SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Noviembre.
Sábado 30: 18 hs.
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AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Domingo 1: 18 hs.
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ESTO NO ES BERLÍN
(México 2019. 112 mins.)
Director: Hari Sama
Con: Xabiani Ponce de León,
José Antonio Toledano, Ximena Romo, Mauro Sánchez Navarro, Klaudia García,
Américo Hollander, David Montalvo, Lumi Cavazos, Marina de Tavira.
Guión: Rodrigo
Ordóñez, Hari Sama y Max Zunino. Fotografía: Alfredo Altamirano. Música: Paulina
Márquez y Hari Sama.
Ciudad de
México, 1986. Carlos, un joven de 17 años, no encaja en ningún lugar: ni en su
familia ni con los amigos de la escuela. Las cosas cambian cuando, junto a su
mejor amigo Gera, llegan a un mítico club nocturno donde descubren la vida underground, delineada por los ritmos
del postpunk, la libertad sexual, las drogas y un liberador mundo artístico. La
celebración de la Copa Mundial de Futbol en la capital mexicana sirve como anclaje
de la radiografía social que el director Hari Sama hace en su cuarto
largometraje de ficción, el cual recrea una época atravesada por la ebullición
creativa, el desenfreno y el espíritu contestatario de una juventud inmersa en una
sociedad conservadora.
HARI SAMA. Ciudad
de México, 1967
Estudió
la licenciatura en Cine en el CCC y composición musical en el Centro de
Investigación y Estudios de Música (CIEM). Desde su opera prima, Sin ton ni Sonia
(2003), su obra fílmica de carácter humanista lo ha convertido en uno de
los autores más relevantes del cine independiente mexicano actual.
CRÍTICA
En esta
obra de corte autobiográfico, canónico relato de iniciación, Sama relata el
proceso de crecimiento de Carlos y Gera, adolescentes de clase media que se
introducen en esa vida subterránea que emana del Azteca, garito que funciona
como metáfora del big bang contracultural
que estalló en el Distrito Federal de aquellos días. A pesar de los tópicos en algunas
secuencias reñidas con la verosimilitud –el performance previo a un partido en
el que las fuerzas de la ley se hacen notar con su ausencia–, el filme
transmite las urgencias vitales y la voluntad resistente de aquella generación:
la cámara al hombro o el uso puntual del blanco y negro y el súper 8 conjugan
la reproducción de un tiempo atravesado por la ebullición creativa y el
desenfreno, con la aprehensión del espíritu contestatario, marcado por la experimentación
y la lucha contra una sociedad conservadora e inmóvil, que impulsó a aquellos
jóvenes. El director no rehúye a las contradicciones inherentes a tan
desinhibidoras prácticas –SIDA, sobredosis, inestabilidad–, aunque se cuida de
caer en el moralismo, buscando siempre equilibrar la balanza entre los peajes
que hubo que pagar y las metas alcanzadas. (Extractos de un texto de Enric
Albero. Caimán Cuadernos de Cine,
núm. 83 (134)
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio Especial del Jurado, Biznaga de Plata
al Mejor Actor de Reparto ex aequo, Biznaga
de Plata “Deluxe” a la Mejor Fotografía y Premio Especial del Jurado de la
Crítica. Festival de Málaga–Cine en Español. España. | Selección Oficial de la
sección Largometraje Mexicano. Festival Internacional de Cine de Morelia. | Selección
Oficial de la sección World Cinema Dramatic Competition. Festival de Cine de
Sundance. Park City, Estados Unidos. | Selección Oficial de la sección
Spotlight. Festival de Cine de Múnich. Alemania. | Selección Oficial de la
sección Tribeca Critics’ Week. Festival de Cine de Tribeca. Nueva York, Estados
Unidos.
2018 Premio Cinépolis Distribución y Mención
Especial de Impulso Morelia. Festival Internacional de Cine de Morelia. México.
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Domingo 1: 18 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Lunes 2: 13 y 19 hs.
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LA DULCE VIDA
(La dolce vita.
Italia-Francia 1960 174 mins.)
Director: Federico
Fellini
Con: Marcello Mastroianni,
Anouk Aimée, Anita Ekberg, Alain Cuny, Yvonne Fourneaux, Nadia Gray, Walter
Santesso.
Guión: Federico
Fellini, Tullio Pinelli y Ennio Flaiano, con la colaboración de Brunello Rondi.
Fotografía: Otello Martelli. Música: Nino Rota.
Mientras
retoma su carrera como escritor, el periodista Marcello se deja envolver por la
“dulce vida” de la alta burguesía romana y el mundo del espectáculo, entre
escándalos y frivolidades. Siempre en busca de nuevas emociones, el
protagonista va perdiendo contacto consigo mismo a través de una serie de
episodios que van de lo fantástico a lo trágico, enmarcados por una Roma
moderna y cosmopolita. Ganadora de la Palma de Oro de Cannes, La dulce vida representó el intento del
director Federico Fellini de componer una confesión autobiográfica, capturando
diversos aspectos sociales como la religión, el hedonismo y el dinero desde una
perspectiva embebida de humor satírico y pesimismo existencial.
FEDERICO
FELLINI. Rímini, Italia, 1920 – Roma 1993
Autor de
algunos de los más exitosos filmes italianos de toda la historia, Fellini
resulta imprescindible en el desarrollo del cine de su país, desdibujando el
verismo neorrealista para conformar un mundo único en el cual lo fantástico y
lo terrible, el erotismo, los recuerdos y el arte se dan la mano.
CRÍTICA:
La dulce vida muestra a una serie de personajes que
fuerzan el placer como camino hacia una felicidad que nunca hacen efectiva. El
personaje central es Marcello Rubini (Mastroianni), observador y personaje de
la vida romana. Marcello es un hombre sin atributos que se debate entre sus
aspiraciones intelectuales frustradas y la tentación por la vida mundana.
Fellini se identifica con Marcello porque no moraliza sobre ese mundo que
describe, sino que es su cómplice.
La dulce vida se estructura alrededor de cuatro
fiestas descritas como semiorgías cansinas. Cada fiesta adquiere tiznes de
pesadilla onírica y finaliza con el cruel regreso a la realidad, como si cada
situación de placer estuviera puntuada por la tristeza de cierta angustia
postsexual.
Fellini
construye La dulce vida como una obra
abierta, estructurada en episodios que funcionan como escenarios vitales por
los que transitan unos actores que generalmente son rostros caricaturescos o
imágenes potenciales de ese universo. A partir de La dulce vida sus relatos empezaran a aparecer despojados de un
clímax y de las clásicas curvas indicativas de la temporalidad dramática. Cada
secuencia funciona como un número aislado. (Extractos de un texto de
Ángel Quintana. Maestros del Cine:
Federico Fellini. Cahiers du Cinéma, París, 2011 (versión española)
PREMIOS Y FESTIVALES:
1960 Palma de Oro. Festival de Cannes. Francia. | Premio
David de Donatello al Mejor Director. Academia del Cine Italiano.
1961 Premio Nastro d'argento a Mejor actor, Mejor argumento
y Mejor escenografía. Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine. |
Premio a Mejor película de habla no inglesa. Círculo de Críticos de Cine de
Nueva York. Estados Unidos.
1962 Óscar a Mejor Diseño de Vestuario (Blanco y
negro). Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Estados Unidos.
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Lunes 2: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Martes 3: 13 y 19 hs.
