcurre la acción, el vecino Eslovaquia, unido al suyo en el momento retratado.
La maestra gana en profundidad si cabe, cuando advierte de que el advenimiento de la democracia no supone necesariamente que se hayan terminado todos los problemas. Cuidado, porque los aprovechados, quienes antes mandaban, sólo se han cambiado de localización y de chaqueta.
Sábado 7.  17 hs.
STALKER. LA ZONA
(Stalker. Unión Soviética. 1979. 162 mins.)
Director: Andrei Tarkovski
Con: Aleksandr Kaidanovsky, Anatoly Solonitsyn, Nikolai Grinko, Natalya Abramova, Alisa Freyndlikh, Faime Jurno, Raymo Rendi.
Guión: Arkadiy Strugatskiy, Boris Strugatskiy, Andrei Tarkovsky. Fotografía: Aleksandr Knyazhinsky, Georgi Rerberg. Música: Eduard Artemyev.
El último largometraje que el cineasta soviético Andréi Tarkovski pudo filmar en su país natal antes de su exilio, es un viaje lleno de misterio a través de un paisaje postapocalíptico. Stalker es un guía contratado para llevar a un escritor y un profesor a la Zona, un espacio restringido y enigmático que sufrió tiempo atrás la caída de un meteorito. Ahí, los tres hombres intentarán llegar a una habitación donde se cumplen los deseos más profundos. Segunda incursión de Tarkovski en la ciencia ficción, la película es una meditación sobre la crisis espiritual de un mundo que ha perdido la fe y la esperanza, a partir de una puesta en escena de trágica belleza visual y una fuerza sonora apabullante.
Stalker es, en una visión muy particular, un desolador callejón sin salida, un no va más en el cuestionamiento acerca del arte, del artista y del espectador frente a la obra de arte. Los puntos a tomar en cuenta para llegar a esto son: el arte, la sociedad y lo sagrado. El personaje de Stalker es el artista plenamente entregado a su vocación, la cual busca no romper con dos sentimientos: el sentirse parte de una sociedad y la capacidad de creer en algo sagrado. Es querer crear una obra y que ésta sea capaz de enriquecer a los seres humanos (sin que ello tenga nada que ver con cosas económicas y/o glorificaciones estatales o de partido); sin que esos dos elementos destruyan la capacidad-necesidad de creer que existe algo sagrado. (E. Román. El Nacional)
Domingo 8.  17 y 19 hs.
PORTO
(Portugal/E.U./Francia/Polonia. 2016. 76 mins.)
Director: Gabe Klinger
Con: Anton Yelchin, Lucie Lucas, Paulo Calatré, Chantal Akerman, Florie Auclerc-Vialens, Françoise Lebrun, Aude Pépin, Filomena Gigante, Diana de Sousa, Rita Pinheiro.
Guión: Larry Gross, Gabe Klinger. Fotografía: Wyatt Garfield.
Jake y Mati son dos extranjeros en la ciudad portuguesa de Oporto que una noche compartieron un breve momento de intimidad. Él es un solitario estadounidense exiliado de su familia; ella una estudiante francesa que tiene por amante a su profesor. Su experiencia es vista años después utilizando fragmentos de la vida de cada uno por separado, ambos siendo perseguidos por aquel misterioso recuerdo en el que el tiempo se detuvo. Filmada en 35 mm, 16 mm y Super 8, y con un montaje que juega con el transcurso de los eventos presentándolos de atrás para adelante y viceversa, Porto devela la profundidad de un encuentro marcado por inesperados sentimientos amorosos y pasionales.
Como el propio director ha declarado, Jake y Mati están suspendidos en el tiempo, atados por su recuerdo. En Porto, la pasión sexual y sentimental se petrifica en imágenes en movimiento que en su constante ir y venir también suspenden al espectador en un refinado ejercicio cinematográfico. Gabe Klinger pone las herramientas del cine al servicio del cine mismo para confeccionar una historia que nos recuerda que «todo lo humano está perdido, pero al mismo tiempo algunas cosas nunca se pierden». La memoria de esta película, podría ser una de ellas. (Israel Ruiz Arreola, Wachito. Cineteca Nacional)
Lunes 9: 12, 17 y 19 hs.
