Miércoles.
4. 12, 17 y 19 hs.
DE LA INFANCIA
(México 2009. 120 mins.)
Director: Carlos Carrera
Con: Damián Alcázar, Benny Emmanuel, Rodrigo Corea, Pascacio López, Giovanna Zacarías, Gael
Zárate, Ernesto Gómez Cruz, Rodrigo Oviedo, Orlando Moguel, Alicia
Zapien, Gabriela Canudas, Roberto Sosa, Elizabeth Cervantes, Juan
Carlos Vives, Luisa Huertas, Alonso Echánove.
Guión: Silvia Pasternac, Fernando Javier León Rodríguez, Carlos
Carrera sobre la novela de Mario González Suarez. Fotografía: Martín Boege.
Música: Camilo Froideval, Raúl Vizzi.
Basada
en la novela homónima del mexicano Mario González Suárez, De la infancia rescata tanto la crudeza como los detalles
fantásticos de su antecedente literario. Como una especie de in extremis narrativo, el filme comienza
en medio de un robo domiciliario perpetrado por Francisco. Con un salto al
pasado, lo observamos nuevamente, pero ahora como un niño: inmerso en una
vorágine de inestabilidad emocional, violencia intrafamiliar y un modelo
paternal deshonesto. Un panorama que señala la desgarradora travesía diaria que
implica nacer en una familia disfuncional. (Astrid García Oseguera. Cineteca
Nacional)
Jueves
5. 12, 17 y 19 hs.
ROSTROS Y LUGARES
(Visages villages. Francia. 2017. 89 mins.)
Dirección: Agnès Varda, JR
Película documental con: Jean-Luc Godard, JR, Laurent Levesque, Agnès Varda.
Fotografía: Roberto De Angelis, Claire Duguet, Julia Fabry, Nicolas Guicheteau, Romain Le Bonniec, Raphaël Minnesota, Valentin Vignet. Música:
Mathieu Chedid.
La
veterana cineasta Agnès Varda y el artista urbano y fotógrafo JR, conocido por
sus monumentales intervenciones gráficas en edificios y calles del mundo, se
reúnen en este documental que retrata su improvisado paseo por algunos caminos
y lugares de Francia, entre los que se encuentran el puerto de Le Havre y una
planta química en los Alpes. En cada sitio, capturan momentos y personajes que
quedan plasmados en inmensas imágenes que funcionan como testimonio de la vida
moderna. El resultado es un entrañable trabajo sobre la naturaleza de la
memoria y el paso del tiempo, la durabilidad del arte, la amistad entre
generaciones y el placer de viajar a la aventura.
Al
contemplar esos rostros y lugares, nos invita a reflexionar sobre el paso del
tiempo y la naturaleza de la memoria, sobre la mutabilidad de la amistad y la
durabilidad del arte, sobre la dignidad del trabajo y el destino de la clase
obrera europea. No obstante, debajo de la jovialidad y el buen humor del filme,
hay un reconocimiento implícito de pérdida. Los lugares se desmoronarán y las
caras se desvanecerán, y el poder de las imágenes que aportan JR y Varda,
proporcionan una parcial compensación por esta lúgubre inevitabilidad. La
película es inolvidable, no por momentos dramáticos o imágenes deslumbrantes,
sino porque funciona como un talismán. A donde sea que uno viaje, seguramente
será útil. (A.O. Scott The New York Times)
Viernes
6. 12, 17 y 19 hs.
LA MAESTRA
(Učiteľka. Eslovaquia, República Checa. 2016. 102 mins.)
Director:
Jan Hrebejk
Con: Zuzana Mauréry, Zuzana Konecná, Csongor Kassai, Tamara Fischer, Martin Havelka, Éva
Bandor, Oliver Oswald, Peter Bebjak, Richard Labuda, Ina
Gogálová, Monika Certezni, Peter Bartak, Jozef Domonkos, Judita Hansman.
Guión: Petr Jarchovský. Fotografía: Martin Ziaran. Música:
Michal Novinski.
En la
Eslovaquia comunista de los años 80, los estudiantes de una escuela primaria
conocen a su nueva maestra, Mária Drazdechová, una mujer cuya influencia
política permite someter a las familias de sus alumnos a un acuerdo de
servidumbre: ellos le hacen favores de diversas índoles, ella sube las
calificaciones de sus hijos y, así, ayuda a pulir su futuro académico y
profesional. Cuando surge una petición para despedir a la maestra, se organiza
una junta en donde las alianzas fraternales de los padres chocan con sus
filiaciones civiles, reflejando la tensión social que se vive en un estado
autoritario.