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EL JOVEN AHMED
(Le jeune Ahmed,
Bélgica-Francia 2019, 84 mins.)
Dirección y guión:
Jean-Pierre y Luc Dardenne
Con: Idir Ben Addi, Olivier
Bonnaud, Myriem Akheddiou, Victoria Bluck, Claire Bodson, Othmane Moumen.
Fotografía: Benoît Dervaux.
En la
Bélgica actual, el destino de Ahmed, un chico musulmán
de 13 años, se condiciona entre cumplir los ideales de pureza de su imam o ceder a las tentaciones de la vida. Con esta
premisa se sustenta el más reciente filme de la dupla cinematográfica
conformada por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, quienes realizan un
inventario de los principios transmitidos por el fanatismo religioso a través
de una cámara que nunca se despega del protagonista. Fieles al estilo consolidado
en su obra, los cineastas belgas se decantan por una economía narrativa centrada
en momentos importantes que capturan el carácter inalterable de la voluntad de
Ahmed y su convicción por el fundamentalismo islámico.
JEAN-PIERRE DARDENNE / LUC DARDENNE. Engis,
Bélgica, 1951 / Awirs, Bélgica, 1954
Considerados
una de las voces más importantes del cine social europeo, los hermanos Dardenne
tienen una filmografía con ecos humanistas en la que exploran las desigualdades
económicas y disyuntivas morales de los grupos sociales más desfavorecidos,
centrándose en los dilemas que viven sus personajes.
CRÍTICA:
Más allá
del drama, los cineastas hacen un inventario de los principios transmitidos por
el fanatismo religioso, especialmente sobre las mujeres. Nos recuerdan que la
violencia de esos actos tiende a banalizarse al estar casi acostumbrados al
hecho de que algunos fanáticos se niegan a estrecharle la mano a una mujer o
defienden que un curso de árabe se puede hacer estudiando sólo el Corán. Fieles
a su obra, los Dardenne van al grano. Capturan los momentos importantes con una
eficaz economía narrativa que sin embargo llega a sorprender, especialmente en
la escena final. De hecho, el desenlace es brutal, rápido, generando una ligera
sensación de incertidumbre ante un filme bien construido. Un abrupto final que
no altera el poder de una película que perturba y genera un frío en la espalda.
(Extracto de un texto de Gaëlle Bouche. Abus
de Ciné. Lyon, mayo de 2019.Traducción: Edgar Aldape Morales.
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio a la Mejor Dirección. Festival de
Cannes. Francia. | Función inaugural. Festival Internacional de Cine de
Morelia. México. | Premio “Miguel Delibes” al Mejor Guion y Premio “José
Salcedo” al Mejor Montaje. Semana Internacional de Cine de Valladolid. España.
| Selección Oficial de la sección Masters. Festival de Cine de Jerusalén.
Israel.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1971)
Diciembre.
Lunes 2: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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EL MENSAJERO
(The
Go-Between, Gran Bretaña, 1971, 116 mins.)
Director: Joseph Losey
Con: Julie
Christie, Alan Bates, Margaret Leighton, Michael Redgrave, Dominic Guard, Michael Gough, Edward Fox, Richard Gibson, Simon Hume-Kendall.
Guión: Harold Pinter sobre la novela de L.P. Hartley.
Fotografía: Gerry Fisher. Música: Michel Legrand.
Inglaterra, principios
del siglo XX. Los señores Maudsley, de la alta sociedad inglesa, han invitado a
Leo, un compañero de clase de su hijo a pasar unos días de vacaciones con
ellos. El recién llegado será utilizado por la hermana de su amigo para enviar cartas
a su amante.
Sensible,
hermosísima película de Joseph Losey, de belleza impresionante, tanto por
las preciosas fotografía y música, como por su magnífico y lánguido tempo. Como
es habitual en el cineasta, que adapta una novela de L.P. Hartley con
guión de su amigo el dramaturgo Harold Pinter, fustiga las diferencias de
clase, y la hipocresía de la que suelen hacer gala los más afortunados. Pero
además hay una habilísima descripción de la psicología de los personajes, con
las palabras justas, y un reparto cómplice que está sencillamente sensacional.
De los mejores filmes que hablan del final abrupto de la inocencia propia de la
infancia.
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Martes 3: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Miércoles 4: 13 y 19 hs.
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POR LA GRACIA DE DIOS
(Grâce à Dieu, Francia-Bélgica, 2019, 137 min.)
Director y guión: François Ozon.
Con: Melvil
Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud, Éric Caravaca,
François Marthouret, Bernard Verley,
Martine Erhel.
Fotografía:
Manu Dacosse. Música: Evgueni y Sacha Galperine.
Alexandre vive con su esposa e hijos en Lyon. Un día descubre por
casualidad que el cura que abusaba de él cuando era un boy scout sigue trabajando con chicos jóvenes. Perturbado, decide
tomar cartas en el asunto. Su búsqueda de otras víctimas lo lleva a François y
Emmanuel, quienes también luchan con los traumas ocasionados por las acciones
del cura. Basada en el caso real del padre Bernard Preynat, quien en 2016 fue
acusado de abusar sexualmente de alrededor de 70 niños y jóvenes durante la década
de los 80, la más reciente película de François Ozon aborda con economía
narrativa y un enorme apego a la realidad el silencio de la Iglesia católica
hacia la pedofilia y cuestiona su complicidad.
FRANÇOIS
OZON. París, Francia 1967
Director y guionista, estudió en la prestigiosa
escuela de cine La Fémis, en París, y hoy es uno de los realizadores más
renombrados de Francia. Su ya basta filmografía, usualmente presentada en los
festivales más importantes del mundo, se ha caracterizado por un enfoque
satírico de la sociedad europea, así como un tratamiento poco convencional de
la sexualidad humana.
CRÍTICA:
Hace unas semanas tuvo lugar en el Vaticano una cumbre contra la
pederastia, hecho histórico donde salía a relucir uno de los temas más
escandalosos que han lastrado a la Iglesia moderna. Aunque se ha denunciado que
el congreso apenas resultó en medidas concluyentes, su proceso permitía romper
con una tradición desalmada. Y es que hasta entonces los abusos sexuales de
curas, párrocos u obispos hacia los menores asistentes a sus congregaciones se
beneficiaban de la impunidad. Era pues importante arrojar luz sobre unos
crímenes que han afectado y siguen afectando a muchas personas, en el seno de
una institución entre otras en las que unos pocos se aprovechan de su posición
de superioridad e influencia con la peor de las intenciones.
Por la gracia de Dios insiste en el componente personal,
en su sentido individual, de una historia coral, pero sin perder de vista esta
última dimensión que conecta más con la realidad. [El filme] está comprometido
con sus múltiples facetas, y su rigor persigue proporcionar a sus espectadores
tanta información como emoción, pero sin conclusiones definitivas ni arrebatos
pasionales. (Fragmentos de un texto de Ignacio Navarro. Revista EAM (elantepenultimomohicano.com) Madrid, abril de 2019.
PREMIOS Y
FESTIVALES
2019 Gran
Premio del Jurado y nominación al Oso de Oro. Festival Internacional de Cine de
Berlín. Alemania. │Premio al Mejor Actor (Melvil Poupaud, Denis
Ménochet, Swann Arlaud). Festival Internacional de Cine de Las
Palmas de Gran Canaria. España. │Selección Oficial de la sección Mundo.
