67 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Noviembre. Sábado 30: 18 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Domingo 1: 18 hs.



ESTO NO ES BERLÍN
(México 2019. 112 mins.)
Director: Hari Sama
Con: Xabiani Ponce de León, José Antonio Toledano, Ximena Romo, Mauro Sánchez Navarro, Klaudia García, Américo Hollander, David Montalvo, Lumi Cavazos, Marina de Tavira.
Guión: Rodrigo Ordóñez, Hari Sama y Max Zunino. Fotografía: Alfredo Altamirano. Música: Paulina Márquez y Hari Sama.

Ciudad de México, 1986. Carlos, un joven de 17 años, no encaja en ningún lugar: ni en su familia ni con los amigos de la escuela. Las cosas cambian cuando, junto a su mejor amigo Gera, llegan a un mítico club nocturno donde descubren la vida underground, delineada por los ritmos del postpunk, la libertad sexual, las drogas y un liberador mundo artístico. La celebración de la Copa Mundial de Futbol en la capital mexicana sirve como anclaje de la radiografía social que el director Hari Sama hace en su cuarto largometraje de ficción, el cual recrea una época atravesada por la ebullición creativa, el desenfreno y el espíritu contestatario de una juventud inmersa en una sociedad conservadora.

HARI SAMA. Ciudad de México, 1967
Estudió la licenciatura en Cine en el CCC y composición musical en el Centro de Investigación y Estudios de Música (CIEM). Desde su opera prima, Sin ton ni Sonia (2003), su obra fílmica de carácter humanista lo ha convertido en uno de los autores más relevantes del cine independiente mexicano actual.

CRÍTICA
En esta obra de corte autobiográfico, canónico relato de iniciación, Sama relata el proceso de crecimiento de Carlos y Gera, adolescentes de clase media que se introducen en esa vida subterránea que emana del Azteca, garito que funciona como metáfora del big bang contracultural que estalló en el Distrito Federal de aquellos días. A pesar de los tópicos en algunas secuencias reñidas con la verosimilitud –el performance previo a un partido en el que las fuerzas de la ley se hacen notar con su ausencia–, el filme transmite las urgencias vitales y la voluntad resistente de aquella generación: la cámara al hombro o el uso puntual del blanco y negro y el súper 8 conjugan la reproducción de un tiempo atravesado por la ebullición creativa y el desenfreno, con la aprehensión del espíritu contestatario, marcado por la experimentación y la lucha contra una sociedad conservadora e inmóvil, que impulsó a aquellos jóvenes. El director no rehúye a las contradicciones inherentes a tan desinhibidoras prácticas –SIDA, sobredosis, inestabilidad–, aunque se cuida de caer en el moralismo, buscando siempre equilibrar la balanza entre los peajes que hubo que pagar y las metas alcanzadas. (Extractos de un texto de Enric Albero. Caimán Cuadernos de Cine, núm. 83 (134)

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio Especial del Jurado, Biznaga de Plata al Mejor Actor de Reparto ex aequo, Biznaga de Plata “Deluxe” a la Mejor Fotografía y Premio Especial del Jurado de la Crítica. Festival de Málaga–Cine en Español. España. | Selección Oficial de la sección Largometraje Mexicano. Festival Internacional de Cine de Morelia. | Selección Oficial de la sección World Cinema Dramatic Competition. Festival de Cine de Sundance. Park City, Estados Unidos. | Selección Oficial de la sección Spotlight. Festival de Cine de Múnich. Alemania. | Selección Oficial de la sección Tribeca Critics’ Week. Festival de Cine de Tribeca. Nueva York, Estados Unidos.
2018 Premio Cinépolis Distribución y Mención Especial de Impulso Morelia. Festival Internacional de Cine de Morelia. México.

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Domingo 1: 18 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Lunes 2: 13 y 19 hs.

LA DULCE VIDA
(La dolce vita. Italia-Francia 1960 174 mins.)
Director: Federico Fellini
Con: Marcello Mastroianni, Anouk Aimée, Anita Ekberg, Alain Cuny, Yvonne Fourneaux, Nadia Gray, Walter Santesso.
Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli y Ennio Flaiano, con la colaboración de Brunello Rondi. Fotografía: Otello Martelli. Música: Nino Rota.

Mientras retoma su carrera como escritor, el periodista Marcello se deja envolver por la “dulce vida” de la alta burguesía romana y el mundo del espectáculo, entre escándalos y frivolidades. Siempre en busca de nuevas emociones, el protagonista va perdiendo contacto consigo mismo a través de una serie de episodios que van de lo fantástico a lo trágico, enmarcados por una Roma moderna y cosmopolita. Ganadora de la Palma de Oro de Cannes, La dulce vida representó el intento del director Federico Fellini de componer una confesión autobiográfica, capturando diversos aspectos sociales como la religión, el hedonismo y el dinero desde una perspectiva embebida de humor satírico y pesimismo existencial.