Brillante
disección de los mecanismos de poder del régimen comunista, a cargo del
checo Jan Hrebejk, un poco desconocido fuera de su país, pese a títulos
como Casas acogedoras y Tenemos
que ayudarnos. Esta vez rueda en coproducción con el país en que
transcurre la acción, el vecino Eslovaquia, unido al suyo en el momento
retratado.
La
maestra gana
en profundidad si cabe, cuando advierte de que el advenimiento de la democracia
no supone necesariamente que se hayan terminado todos los problemas. Cuidado,
porque los aprovechados, quienes antes mandaban, sólo se han cambiado de
localización y de chaqueta.
Sábado
7. 17 hs.
STALKER. LA ZONA
(Stalker. Unión Soviética. 1979. 162
mins.)
Director: Andrei Tarkovski
Con: Aleksandr Kaidanovsky, Anatoly Solonitsyn, Nikolai Grinko, Natalya Abramova, Alisa Freyndlikh, Faime
Jurno, Raymo Rendi.
Guión: Arkadiy Strugatskiy, Boris Strugatskiy, Andrei Tarkovsky.
Fotografía: Aleksandr Knyazhinsky, Georgi Rerberg.
Música: Eduard Artemyev.
El
último largometraje que el cineasta soviético Andréi Tarkovski pudo filmar en
su país natal antes de su exilio, es un viaje lleno de misterio a través de un
paisaje postapocalíptico. Stalker es un guía contratado para llevar a un
escritor y un profesor a la Zona, un espacio restringido y enigmático que
sufrió tiempo atrás la caída de un meteorito. Ahí, los tres hombres intentarán
llegar a una habitación donde se cumplen los deseos más profundos. Segunda
incursión de Tarkovski en la ciencia ficción, la película es una meditación
sobre la crisis espiritual de un mundo que ha perdido la fe y la esperanza, a
partir de una puesta en escena de trágica belleza visual y una fuerza sonora
apabullante.
Stalker
es, en una visión muy particular, un desolador callejón sin salida, un no va
más en el cuestionamiento acerca del arte, del artista y del espectador frente
a la obra de arte. Los puntos a tomar en cuenta para llegar a esto son: el
arte, la sociedad y lo sagrado. El personaje de Stalker es el artista
plenamente entregado a su vocación, la cual busca no romper con dos
sentimientos: el sentirse parte de una sociedad y la capacidad de creer en algo
sagrado. Es querer crear una obra y que ésta sea capaz de enriquecer a los
seres humanos (sin que ello tenga nada que ver con cosas económicas y/o
glorificaciones estatales o de partido); sin que esos dos elementos destruyan
la capacidad-necesidad de creer que existe algo sagrado. (E. Román. El
Nacional)
Domingo
8. 17 y 19 hs.
PORTO
(Portugal/E.U./Francia/Polonia.
2016. 76 mins.)
Director: Gabe Klinger
Con: Anton Yelchin, Lucie Lucas, Paulo Calatré, Chantal Akerman, Florie
Auclerc-Vialens, Françoise Lebrun, Aude Pépin, Filomena Gigante, Diana de Sousa, Rita Pinheiro.
Guión: Larry Gross, Gabe Klinger. Fotografía: Wyatt Garfield.
Jake y
Mati son dos extranjeros en la ciudad portuguesa de Oporto que una noche
compartieron un breve momento de intimidad. Él es un solitario estadounidense
exiliado de su familia; ella una estudiante francesa que tiene por amante a su
profesor. Su experiencia es vista años después utilizando fragmentos de la vida
de cada uno por separado, ambos siendo perseguidos por aquel misterioso
recuerdo en el que el tiempo se detuvo. Filmada en 35 mm, 16 mm y Super 8, y
con un montaje que juega con el transcurso de los eventos presentándolos de
atrás para adelante y viceversa, Porto devela la profundidad de un encuentro
marcado por inesperados sentimientos amorosos y pasionales.