Festival Internacional de Cine de Nueva Zelanda.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1972)
Diciembre.
Martes 3: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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LA CHICA DEL BAÑO PÚBLICO
(Deep End, RFA-EUA, 1970, 90 mins.)
Director: Jerzy Skolimowski
Con: Jane Asher, John Moulder-Brown, Karl Michael Vogler, Christopher Sandford, Diana Dors, Louise Martini, Erica Beer, Anita Lochner, Anne-Marie Kuster, Cheryl Hall.
Guión: Jerzy Skolimowski, Jerzy Gruza, Boleslaw
Sulik. Fotografía: Charly Steinberger. Música: Cat
Stevens, The Can.
Mike, un joven de 15 años, consigue un modesto
empleo en una piscina pública. Allí se obsesiona con Susan, una atractiva joven
que trabaja allí como asistente. Aunque Susan está comprometida, Mike empieza a
hacer todo lo que está a su alcance para sabotear su relación y quedarse con la
chica.
Skolimowski tiene la agudeza de no caer en las trampas que con
facilidad se le planteaban argumentalmente, sobre todo en el fácil recurso a
explotar en torno burlesco esa búsqueda desesperada del deseo insatisfecho por
parte del joven. Por el contrario, la narración en realidad se torna
milimalista, y aparece esa carencia de una fuerza argumental poderosa, donde el
cineasta se detiene antes que nada en el estudio de caracteres, apostando en
sus instantes finales por un extraño y necrófilo alcance poético, que se
muestra con la misma carencia de afectividad que se detecta en el el resto del
metraje. (Cinema de perra gorda)
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
MIÉRCOLES 4: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Jueves 5: 13 y 19 hs.
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EL DESPERTAR DE LA FIERA. DOGMAN
(Dogman, Italia-Francia, 2018, 102 min.)
Director: Matteo Garrone
Con: Marcello Fonte, Edoardo
Pesce, Alida Baldari Calabria, Nunzia Schiano, Adamo Dionisi, Francesco
Acquaroli, Gianluca Gobbi.
Guión: Matteo
Garrone, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso y Maurizio Braucci. Fotografía: Nicolaj
Brüel. Música: Michele Braga.
Además de
su trabajo como peluquero en un modesto salón de belleza para perros, el diminuto
y gentil Marcello divide sus días entre cuidar a su hija y tener una peligrosa
relación de subyugación con Simoncino, exboxeador que aterroriza al vecindario,
un suburbio pobre donde la ley que predomina es la del más fuerte. En un
esfuerzo por reafirmar su dignidad, Marcello emprenderá un inesperado acto de
venganza. Inspirada en un caso real ocurrido en los años 80, el filme navega
entre el realismo social y el cine de género para seguir los dilemas morales de
un hombre (interpretado poderosamente por Marcello Fonte) que busca redimirse
en un ambiente podrido donde la bondad no parece existir.
MATTEO GARRONE. Roma, Italia, 1968
Debutó
como director en 1996 con el corto Silhouette.
Con un estilo semidocumental, sus películas en torno a seres que reflejan dolor
y pesimismo en entornos desolados lo han convertido en uno de los referentes del
reciente cine italiano, con trabajos como Reality
(2012) o la aclamada Gomorra (2008).
CRÍTICA
Después
de transitar por extraños parajes sin tanta solvencia, Matteo Garrone parece volver
a un territorio cercano a Gomorra
[2008]. El director parte de la recreación del llamado “delito del Canaro”, acontecido
en la periferia romana durante los años 80. La fábula sobre la violencia, la
rabia y los perros es simple y clara. La puesta en escena destaca sobre todo
por la descripción de un ambiente podrido, de una sociedad sin esperanza donde la
ignorancia no es posible y la bondad no existe. Una vez expuesta la base de la
parábola, todo avanza de forma precipitada. Además del espacio recreado, el
principal motor del filme radica en la fuerza como actor de Marcello Fonte, gran
protagonista de la historia. (Extracto de un texto de Ángel Quintana. Caimán Cuadernos de Cine, núm. 76 (127).
Madrid, noviembre de 2018
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premios David di Donatello a Mejor Película,
Dirección, Guion Original, Actor de Reparto, Dirección de Fotografía, Edición,
Escenografía, Maquillaje y Sonido. Academia del Cine Italiano. | Nominación al
Premio BAFTA a Mejor Película de Habla No Inglesa. Academia Británica de las
Artes Cinematográficas y de la Televisión.
2018 Premio a la Mejor Interpretación Masculina y
Premio al Mejor Actor de la Sociedad Cinéfila Internacional (ICS). Festival de
Cannes. Francia. | Premios del Cine Europeo a Mejor Actor, Diseño de Vestuario,
y Artista de Maquillaje y Peinado. Academia del Cine Europeo [otorgados en
Sevilla, España].
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1973)
Diciembre.
Miércoles 4: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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FILM DE AMOR Y ANARQUÍA
(Film d'amore e d'anarchia, Italia,
1973, 120 mins.)
Dirección: Lina Wertmüller
Con: Giancarlo Giannini, Mariangela Melato, Eros Pagni, Pina Cei, Elena Fiore, Giuliana Calandra, Isa Bellini, Anna Bonaiuto, Lina Polito, Franca Salerno.
Guión: Lina
Wertmüller. Fotografía: Giuseppe Rotunno. Música: Nino Rota, Carlo Savina.
Italia, años 30. Un desconocido llega a un
burdel romano. Salomé, prostituta y anarquista, lo presenta como su primo
Antonio Soffiantini, comúnmente llamado Tunin. En realidad, es un campesino que
ha llegado a Roma para matar a Benito Mussolini, pero su actitud política nunca
es definida claramente. Además, no parece identificarse con esas opiniones
revolucionarias feroces con las que Salomé se presenta. En la atmósfera libre
del burdel, Tunin espera el día del asesinato...
Film de amor y anarquía se destapa pues como una de las mejores comedias melodramáticas de la
historia del cine italiano y una de las más grandes piezas producidas en los
años setenta en aquella geografía. Tejiendo a partir de un tono en principio
leve, una compleja metáfora que exalta la libertad (empleando para ello una
fina sátira) en las orillas del tristemente recordado período fascista, siendo
a su vez adornada con una estupenda banda sonora compuesta por la dupla Carlo
Savina / Nino Rota y un diseño de producción que no pierde detalle en recrear la
vida en la Italia de esos años, lanzando una clara crítica tanto al fascismo
como a cualquier doctrina política que coarte la libertad del individuo, y que
por tanto emerge como un canto en favor del humanismo como único vehículo
posible para poder establecer relaciones de igualdad con nuestros semejantes. (https://www.cinemaldito.com/amor-y-anarquia-lina-wertmuller/)
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Jueves 5: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Viernes 6: 13 y 19 hs.
|
EL DIABLO ENTRE LAS PIERNAS
(México-España
2018, 147 min.)
Director: Arturo Ripstein
Con: Silvia Pasquel, Alejandro Suárez, Greta Cervantes, Daniel Giménez
Cacho, Patricia Reyes Spíndola, Erando González.
Guión: Paz
Alicia Garciadiego. Fotografía: Alejandro Cantú. Música: David Mansfield.