EL CIUDADANO ILUSTRE
(Argentina/España. 2016. 118 mins.)
Dirección: Gastón Duprat, Mariano Cohn
Con: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván Steinhardt, Manuel Vicente, Laura Paredes, Gustavo Garzón, Emma Rivera.
Guión: Andrés Duprat. Fotografía: Mariano Cohn, Gastón Duprat. Música: Toni M. Mir.
Daniel Mantovani es un escritor argentino galardonado con el Premio Nobel de Literatura que acepta la invitación de su pueblo natal –el cual no ha visitado en cuarenta años– para ser reconocido como “Ciudadano Ilustre”. Entre la admiración y el resentimiento, su regreso desencadenará una serie de incómodas y absurdas situaciones entre él y los habitantes. Dirigida por la dupla de directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, El ciudadano ilustre es una comedia negra que a través de diálogos punzantes y una sencilla puesta en escena, aborda temas como el choque entre la vida cosmopolita y la rústica, la responsabilidad, y las contradicciones del arte y la celebridad como objetos de deseo y envidia.
El ciudadano ilustre denuncia a las claras la envidia y la hipocresía que se adueña tan a menudo de la sociedad contemporánea, cuando se trata de dar homenajes o impartir soflamas a personalidades que han triunfado de uno u otro modo, y también de cómo esos agraciados se dejan también agasajar por ellos en un ejercicio de narcisismo que muchas veces se opone rotundamente a sus opiniones. Resulta ejemplar el inicio del film, en donde el protagonista pone en jaque a la élite intelectual del Premio Nobel, una apuesta por la coherencia que le costará sangre cuando el pueblo le devuelva la misma moneda. (Pablo Santiago. Decine21.com.
Martes 10: 12, 17 y 19 hs.
AMANTE POR UN DÍA
(L’amant d’un jour. Francia 2017. 76 mins.)
Director: Philippe Garrel
Con: Éric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte, Laetitia Spigarelli, Paul Toucang, Félix Kysyl, Michel Charrel, Nicolas Bridet, Marie Sergeant.
Guión: Jean-Claude Carrière, Caroline Deruas-Garrel, Philippe Garrel, Arlette Langmann. Fotografía: Renato Berta. Música: Jean-Louis Aubert.
Después de una ruptura devastadora y perturbadora, Jeanne decide regresar a Francia, al departamento de su padre, Gilles, un profesor de filosofía de mediana edad quien se encuentra en una relación frágil y pasional con Arianne, una joven de 23 años que resulta tener la misma edad que Jeanne. Ambas están en búsqueda del amor en una ciudad llena de posibilidades. Filmada en blanco y negro, con una fotografía que embellece la naturaleza del cuerpo y una voz oculta que narra la delicadeza de los sentimientos, Amante por un día es el drama romántico y poético con el que el director Philippe Garrel cierra una trilogía de los celos que arrancó con Celos (2013) y continuó con La sombra de las mujeres (2015).
Elegantemente filmada en blanco y negro, Amante por un día, es una de las más livianas, naturales y transparentes películas del francés en muchos años, y al mismo tiempo, muestra de que la infidelidad sexual parece atormentarlo, apareciendo magistralmente en su obra una y otra vez como una continuidad temática y estilística que sirve de base para construir y relatar historias únicas. (Yilmar Villagrán Castillo. Cineteca Nacional)
Miércoles 11: 12, 17 y 19 hs.
LUCKY
(Lucky. E.U. 2017. 88 mins.)
Director: John Carroll Lynch
Con: Harry Dean Stanton, Ed Begley Jr., Beth Grant, James Darren, Barry Shabaka Henley, Yvonne Huff, Hugo Armstrong, Bertila Damas, Ron Livingston, Ana Mercedes, Sarah Cook, Amy Claire, Ulysses Olmedo, Mikey Kampmann, Otti Feder, Mouse, Pam Sparks, David Lynch, Tom Skerritt.