Como el
propio director ha declarado, Jake y Mati están suspendidos en el tiempo,
atados por su recuerdo. En Porto, la pasión sexual y sentimental se petrifica
en imágenes en movimiento que en su constante ir y venir también suspenden al
espectador en un refinado ejercicio cinematográfico. Gabe Klinger pone las
herramientas del cine al servicio del cine mismo para confeccionar una historia
que nos recuerda que «todo lo humano está perdido, pero al mismo tiempo algunas
cosas nunca se pierden». La memoria de esta película, podría ser una de ellas. (Israel Ruiz Arreola, Wachito. Cineteca
Nacional)
Lunes
9: 12, 17 y 19 hs.
EL CIUDADANO ILUSTRE
(Argentina/España. 2016. 118 mins.)
Dirección: Gastón Duprat, Mariano Cohn
Con: Óscar Martínez, Dady Brieva, Andrea Frigerio, Belén Chavanne, Nora Navas, Iván
Steinhardt, Manuel Vicente, Laura Paredes, Gustavo Garzón, Emma Rivera.
Guión: Andrés Duprat. Fotografía: Mariano Cohn, Gastón
Duprat. Música: Toni M. Mir.
Daniel
Mantovani es un escritor argentino galardonado con el Premio Nobel de
Literatura que acepta la invitación de su pueblo natal –el cual no ha visitado
en cuarenta años– para ser reconocido como “Ciudadano Ilustre”. Entre la
admiración y el resentimiento, su regreso desencadenará una serie de incómodas
y absurdas situaciones entre él y los habitantes. Dirigida por la dupla de
directores Mariano Cohn y Gastón Duprat, El
ciudadano ilustre es una comedia negra que a través de diálogos punzantes y
una sencilla puesta en escena, aborda temas como el choque entre la vida
cosmopolita y la rústica, la responsabilidad, y las contradicciones del arte y
la celebridad como objetos de deseo y envidia.
El
ciudadano ilustre denuncia
a las claras la envidia y la hipocresía que se adueña tan a menudo de la
sociedad contemporánea, cuando se trata de dar homenajes o impartir soflamas a
personalidades que han triunfado de uno u otro modo, y también de cómo esos
agraciados se dejan también agasajar por ellos en un ejercicio de narcisismo
que muchas veces se opone rotundamente a sus opiniones. Resulta ejemplar el
inicio del film, en donde el protagonista pone en jaque a la élite intelectual
del Premio Nobel, una apuesta por la coherencia que le costará sangre cuando el
pueblo le devuelva la misma moneda. (Pablo Santiago. Decine21.com.
Martes
10: 12, 17 y 19 hs.
AMANTE POR UN DÍA
(L’amant d’un jour. Francia 2017. 76 mins.)
Director: Philippe Garrel
Con: Éric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte, Laetitia Spigarelli, Paul Toucang, Félix Kysyl, Michel Charrel,
Nicolas Bridet, Marie Sergeant.
Guión: Jean-Claude Carrière, Caroline
Deruas-Garrel, Philippe Garrel, Arlette Langmann. Fotografía: Renato
Berta. Música: Jean-Louis Aubert.
Después
de una ruptura devastadora y perturbadora, Jeanne decide regresar a Francia, al
departamento de su padre, Gilles, un profesor de filosofía de mediana edad
quien se encuentra en una relación frágil y pasional con Arianne, una joven de
23 años que resulta tener la misma edad que Jeanne. Ambas están en búsqueda del
amor en una ciudad llena de posibilidades. Filmada en blanco y negro, con una
fotografía que embellece la naturaleza del cuerpo y una voz oculta que narra la
delicadeza de los sentimientos, Amante
por un día es el drama romántico y poético con el que el director Philippe
Garrel cierra una trilogía de los celos que arrancó con Celos (2013) y continuó con La
sombra de las mujeres (2015).
Elegantemente
filmada en blanco y negro, Amante por un día,
es una de las más livianas, naturales y transparentes películas del francés en
muchos años, y al mismo tiempo, muestra de que la infidelidad sexual parece
atormentarlo, apareciendo magistralmente en su obra una y otra vez como una
continuidad temática y estilística que sirve de base para construir y relatar
historias únicas. (Yilmar Villagrán Castillo. Cineteca Nacional)
Miércoles
11: 12, 17 y 19 hs.
LUCKY
(Lucky. E.U. 2017. 88 mins.)