Todos los días
Beatriz es víctima de insultos y humillaciones por parte de su celoso esposo,
con quien ha creado una longeva codependencia. A fuerza de sentirse celada,
Beatriz se siente deseada y sobre todo deseable. Para comprobarlo, una noche
sale de casa sin rumbo alguno con un solo propósito: sexo. Esta tóxica relación
se desarrolla en una casa destartalada bajo la mirada de la joven criada,
Dinorah, quien eventualmente tomará el asunto en sus manos. Bajo la idea de que
la atracción y la repulsión no se terminan con la edad, el más reciente
largometraje de Arturo Ripstein aborda la sexualidad geriátrica con un humor
salvaje y una mirada poética ante la miseria de la vida que llega al ocaso.
ARTURO
RIPSTEIN. Ciudad
de México, 1943
Autor de una
de las obras más personales del cine mexicano, notable por su rigurosa puesta
en escena casi siempre orquestada a través de planos secuencia, su marcado
pesimismo y sordidez, así como su experimentación con el melodrama. En 1985
inició su colaboración con Paz Alicia Garciadiego.
CRÍTICA
El abismo del
aparato sexual femenino guarda un terrible y amenazante secreto: su propio
placer. Todo intento por dominarlo se convierte en un calvario interminable
para el machismo más recalcitrante. Y si hay amores que duran toda la vida, por
qué no habrían de existir también los celos eternos como los que Beatriz hace
padecer a su viejo marido. Protagonistas de la más reciente película de Arturo
Ripstein y Paz Alicia Garciadiego, esta pareja de ancianos está sometida a las
amargas contradicciones del amor y el deseo. El diablo entre las piernas
se arroja así, sin titubeos, a los demonios que nacen de la sexualidad y no
perecen ni en la vejez.
Como es
costumbre, los melodramas Garciadiego-Ripstein hacen implosión, la catástrofe
succiona hasta el fondo a personajes condenados a la fatalidad. En este caso,
los celos que carcomen al viejo y el ardor de la entrepierna que Beatriz no
puede claudicar, son los catalizadores de una telenovela inclemente que
estimula las pasiones carnales y las aplasta con la misma fuerza. El diablo
entre las piernas secreta un deseo sin fin, un deseo del que no pueden
escapar esos dos cuerpos viejos y excitados. (Israel Ruiz Arreola, Wachito.
Cineteca Nacional. Ciudad de México, 17 de octubre de 2019)
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1974)
Diciembre.
Jueves 5: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
|
LA PRIMA ANGÉLICA
(España, 1974, 100 mins.)
Director: Carlos Saura
Con: José Luis López Vázquez, Lina Canalejas, Fernando Delgado, Julieta Serrano, Lola Cardona, Josefina Díaz, José Luis Heredia, Encarna Paso.
Guión: Carlos Saura, Rafael Azcona. Fotografía: Luis Cuadrado. Música: Varios.
Un hombre vuelve a su
pueblo natal para asistir al entierro de su madre. Allí, rememora su infancia y
adolescencia, especialmente el amor que sentía por su prima Angélica.
Singular
mirada de Carlos Saura, con guión de Rafael Azcona, a los
mecanismos de funcionamiento de la memoria. Con una estructura compleja, cuenta
el regreso a Segovia de Luis, un editor cuarentón, para enterrar los
restos de su madre en el panteón familiar. Al llegar al lugar de su infancia,
los recuerdos de una educación opresiva y su amor por la prima Angélica se
apoderan de su mente. Ahora Angélica está casada en un matrimonio infeliz, y él
se ve agobiado por los traumas del pasado.
El film fue Premio del Jurado en Cannes, y fue muy polémica en España
por la visión negativa de un personaje falangista. Pero en un momento de
política cultural aperturista del régimen, tuvo muy buena acogida de público y
crítica. (decine21.com)
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Viernes 6: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Sábado 7: 18 hs.
|
VARDA POR AGNÈS
(Varda par Agnès, Francia, 2019, 115 min.)
Dirección: Agnès Varda [primera parte
codirigida con Didier Rouget].
Con: Agnès Varda, Sandrine Bonnaire, Hervé
Chandès, Nurith Aviv y Esther Levesque. Guión:
Agnès
Varda y Didier Rouget . Fotografía: Claire Duguet, Julia Fabry y François
Décréau.
¿De dónde
nace la idea de una película legendaria, sensible e inigualable? ¿Cómo se
concibe el proceso de creación cinematográfica? ¿Qué pasa detrás de lo que
vemos en la pantalla, de los movimientos de cámara, los personajes entrañables
y las escenas emotivas? Agnès Varda, sentada en el escenario de un teatro,
desmenuza los momentos más significativos de su carrera como cineasta, haciendo
una introspección de los procesos que la llevaron a filmar películas memorables
como Sin techo ni ley (1985). Varda por Agnès fue la última producción
de la pionera de la Nueva Ola Francesa, un largometraje de no-ficción realizado
pocos meses antes de su muerte: una involuntaria carta de despedida.
AGNÈS VARDA. Bruselas, Bélgica,
1928 – París, Francia, 2019
Creadora
delicada y entrañable de piezas audiovisuales, creció en Sète, un pequeño
poblado de Francia. Antes de convertirse en una de las mayores representantes
de la Nueva Ola Francesa, realizó estudios de literatura, psicología, historia
del arte y filosofía en La Sorbona y la Escuela del Louvre en París, Francia.
CRÍTICA
En
este documental que reúne seis décadas de trayectoria en imágenes, Agnès Varda
se presenta ante diversos públicos para compartir, como delineando un largo
travelling de memoria, un cariñoso paseo por sus motivaciones estéticas, el discurso
feminista que acompaña su inventiva, las alusiones literarias y pictóricas en
sus cintas, la importancia de la fotografía en su concepción de la realidad, la
filosofía del tiempo detrás y frente a cámara, su incursión como artista visual,
la docuficción, su paso por la era digital y su cinescritura del alma. (…) El
legado del que nos habla Varda por Agnès
no es, de ningún modo, un canto fúnebre dedicado a la extensa obra de la
artista, sino un homenaje a su eterna imaginativa, creativa y compartida vitalidad
cinematográfica. (Paola Parra Solorio. Cineteca Nacional. Ciudad de México, 25
de octubre de 2019
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Estreno mundial fuera
de competencia. Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale). Alemania.
| Estreno en México. Festival Internacional de Cine de Morelia. México. | Selección
del programa The Features of Agnès. Festival Internacional de Cine de Edimburgo.
Escocia. | Selección Oficial de la sección Les Incontournables. Festival de
Nuevo Cine de Montreal. Canadá. | Selección del programa Viva Varda. Festival
de Cine de Sídney. Australia. | Premier española. Festival Internacional de
Cine de Barcelona-Sant Jordi. España. | Selección Oficial de la sección Art For
Life. Festival !F de Cine Independiente de Estambul. Turquía. | Proyección
especial. Visions du Réel. Festival Internacional
de Cine de Nyon, Suiza.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1975)
Diciembre.
Viernes 6: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
|
EL PASAJERO
(The passenger, Italia-Francia-España, 1975, 117 mins.)
Director: Michelangelo Antonioni
Con: Jack Nicholson, María Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry, Ambroise Bia, Steven Berkoff, José María Caffarel, James Campbell, Manfred Spies.
Guión: Mark Peploe, Michelangelo Antonioni, Peter Wollen. Fotografía: Luciano Tovoli. Música: Ivan Vandor.