Guión: Logan Sparks, Drago Sumonja. Fotografía: Tim Suhrstedt. Música: Elvis Kuehn
Lucky sigue el viaje espiritual de un hombre de 90 años y los peculiares personajes con los que convive en un pueblo del desierto de Arizona. Veterano de guerra, fumador empedernido y ateo, le encanta vivir solo siguiendo una simple rutina que incluye ejercicios de yoga, largas caminatas y concursos televisivos. Después de sufrir una caída, Lucky se da cuenta de que está en el precipicio de la vida e iniciará un viaje de autoexploración que lo conduzca a la iluminación. El debut en la realización del actor John Carroll Lynch, es a la vez una carta de amor a la vida y a la carrera del actor Harry Dean Stanton (fallecido el año pasado), y una meditación sobre la mortalidad, la soledad y la conexión.
«Siempre pensé que la única cosa en la que podríamos estar de acuerdo es lo que estamos mirando», Lucky murmura a alguien, «pero eso es una tontería porque lo que veo no es lo que ves». Actuar consiste en reconciliar esos dos campos de visión, de obligarlos a superponerse, y pocas personas lo han hecho mejor que Harry Dean Stanton, incluso si tomó a algunos de sus personajes casi cien años para entender la verdadera definición de "realismo". Si éste es realmente su último papel, no podíamos pedir una vista más perfecta que la de él caminando hacia la puesta de sol. (David Ehrlich. IndieWire indiewire.com)
Jueves 12: 12, 17 y 19 hs.
JOAQUÍN
(Joaquim. Brasil/Portugal. 2017. 97 mins.)
Director: Marcelo Gomes
Con: Júlio Machado, Nuno Lopes, Welket Bungué, Diogo Dória, Rômulo Braga, Isabél Zuaa, Paulo André, Eduardo Moreira, Miguel Pinheiro, Antônio Edson, Chico Pelúcio.
Guión: Marcelo Gomes. Fotografía: Pierre de Kerchove. Música: O Grivo.
Joaquín es un soldado que captura contrabandistas mientras anhela convertirse en teniente, extrae muelas con los dedos y piensa en cambiar la corrupción de su país, el Brasil sometido por Portugal en el siglo XVlll. Su vida cambia cuando es enviado en busca de oro, y Preta, una esclava de la que está enamorado, lo abandona y huye. El orgullo de Joaquín lo convertirá en Tiradentes, el primer héroe del movimiento independentista brasileño. Mostrando el lado humano del protagonista a pesar de la violencia que lo rodea, el director Marcelo Gomes ofrece monólogos furiosos y panorámicas tomas envueltas en naturaleza, en éste, su quinto largometraje, elogiado por la crítica de su país.
La película se inspira en la historia real de Tiradentes, el primer líder del movimiento revolucionario brasileño.
Viernes 13: 12, 17 y 19 hs.
ENSIRIADOS
(Insyriated. Bélgica/Francia. 2017. 85 mins.)
Director: Philippe Van Leeuw
Con: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas.
Guión: Philippe Van Leeuw. Fotografía: Virginie Surdej. Música: Jean-Luc Fafchamps.
En la zona de guerra de Siria, una madre intentará mantener a su familia y vecinos seguros cuando la violencia se desate fuera de su casa. Las bombas amenazan con destruir el edificio donde viven y los francotiradores convierten los patios en zonas mortales. El segundo largometraje del director Philippe Van Leeuw traslada el horror bélico al espacio doméstico, con una puesta en escena opresiva que mantiene al espectador rehén junto a la familia durante 24 horas. Haciendo a un lado las cuestiones políticas del conflicto, la película retrata la amenazante situación que los sirios comunes viven en sus hogares, donde mantener la rutina se convierte en una cuestión de vida o muerte.