Director: John Carroll Lynch
Con: Harry Dean Stanton, Ed Begley Jr., Beth Grant, James Darren, Barry Shabaka Henley, Yvonne
Huff, Hugo Armstrong, Bertila Damas, Ron Livingston, Ana
Mercedes, Sarah Cook, Amy Claire, Ulysses Olmedo, Mikey
Kampmann, Otti Feder, Mouse, Pam Sparks, David Lynch, Tom Skerritt.
Guión: Logan Sparks, Drago Sumonja. Fotografía: Tim Suhrstedt. Música: Elvis Kuehn
Lucky sigue el viaje espiritual de un hombre de 90
años y los peculiares personajes con los que convive en un pueblo del desierto
de Arizona. Veterano de guerra, fumador empedernido y ateo, le encanta vivir
solo siguiendo una simple rutina que incluye ejercicios de yoga, largas
caminatas y concursos televisivos. Después de sufrir una caída, Lucky se da
cuenta de que está en el precipicio de la vida e iniciará un viaje de
autoexploración que lo conduzca a la iluminación. El debut en la realización
del actor John Carroll Lynch, es a la vez una carta de amor a la vida y a la
carrera del actor Harry Dean Stanton (fallecido el año pasado), y una
meditación sobre la mortalidad, la soledad y la conexión.
«Siempre
pensé que la única cosa en la que podríamos estar de acuerdo es lo que estamos
mirando», Lucky murmura a alguien, «pero eso es una tontería porque lo que veo
no es lo que ves». Actuar consiste en reconciliar esos dos campos de visión, de
obligarlos a superponerse, y pocas personas lo han hecho mejor que Harry Dean
Stanton, incluso si tomó a algunos de sus personajes casi cien años para
entender la verdadera definición de "realismo". Si éste es realmente
su último papel, no podíamos pedir una vista más perfecta que la de él
caminando hacia la puesta de sol. (David Ehrlich. IndieWire indiewire.com)
Jueves
12: 12, 17 y 19 hs.
JOAQUÍN
(Joaquim. Brasil/Portugal. 2017. 97 mins.)
Director: Marcelo Gomes
Con: Júlio Machado, Nuno Lopes, Welket Bungué, Diogo Dória, Rômulo Braga, Isabél Zuaa, Paulo André, Eduardo Moreira, Miguel Pinheiro, Antônio Edson, Chico
Pelúcio.
Guión: Marcelo Gomes. Fotografía: Pierre de Kerchove. Música:
O Grivo.
Joaquín es un soldado que captura
contrabandistas mientras anhela convertirse en teniente, extrae muelas con los
dedos y piensa en cambiar la corrupción de su país, el Brasil sometido por
Portugal en el siglo XVlll. Su vida cambia cuando es enviado en busca de oro, y
Preta, una esclava de la que está enamorado, lo abandona y huye. El orgullo de
Joaquín lo convertirá en Tiradentes, el primer héroe del movimiento
independentista brasileño. Mostrando el lado humano del protagonista a pesar de
la violencia que lo rodea, el director Marcelo Gomes ofrece monólogos furiosos
y panorámicas tomas envueltas en naturaleza, en éste, su quinto largometraje,
elogiado por la crítica de su país.
La película se inspira en la historia real de Tiradentes, el
primer líder del movimiento revolucionario brasileño.
Viernes
13: 12, 17 y 19 hs.
ENSIRIADOS
(Insyriated. Bélgica/Francia. 2017. 85 mins.)
Director: Philippe Van Leeuw
Con: Hiam Abbass, Diamand Bou Abboud, Juliette Navis, Mohsen Abbas.
Guión: Philippe Van Leeuw. Fotografía: Virginie Surdej.
Música: Jean-Luc Fafchamps.
En la
zona de guerra de Siria, una madre intentará mantener a su familia y vecinos
seguros cuando la violencia se desate fuera de su casa. Las bombas amenazan con
destruir el edificio donde viven y los francotiradores convierten los patios en
zonas mortales. El segundo largometraje del director Philippe Van Leeuw
traslada el horror bélico al espacio doméstico, con una puesta en escena
opresiva que mantiene al espectador rehén junto a la familia durante 24 horas.
Haciendo a un lado las cuestiones políticas del conflicto, la película retrata
la amenazante situación que los sirios comunes viven en sus hogares, donde
mantener la rutina se convierte en una cuestión de vida o muerte.