David Locke es un afamado reportero que intenta sin éxito
entablar contacto con unas tropas rebeldes en un país del África subsahariana
para culminar un reportaje sobre las problemáticas y abundantes luchas armadas
del sur del continente. Tras su último intento fallido de localizar y
entrevistar a unos guerrilleros, quedará estancado en una duna con su Land
Rover mientras cruza un paraje desértico, regresando abatido a su hotel a pie.
Allí, decepcionado consigo mismo, descubrirá el cadáver de David Robertson, un
huésped con el que había entablado amistad y del que Locke sabía que no tenía
familia y que se hallaba en África por “negocios”. Sin dudarlo, y aprovechando
su parecido físico, suplantará la identidad del fallecido para experimentar una
nueva vida. Protagonizada por Jack Nicholson y Michelangelo Antonioni, "El
pasajero" plantea con mucho acierto la dualidad existencial del
protagonista y su desarraigo con un mundo que no le complace
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Sábado 7: 18 hs.
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AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Domingo 8: 18 hs.
|
GÉNESIS 2.0
(Genesis 2.0, Suiza-China-Rusia-Corea del Sur-Estados
Unidos, 2018, 113 min.)
Director: Christian Frei, en codirección
con Maxim Arbugaev.
Con: Peter Grigoriev, Semyon Grigoriev, George Church, Spira Sleptsov, Hwang
Woo-Suk.
Guión: Christian Frei.
Fotografía: Peter
Indergand, y fotografía adicional de Maxim Arbugaev y Vladimir Egorov. Música: Max Richter y Eduard Artemyev.
En las
remotas islas de Nueva Siberia en el extremo norte de Rusia, los cazadores de
mamuts buscan colmillos de aquellos seres extintos. Su hallazgo de una carcasa
de mamut bien preservada atrae la mirada de varios científicos que quieren
devolver a la vida al animal prehistórico, en un proceso que sería la primera señal
de la próxima revolución tecnológica en el campo de la genética. Con una narrativa
que evoca a la ciencia ficción, el más reciente filme del documentalista Christian
Frei (codirigido con Maxim Arbugaev) sigue la peligrosa vida de un grupo de
cazadores en la inmensidad de los paisajes árticos, y cuyo trabajo se entrelaza
con quienes buscan crear sistemas biológicos artificiales.
CHRISTIAN FREI. Schönenwerd, Suiza, 1959
Considerado
uno de los documentalistas suizos más llamativos, Frei ha conformado una obra
enfocada en varias facetas de la naturaleza humana a partir de historias que
van desde el turismo espacial hasta exploraciones culturales. Su filme Fotógrafo de guerra (2001) obtuvo una
nominación al Óscar de la Academia Estadounidense.
CRITICA
Génesis 2.0 retrata un camino hacia el futuro. Un
futuro que se retrata en ciertos aspectos grotescos y que se perfila en el
horizonte como una amenaza traidora y febril. La nueva película de Christian
Frei y Maxim Arbugaev arranca con imágenes grandiosas de las misteriosas
tierras de la Nueva Siberia, en el extremo norte de Rusia. Una isla poco
hospitalaria y orgullosa que, desde el principio del filme, parece respirar,
vivir y acelerar los pasos de sus poco bienvenidos huéspedes: un grupo de
buscadores de colmillos de mamut. En vilo, entre los vestigios de una era y un
futuro de falsa ciencia ficción del que podría formar parte, el grupo de
cazadores que filman Frei y Arbugaev parece perder progresivamente el norte.
(…) Génesis 2.0 traza un paralelo constante
entre dos realidades y desvela el trasfondo de una misión científica poblada
por personajes que erizan la piel. El vaso comunicante es un desasosiego por la
riqueza y el poder que aparecen en la naturaleza humana. Y el paroxismo que
parece importar es la construcción de un superhombre previsible, fruto de la
comercialización de la vida misma. (Extractos de un texto de Giorgia Del Don. Cineuropa. Suiza, 23 de abril de 2018)
PREMIOS Y FESTIVALES
2018 Premio Especial del Jurado de la sección World
Cinema Documentary a la Mejor Fotografía. Festival de Cine de Sundance. Park
City, Estados Unidos. | Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine
de Moscú. Rusia. | Selección Oficial de la sección Panorama Suisse. Festival de
Cine de Locarno. Suiza. | Selección Oficial de la sección Masters. Festival
Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA). Países Bajos. | Selección
Oficial de la Competencia Internacional de Largometrajes. Visions du Réel,
Festival Internacional de Cine de Nyon. Suiza.
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Domingo 8: 18 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Lunes 9: 13 y 19 hs.
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REINA DE CORAZONES
(Queen of Hearts, Dinamarca-Suecia, 2019, 127 min.)
Dirección: May el-Toukhy
Con: Trine Dyrholm, Gustav Lindh, Magnus Krepper, Liv Esmår Dannemann, Silja
Esmår Dannemann y Stine Gyldenkerne.
Guión: Maren Louise Käehne y May el-Toukhy.
Fotografía: Jasper J. Spanning. Música: Jon Ekstrand.
Lo que inicia como un melodrama familiar acerca de las pequeñas
fracturas en un largo matrimonio, donde la vida laboral y el distanciamiento
íntimo provocan el inminente enfriamiento de la relación amorosa, se convierte
en un palpitante romance casi incestuoso entre una madrasta y el hijo de su
marido. En su segundo largometraje, la cineasta danesa May el-Toukhy explora algo
más profundo que la infidelidad, se adentra en las implicaciones morales que
trae consigo la trasgresión de tabús y hace especial énfasis en lo que sucede
cuando alguien cae en la provocación de actuar bajo la intoxicante influencia
del deseo y la pasión.
MAY eL-TOUKHY. Charlottenlund, Dinamarca, 1977
Tras
egresar de la Escuela Nacional Danesa de Artes Escénicas, estudió en la Escuela
Nacional de Cine de Dinamarca. Ha dirigido tres cortometrajes y dos filmes que
analizan las circunstancias tanto sublimes como brutales del amor.
CRÍTICA
El amor
es complicado. Cambia personalidades, el tiempo mismo, y una cosa llamada deseo
puede a veces afectar e infectar incluso la relación más fuerte. Importan las
elecciones, pero pueden incluso significar mucho más las decisiones que uno
toma después. Reina de corazones es una
tragedia acerca de esta toma de decisiones y un recordatorio de que incluso los
mejor-intencionados entre nosotros pueden joder brutalmente las cosas si no se
tiene el suficiente cuidado. (…) Hay dos cosas en la médula de la cinta: las
percepciones que nos creamos sobre las personas, y las decisiones que tomamos. La
película pudo haber concluido fácilmente con la revelación y el desencanto de
la familia feliz. Pero el-Toukhy reservó opciones más devastadoras para sus
personajes. Las malas decisiones tienen consecuencias trágicas y, mientras el
mundo se desmorona alrededor, la desesperación toma el control. Reina de corazones es una tragedia sobre
la realidad: nunca conocemos realmente a nuestras personas más cercanas.