Van Leeuw no tiene miedo de abordar temas difíciles –su película de 2009, The Day God Went Away, estaba ambientaba durante el genocidio de Ruanda–, pero le preocupa poco la política detrás del conflicto. Todo lo que importa es la supervivencia. Ensiriados fue filmada en Líbano con refugiados sirios que nunca antes habían actuado. Es un drama tenso que pone un rostro humano a la crisis humanitaria de Siria. (Phil De Semlyen Empire empireonline.com)
Sábado 14: 17 y 19 hs.
CORAZÓN SILENCIOSO
(Stille hjerte. Dinamarca. 2014. 97 mins.)
Director: Bille August
Con: Ghita Nørby, Morten Grunwald, Paprika Steen, Danica Curcic, Jens Albinus, Johan Philip Asbæk, Vigga Bro, Oskar Sælan Halskov.
Guión: Christian Torpe. Fotografía: Dirk Brüel. Música: Annette Focks.
Los miembros de una familia se reúnen durante un fin de semana para despedir a la madre, una enferma terminal que ha decidido poner fin a su vida antes de que su estado empeore. Las hermanas Heidi y Sanne respetan su deseo, pero a medida que transcurren los días, la situación resulta cada vez más difícil de aceptar y viejos conflictos salen a la luz. El veterano cineasta danés Billie August regresó al tono intimista de sus películas más celebradas para elaborar este drama familiar que somete a sus personajes a una suerte de duelo previo a la muerte de un ser querido. La solidez narrativa evita todo efectismo para abordar el tema de la muerte y la eutanasia con una propuesta emotiva y humanista.
La película termina siendo una hermosa y sincera celebración de la vida en la que sus personajes adquieren conciencia de la importancia de las pequeñas cosas y la añoranza por los momentos no vividos, encontrando en el ejemplo de la madre la fuerza necesaria para reconducir sus existencias. Ghita Nørby impregna de calidez humana a esa figura matriarcal sobre la que gira el relato, ofreciendo un trabajo interpretativo de altura. Corazón silencioso es, gracias a su preciso guion, bendecido por exquisitos diálogos y una gran sutileza a la hora de destapar sus cartas escondidas, una magnífica obra que debería servir para reconciliarnos con el mejor Bille August, quien se muestra comodísimo en este poderoso retrato familiar que habla de un tema tan trascendental y temido por todos como es la muerte, haciéndolo, además, de una forma natural y nada efectista. (Jose Martín
El antepenúltimo mohicano)
Domingo 15: 17 y 19 hs.
EL TERCER ASESINATO
(Sando-me no satsugin. Japón. 2017. 124 mins.)
Director: Hirokazu Kore-eda
Con: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida, Shinnosuke Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume.
Guión: Hirokazu Koreeda. Fotografía: Mikiya Takimoto. Música: Ludovico Einaudi.
El reconocido abogado Shigemori toma el caso de Misumi, un hombre con antecedentes penales que es acusado por robo y homicidio. Las posibilidades de que Shigemori gane el juicio son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto signifique la pena de muerte. A medida que desentraña los hechos y escucha los testimonios de Misumi y su familia, el legista duda de la culpabilidad de su defendido. Bajo la apariencia de un thriller judicial, el más reciente trabajo de Hirokazu Kore-eda resulta un examen metafísico sobre la búsqueda de la verdad, el cual renuncia a la calidez y el estilo costumbrista que caracteriza la obra previa del realizador japonés.
La cinta se estructura con diálogos filmados de cerca en la sala de entrevistas de la prisión, a menudo con la presencia de abogados y clientes reflejados en el cristal divisorio. La trama se refracta a medida que la información compromete el caso. ¿Misumi mató por despecho o fue un acto de rectitud? Incluso se llega a cuestionar si cometió el asesinato. Kore-eda usa las marcas del film noir para plasmar un complejo enigma moral. El abogado intenta resolver el caso y nunca deja que la búsqueda de la verdad se interponga en el camino de impartir justicia. El tercer asesinato es una obra que dota de valor artístico al canon del drama criminal actual. (Michael Leader
Sight & Sound)

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