Van
Leeuw no tiene miedo de abordar temas difíciles –su película de 2009, The Day God Went Away, estaba ambientaba
durante el genocidio de Ruanda–, pero le preocupa poco la política detrás del
conflicto. Todo lo que importa es la supervivencia. Ensiriados fue filmada en Líbano con refugiados sirios que nunca
antes habían actuado. Es un drama tenso que pone un rostro humano a la crisis
humanitaria de Siria. (Phil De Semlyen Empire
empireonline.com)
Sábado
14: 17 y 19 hs.
CORAZÓN SILENCIOSO
(Stille hjerte. Dinamarca. 2014. 97 mins.)
Director: Bille August
Con: Ghita Nørby, Morten Grunwald, Paprika Steen, Danica Curcic, Jens Albinus, Johan
Philip Asbæk, Vigga Bro, Oskar Sælan Halskov.
Guión: Christian Torpe. Fotografía: Dirk Brüel. Música:
Annette Focks.
Los
miembros de una familia se reúnen durante un fin de semana para despedir a la
madre, una enferma terminal que ha decidido poner fin a su vida antes de que su
estado empeore. Las hermanas Heidi y Sanne respetan su deseo, pero a medida que
transcurren los días, la situación resulta cada vez más difícil de aceptar y
viejos conflictos salen a la luz. El veterano cineasta danés Billie August
regresó al tono intimista de sus películas más celebradas para elaborar este
drama familiar que somete a sus personajes a una suerte de duelo previo a la
muerte de un ser querido. La solidez narrativa evita todo efectismo para
abordar el tema de la muerte y la eutanasia con una propuesta emotiva y
humanista.
La
película termina siendo una hermosa y sincera celebración de la vida en la que
sus personajes adquieren conciencia de la importancia de las pequeñas cosas y
la añoranza por los momentos no vividos, encontrando en el ejemplo de la madre
la fuerza necesaria para reconducir sus existencias. Ghita Nørby impregna de
calidez humana a esa figura matriarcal sobre la que gira el relato, ofreciendo
un trabajo interpretativo de altura. Corazón
silencioso es, gracias a su preciso guion, bendecido por exquisitos
diálogos y una gran sutileza a la hora de destapar sus cartas escondidas, una
magnífica obra que debería servir para reconciliarnos con el mejor Bille
August, quien se muestra comodísimo en este poderoso retrato familiar que habla
de un tema tan trascendental y temido por todos como es la muerte, haciéndolo,
además, de una forma natural y nada efectista. (Jose Martín
El antepenúltimo
mohicano)
Domingo
15: 17 y 19 hs.
EL TERCER ASESINATO
(Sando-me no satsugin. Japón. 2017. 124 mins.)
Director: Hirokazu Kore-eda
Con: Masaharu Fukuyama, Koji Yakusho, Suzu Hirose, Yuki Saito, Kotaro Yoshida, Shinnosuke
Mitsushima, Izumi Matsuoka, Mikako Ichikawa, Isao Hashizume.
Guión: Hirokazu Koreeda. Fotografía: Mikiya Takimoto. Música:
Ludovico Einaudi.
El
reconocido abogado Shigemori toma el caso de Misumi, un hombre con antecedentes
penales que es acusado por robo y homicidio. Las posibilidades de que Shigemori
gane el juicio son escasas, ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque
esto signifique la pena de muerte. A medida que desentraña los hechos y escucha
los testimonios de Misumi y su familia, el legista duda de la culpabilidad de
su defendido. Bajo la apariencia de un thriller
judicial, el más reciente trabajo de Hirokazu Kore-eda resulta un examen
metafísico sobre la búsqueda de la verdad, el cual renuncia a la calidez y el
estilo costumbrista que caracteriza la obra previa del realizador japonés.
La
cinta se estructura con diálogos filmados de cerca en la sala de entrevistas de
la prisión, a menudo con la presencia de abogados y clientes reflejados en el
cristal divisorio. La trama se refracta a medida que la información compromete
el caso. ¿Misumi mató por despecho o fue un acto de rectitud? Incluso se llega
a cuestionar si cometió el asesinato. Kore-eda usa las marcas del film noir
para plasmar un complejo enigma moral. El abogado intenta resolver el caso y
nunca deja que la búsqueda de la verdad se interponga en el camino de impartir
justicia. El tercer asesinato es una
obra que dota de valor artístico al canon del drama criminal actual. (Michael
Leader
Sight & Sound)
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