Pensamos que lo hacemos, y queremos creerlo muy desesperadamente, pero lo que verdaderamente
somos, sólo lo sabe cada uno. (Extractos de un texto de Rob Hunter. Film School Rejects (filmschoolrejects.com) Austin, 7 de enero de
2019 Traducción: Astrid García Oseguera
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio de la Audiencia. Festival Internacional
de Cine de Sundance. Park City, Estados Unidos. | Premio a la Mejor Actriz (Trine
Dyrholm). Festival de Cine de Zúrich. Suiza | Dragon Award a la Mejor Película
Nórdica, a la Mejor Actuación (Trine Dyrholm) y Premio del Público. Festival de
Cine de Gotemburgo. Suecia. | Nominación al Big Screen Award. Festival
Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Lunes 9: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Martes 10: 13 y 19 hs.
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PAPICHA: NIÑA HERMOSA
(Papicha, Argelia-Francia-Bélgica-Catar, 2019, 108 min.)
Dirección: Mounia Meddour
Con: Lyna
Khoudri, Shirine Boutella, Amira Hilda Douaouda, Zahra Manel Doumandji, Yasin
Houicha, Nadia Kaci.
Guión: Mounia
Meddour, con la colaboración de Fadette Drouard. Fotografía: Léo Lefèvre.
Música: Rob.
Argelia,
1997. El país está en manos de grupos que buscan instaurar el estado islámico.
Las mujeres son las que más se ven afectadas por las nuevas leyes, con las
cuales los líderes buscan controlar sus cuerpos y su forma de comportarse. En
ese entorno, la joven estudiante Nedjma sueña convertirse en diseñadora de
modas, por lo que, pese a la situación política que la rodea, luchará por su
libertad organizando un desfile de modas que desafía los tabús. Desde una
mirada feminista e inspirada en sus propias vivencias, en su primer
largometraje la directora Mounia Meddour recrea el clima de violencia y
opresión que se vivía en Argelia, hundida en una guerra civil que se extendió hasta
el nuevo milenio.
MOUNIA MEDDOUR. Argelia,
1978
Nació y
creció en Argelia hasta los 18 años, cuando se mudó a Francia con su familia debido
a las amenazas de muerte que recibieron durante la guerra civil en su país
natal. Estudió periodismo antes de unirse al programa de verano sobre dirección
en la escuela de cine La Fémis. Papicha:
niña hermosa es su primer largometraje.
CRÍTICA
«Obedece,
si no, nos ocuparemos de ti». En Argel, durante los años 90, el impacto de la
guerra sucia que enfrenta al gobierno y a la nebulosa islamista se esparce por
todos los estratos de la sociedad argelina. Es a través de la óptica de una
joven llena de energía y esperanza (sin duda, inspirada en sus propios
recuerdos) que Mounia Meddour regresa a ese sombrío periodo en su primer
largometraje, Papicha: niña hermosa.
Retrato
feminista, Papicha: niña hermosa seduce
por su energía, frescura y el carisma de su actriz protagónica. Sin buscar
grandilocuencias o cierto matiz, el filme consigue recrear con justicia el angustioso
clima de la Argelia de los años 90: los matrimonios concertados, la incesante
escalada de violencia o la opresión hacia las mujeres, principales víctimas del
adoctrinamiento. La opera prima de
Meddour es la estampa de una juventud envuelta entre dos fuegos –sufrir o
exiliarse– que progresa bajo un ritmo impulsado por la determinación de una heroína
siempre en movimiento, siempre retumbando en una película simple y efectiva
cuyo tema, como en Mustang: Belleza
salvaje [2015], rinde homenaje a quienes perseveran en la adversidad para
soñar con un mundo nuevo. (Extractos de un texto de Fabien Lemercier. Cineuropa. Cannes, 17 de mayo de 2019
Traducción:
Edgar Aldape Morales)
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1976)
Diciembre.
Lunes 9: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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EL HONOR PERDIDO DE UNA MUJER
(Die Verlorene Ehre der Katharina Blum oder: Wie
Gewalt entstehen und wohin sie führen kann. Alemania 1975. 100 mins.)
Dirección: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta
Con: Angela Winkler, Mario Adorf, Dieter Laser, Jürgen Prochnow, Heinz Bennent, Hannelore Hoger, Rolf Becker, Margarethe von Trotta.
Guión: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta sobre la novela de Heinrich Böll. Fotografía:
Jost Vacano. Música: Hans Werner Henze.
Después
de pasar la noche con un presunto terrorista, la tranquila y ordenada vida de
Katharina Blum queda completamente destruida. Como sospechosa, se convierte en
víctima de una cruel campaña difamatoria de la policía y de un despiadado
periodista sensacionalista, situación que pone a prueba los límites de su
dignidad y de su cordura
Es un
interesante estudio sobre los medios de comunicación y concretamente sobre la
prensa escrita como instrumento de dominación. También es un notable trabajo sobre
la injusticia derivada de la aplicación por parte del estado de métodos
represivos basados en la sospecha generalizada sobre determinadas capas de
población –en este caso, jóvenes estudiantes–. (…) Se rodó en la Alemania de
1975, en plena efervescencia de los grupos armados revolucionarios como la
Baader-Meinhof, las RAF, Rote Zora, las Células Revolucionarias Revolutionäre
Zellen o el Movimiento 2 de Junio (a menudo llamados los años de plomo) y todo
ello en un estado dividido en dos, con la consiguiente dosis de sospecha y
manipulación política que conllevaba la Guerra Fría para ambos bandos: la
República Federal Alemana (RFA) y la República Democrática Alemana (RDA). (Dani
Morell. El pajartoburlon.com)
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Martes 10: 12 y 19 hs.
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AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Miérc. 11: 13 y 19 hs.
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RAY & LIZ
(Ray & Liz. Reino
Unido, 2018, 107 min..)
Director: Richard Billingham
Con: Justin Salinger, Ella Smith, Patrick Romer, Deirdre Kelly, Tony Way, Sam
Gittins, Richard Ashton, Joshua Millard-Lloyd.
Guión: Richard Billingham, con base en su libro
fotográfico Ray's a Laugh. Fotografía:
Daniel Landin.
Richard
Billingham inició desde muy joven su vocación como artista, y sus inquietudes
creativas radicaron siempre en lo mismo: sus recuerdos de la infancia al crecer en un departamento de Black Country durante la
era de Margaret Thatcher, las fracturas en el matrimonio de sus padres y el dolor
que le causaba la incertidumbre existencial. Ray & Liz, su opera prima,
no es la excepción: tomando como base una de sus publicaciones más aclamadas y
populares, Ray’s a Laugh (1996), el
británico lleva a la pantalla grande esas sensaciones, miedos y convulsas
vivencias, las cuales comenzó a analizar a partir del arte desde la primera
fotografía que capturó de niño: la trágica vida de su padre alcohólico.
RICHARD BILLINGHAM. Birmingham, Reino Unido, 1970
Su obra,
tanto como fotógrafo como director de cine, se introduce principalmente en sus
recuerdos y experiencias durante la infancia, desmenuzando principalmente la
relación de sus padres. Cuatro de sus fotografías se encuentran en la colección
permanente del Museo Nacional Británico de Arte Moderno.
CRÍTICA
El
fotógrafo y cineasta Richard Billingham empezó a ejercer la profesión desde muy
joven. Unas de sus primeras imágenes eran de su padre, que pasaba el día
marginado en la recámara de su departamento bajo trágicas circunstancias de
vida. Algo de esto puede ser visto en uno de sus libros más afamados, Ray’s a Laugh. Estas vivencias y las
fotos cobran vida en la opera prima
de Billingham, Ray & Liz.
El limbo
de Ray nos transporta hacia sus recuerdos cuando tenía una existencia social, y
presenciamos momentos cruciales en la vida y la desintegración del núcleo de
una familia marginada por la pobreza, el alcoholismo y la crueldad. Mientras
que recorremos esas vidas, la narración se enfoca en el personaje que
representa al hermano joven del cineasta. Una serie de circunstancias hacen que
el joven sea separado de su familia mientras que “Rich” se queda a vivir con sus
padres, ya que se aproxima a la mayoría de edad.
Cuando
vemos Ray & Liz es inevitable no
pensar en dos eminencias provenientes de las islas anglosajonas del norte de
Europa: primero, en el cineasta Alan Clarke dada la crudeza hiperrealista en un
entorno popular y muy afectado por la tragedia de la sociedad inglesa; pero
también en el narrador irlandés Samuel Beckett, el abismo final de Ray no es
muy lejano al de los personajes hundidos dentro de sí mismos que muchas veces
materializó el escritor. (Michel Lipkes.
Catálogo FICUNAM . Ciudad de México, febrero de 2019)
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Nominación al Premio BAFTA a Mejor director,
guionista o productor británico novel. Academia Británica de las Artes Cinematográficas
y de la Televisión. | Selección Oficial de la Competencia Internacional. Festival
Internacional de Cine UNAM (FICUNAM). México.
2018 Gran Premio del Jurado. Festival de Cine Europeo
de Sevilla. España | Mención Especial del Jurado. Festival Internacional de
Cine de Locarno. Suiza. | Premio Hickox Award (mejor director de opera prima) y Premio a Mejor Productor
Novel. Premios del Cine Independiente Británico. | Gran Premio y Premio a Mejor
Actriz. Festival Internacional de Cine de Batumi Art-House. Georgia. | Alejandro
de Oro “Theo Angelopoulos” a la Mejor Película. Festival Internacional de Cine
de Tesalónica. Grecia. | Gran Premio. Festival de Cine de la Ciudad de
Luxemburgo. | Nominación al Premio del Público. CPX PIX. Festival de Cine de Copenhague.
Dinamarca
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1977)
Diciembre.
Martes 10: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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VIOLENCIA Y PASIÓN
(Gruppo di famiglia in
un interno, Italia-Francia, 1974, 121 mins.)
Director: Luchini Visconti
Con: Burt
Lancaster, Silvana Mangano, Helmut Berger, Claudia Marsani, Stefano Patrizi, Elvira Cortese, Dominique Sanda, Claudia Cardinale, Romolo Valli, Guy Tréjan, Philippe Hersent, Umberto Raho.
Guión: Suso Cecchi d'Amico, Enrico Medioli, Luchino Visconti. Fotografía: Pasqualino De Santis. Música: Franco
Mannino.
Un profesor
norteamericano jubilado lleva una vida solitaria en su lujoso palacio de Roma.
Tiene un enfrentamiento con una vulgar marquesa italiana y sus acompañantes: su
amante, su hija y el novio de su hija, y se ve obligado a alquilarles el
apartamento del ático del palacio. Su sosegada vida se verá entonces perturbada
por las maquinaciones de sus inquilinos.
Segunda
colaboración entre Burt Lancaster y el director Luchino Visconti,
tras El Gatopardo (1963). Aquí en el papel protagonista
de un profesor de arte que acoge como huéspedes de su casa a una extraña
familia compuesta por una condesa, su hija y los amantes de ambas. Este hecho
trastocará toda su existencia. El filme está narrado con elegancia, muchos
tiempos muertos y algo de pedantería, entrando en juego términos como
decadencia, soledad y desintegración familiar.
Según el
propio Visconti: “A través del personaje de Lancaster he querido examinar la
posición, responsabilidad, las ilusiones y los fracasos de los intelectuales de
mi generación”. La película se rodó en interiores, por lo que se tuvieron que
construir complejos decorados de la enorme casa donde se desarrolla la trama.
SALÓN
INDIEN. ZACATENCO
Diciembre.
Miércoles 11: 12 y 19 hs.
|
AUDITORIO
Dr. Mariano Vázquez
ESM.
Diciembre. Jueves 12: 13 y 19 hs.
|
BUCURAU: TIERRA DE NADIE
(Bacurau, Brasil-Francia, 2019, 131 min)
Dirección y guión: Kleber Mendonça Filho y
Juliano Dornelles
Con: Bárbara
Colen, Thomas Aquino, Silvero Pereira, Karine Teles, Sônia Braga, Udo Kier.
Fotografía:
Pedro Sotero. Música: Mateus Alves y Tomaz Alves Souza.
Ubicada
en un futuro distópico en Bacurau, un pequeño poblado ficticio del noroeste de
Brasil, el tercer largometraje del brasileño Kleber Mendonça Filho (en
colaboración con el también director Juliano Dornelles) es un ejercicio
audiovisual de profunda experimentación formal donde los elementos característicos
de las narrativas apocalípticas se integran a un relato con una velada crítica
social. Bacurau, que obtuvo el Premio del Jurado en el
Festival de Cannes de 2019, hace especial énfasis en situaciones irónicas y
brutales de la sociedad contemporánea mientras sigue a su protagonista, Teresa,
quien intenta desentrañar los misterios de su ciudad natal a la que ha vuelto
después de un tiempo.
KLEBER MENDONÇA FILHO / JULIANO DORNELLES. Recife,
Brasil, 1968 / Recife, Brasil, 1980
Kleber
Mendonça Filho realizó documentales en video y cortometrajes antes de dirigir
su opera prima, Sonidos vecinos (2012), en la cual Juliano Dornelles trabajó en el
diseño de producción. Han colaborado en otros filmes como la notable Aquarius (2016) y Bacurau: Tierra de nadie, su primera película en codirección.
CRÍTICA
Bacurau: Tierra de nadie marca una especie de
desviación para su director Kleber Mendonça Filho;
es un glorioso y demente western que comienza en el espacio exterior y termina
con [el actor] Udo Kier siendo cazado por un fantasma, mientras el resto de la
cinta se la pasa mezclando todo lo que cabe entre Los siete samuráis [Akira Kurosawa, 1954] y Hostal [Eli Roth, 2005] en un sangriento y descarado “jódete” a
quien quiera que piense que la tecnología de punta otorga el derecho de ver el
mundo como su matadero personal.
Abriendo
con las estrellas antes de hacer un zoom in
en las llanuras del noroeste de Brasil, la cámara se concentra en un hombre y
una mujer en la carretera manejando una camioneta que transporta agua. Ella es
Teresa, nativa de la remota y ficcional aldea que le da nombre a la película.
Él es uno de los personajes secundarios que confiere a la aldea un enérgico
sentido de vida. Y los ataúdes regados a lo largo del camino debieron haber
sido nuestra primera pista de que Bacurau se inclina hacia los terrenos del
western. Debido a la naturaleza poco fantástica de Filho en sus obras
anteriores, se asemeja más al florecimiento del cine de autor que una probadita
en las aguas de la narrativa de género. (Extractos
de un texto de David Ehrlich. Indiewire
(indiewire.com) Estados Unidos, 15 de mayo de 2019. Traducción: Astrid
García Oseguera)
PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio del Jurado ex aequo. Festival de Cannes. Francia. | Premio a la Mejor
Dirección de la sección competitiva, Premio de la Crítica José Luis Guarner y Premio
del Jurado Carnet Jove al Mejor Largometraje de Género Fantástico. Sitges –
Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña. España. | Premio
ARRI/OSRAM. Festival de Cine de Múnich. Alemania. | Premio del Jurado a la
Mejor Película, Premio del Jurado a la Mejor Dirección y Premio del Jurado de
la Crítica Internacional a la Mejor Película. Festival de Cine de Lima. Perú.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1978)
Diciembre.
Miércoles 11: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
|
PADRE PADRONE
(Padre Padrone.
Italia, 1977, 115 mins.)
Dirección: Paolo y
Vittorio Taviani
Con: Omero
Antonutti, Saverio Marconi, Fabrizio Forte, Marcella Michelangeli, Stanko Molnar, Marino Cenna, Nanni Moretti, Gavino Ledda.
Guión: Paolo y Vittorio Taviani
sobre el libro de Gavino Ledda. Fotografía: Mario Masini. Música: Egisto Macchi.
Biografía
de Gabino Ledda, obligado por su padre a dejar la escuela para trabajar como
pastor, y que continuó siendo analfabeto hasta que realizó el servicio militar.
Después consigue un título universitario y regresa al pueblo, donde se
reencuentra con su padre.
Uno de
los más interesantes trabajos de los hermanos Taviani (Good Morning, Babilonia), que consiguieron captar los
sonidos y las imágenes típicas del ambiente rural. El guión adapta la autobiografía
de Ledda.
El gran
acierto narrativo de este magnífico drama de los Taviani es mostrarnos una
violencia cruda, con sentimientos a flor de piel, pero todo tratado sin la
menor brizna de sentimentalismos. Su mirada crítica está llena de alegorías
contra el sistema autoritario o dictatorial del reciente pasado histórico
italiano. Alcanzando la libertad a través de la educación, de esta manera se erige
como pilar socializador y motor del desarrollo personal. (videodromo.es)
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1979)
Diciembre.
Jueves 12: 12 y 19 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
|
ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO
(Cet
obscur objet du désir, Francia-España, 1977, 102 mins.)
Director: Luis Buñuel
Con: Fernando
Rey, Ángela Molina, Carole
Bouquet, Julien Bertheau, André Weber, Milena Vukotic, María Asquerino, Ellen Bahl, Valérie Blanco, Auguste Carrière, Jacques Debary, Antonio Duque.
Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière sobre la
novela de Pierre Louÿs. Fotografía: Edmond Richard. Música: Jacques Offenbach.
Durante un viaje en
tren, de Sevilla a Madrid, el otoñal caballero Mathieu cuenta a sus compañeros
de vagón la historia de sus infortunios amorosos con la bailarina Conchita. A
partir de su primer encuentro en París, Conchita juega con la obsesión de Mathieu,
haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más furibundo.
Última
película de Luis Buñuel. El cineasta adapta la novela "Le femme et le
pantin", de Pierre Louÿs, anteriormente adaptada por Josef Von
Sternberg, en The Devil is a Woman, con Marlene
Dietrich. Pero Buñuel le imprime un tono muy distinto, de comedia negra, a esta
historia, sobre la frustración y el deseo sexual. Fernando Rey es
perfecto para el papel, por su porte aristocrático, mientras que, para la
protagonista femenina, el director decidió utilizar a dos actrices, Carole
Bouquet para expresar su lado delicado, y Angela Molina, para encarnar su
lado sensual. Las escenas de ambas se entremezclan, sin que se sepa muy bien en
muchos momentos por qué ha escogido a cada una.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1980)
Diciembre.
Jueves 12: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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CONVOY
(Convoy. E.U. 1978, 110 mins.)
Director: Sam Peckinpah
Con: Kris
Kristofferson, Ali MacGraw, Ernest Borgnine, Burt Young, Madge Sinclair, Franklyn Ajaye, Seymour Cassel.
Guión: Bill L.
Norton. Fotografía: Harry Strading. Música: Chip Davis.
Las aventuras de un convoy de camiones liderado
por Pato de Goma a través de los estados de Nueva Méjico, Texas y Arizona en
protesta por los abusos del trastornado policía Lyle Wallace.
Gradualmente se añaden más camiones al cada vez más largo convoy, hasta sobrepasar la centena, rugiendo por las carreteras por el tratamiento que reciben por parte de la policía. Han puesto en jaque a la policía de todos los estados por los que pasan, que tratan de ponerles freno, pero en esta larga persecución tendrá un final inesperado.
Gradualmente se añaden más camiones al cada vez más largo convoy, hasta sobrepasar la centena, rugiendo por las carreteras por el tratamiento que reciben por parte de la policía. Han puesto en jaque a la policía de todos los estados por los que pasan, que tratan de ponerles freno, pero en esta larga persecución tendrá un final inesperado.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1982)
Diciembre.
Viernes 13: 12 y 19 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
|
EL TAMBOR DE HOJALATA
(Die
blechtrommel, RFA-Francia, 1979, 142 mins.)
Director: Volker Schlöndorff
Con: David
Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler, Daniel Olbrychski, Charles Aznavour, Andrea Ferréol, Heinz Bennent, Otto Sander
Guión: Jean-Claude Carrière, Franz Seitz, Volker Schlöndorff sobre la novela de Günter Grass. Fotografía: Igor
Luther. Música: Maurice Jarre.
Un niño
nace en la ciudad alemana de Danzig en 1924. Enseguida comienza a demostrar que
es extraordinariamente precoz. Cuando cumple tres años, decide dejar de crecer,
al mismo tiempo que le regalan un tambor que le habían prometido al nacer.
Pasan los años y, a pesar de que madura, sigue teniendo el mismo aspecto
físico. Con su tambor, le pone ritmo a los trágicos acontecimientos históricos
que contempla.
La mejor
película de Volker Schlöndorff, uno de los representantes del movimiento
conocido como 'Nuevo Cine Alemán'. Consiguió la Palma de Oro en el Festival de
Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera en 1979. Adapta fielmente la
novela homónima, la más representativa del Premio Nobel de Literatura Günter
Grass.
“MUESTRA
MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1981)
Diciembre.
Viernes 13: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN
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LA MUJER ZURDA
(Die linkshändige Frau.
Alemania. 1978. 119 mins.)
Director: Peter Handke
Con: Edith
Clever, Markus Mühleisen, Bruno Ganz, Michael Lonsdale, Angela Winkler, Bernhard Wicki, Nicholas Novikoff, Bernhard Minetti, Rüdiger Vogler, Jany Holt, Gérard Depardieu, Philippe Calzerques, Ines Des Longchamps.
Guión: Peter Handke.
Fotografía: Robby Müller. Música: Uli
Winkler.
Después de estar unos
días sin verse, una mujer, se encuentra con Bruno, su marido, y le comunica
que, durante la primera noche que han vuelto a pasar juntos, ha sentido que
deben separarse para que pueda vivir sola con su hijo. Se irá a vivir a Francia,
a una gran casa medio vacía y rodeada de trenes, con su hijo, haciendo
traducciones para sobrevivir y encaminándose lentamente hacia la locura en su
calidad de exiliada alemana en un París contemporáneo y hostil.
Debut en
la dirección del escritor Peter Handke, premio nobel de literatura 2019, quien
adapta su propia novela. Antes ha colaborado como guionista con Wim Wenders en El miedo
del portero ante el penalti y Movimiento en falso (1975.
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