FEDERICO FELLINI. Rímini, Italia, 1920 – Roma 1993
Autor de algunos de los más exitosos filmes italianos de toda la historia, Fellini resulta imprescindible en el desarrollo del cine de su país, desdibujando el verismo neorrealista para conformar un mundo único en el cual lo fantástico y lo terrible, el erotismo, los recuerdos y el arte se dan la mano.

CRÍTICA:
La dulce vida muestra a una serie de personajes que fuerzan el placer como camino hacia una felicidad que nunca hacen efectiva. El personaje central es Marcello Rubini (Mastroianni), observador y personaje de la vida romana. Marcello es un hombre sin atributos que se debate entre sus aspiraciones intelectuales frustradas y la tentación por la vida mundana. Fellini se identifica con Marcello porque no moraliza sobre ese mundo que describe, sino que es su cómplice.
La dulce vida se estructura alrededor de cuatro fiestas descritas como semiorgías cansinas. Cada fiesta adquiere tiznes de pesadilla onírica y finaliza con el cruel regreso a la realidad, como si cada situación de placer estuviera puntuada por la tristeza de cierta angustia postsexual.
Fellini construye La dulce vida como una obra abierta, estructurada en episodios que funcionan como escenarios vitales por los que transitan unos actores que generalmente son rostros caricaturescos o imágenes potenciales de ese universo. A partir de La dulce vida sus relatos empezaran a aparecer despojados de un clímax y de las clásicas curvas indicativas de la temporalidad dramática. Cada secuencia funciona como un número aislado. (Extractos de un texto de Ángel Quintana. Maestros del Cine: Federico Fellini. Cahiers du Cinéma, París, 2011 (versión española)

PREMIOS Y FESTIVALES:
1960 Palma de Oro. Festival de Cannes. Francia. | Premio David de Donatello al Mejor Director. Academia del Cine Italiano.
1961 Premio Nastro d'argento a Mejor actor, Mejor argumento y Mejor escenografía. Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine. | Premio a Mejor película de habla no inglesa. Círculo de Críticos de Cine de Nueva York. Estados Unidos.
1962 Óscar a Mejor Diseño de Vestuario (Blanco y negro). Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Estados Unidos.

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Lunes 2: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Martes 3: 13 y 19 hs.


EL JOVEN AHMED
(Le jeune Ahmed, Bélgica-Francia 2019, 84 mins.)
Dirección y guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne
Con: Idir Ben Addi, Olivier Bonnaud, Myriem Akheddiou, Victoria Bluck, Claire Bodson, Othmane Moumen.
Fotografía: Benoît Dervaux.

En la Bélgica actual, el destino de Ahmed, un chico musulmán de 13 años, se condiciona entre cumplir los ideales de pureza de su imam o ceder a las tentaciones de la vida. Con esta premisa se sustenta el más reciente filme de la dupla cinematográfica conformada por los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, quienes realizan un inventario de los principios transmitidos por el fanatismo religioso a través de una cámara que nunca se despega del protagonista. Fieles al estilo consolidado en su obra, los cineastas belgas se decantan por una economía narrativa centrada en momentos importantes que capturan el carácter inalterable de la voluntad de Ahmed y su convicción por el fundamentalismo islámico.

JEAN-PIERRE DARDENNE / LUC DARDENNE. Engis, Bélgica, 1951 / Awirs, Bélgica, 1954
Considerados una de las voces más importantes del cine social europeo, los hermanos Dardenne tienen una filmografía con ecos humanistas en la que exploran las desigualdades económicas y disyuntivas morales de los grupos sociales más desfavorecidos, centrándose en los dilemas que viven sus personajes.

CRÍTICA:
Más allá del drama, los cineastas hacen un inventario de los principios transmitidos por el fanatismo religioso, especialmente sobre las mujeres. Nos recuerdan que la violencia de esos actos tiende a banalizarse al estar casi acostumbrados al hecho de que algunos fanáticos se niegan a estrecharle la mano a una mujer o defienden que un curso de árabe se puede hacer estudiando sólo el Corán. Fieles a su obra, los Dardenne van al grano. Capturan los momentos importantes con una eficaz economía narrativa que sin embargo llega a sorprender, especialmente en la escena final. De hecho, el desenlace es brutal, rápido, generando una ligera sensación de incertidumbre ante un filme bien construido. Un abrupto final que no altera el poder de una película que perturba y genera un frío en la espalda. (Extracto de un texto de Gaëlle Bouche. Abus de Ciné. Lyon, mayo de 2019.Traducción: Edgar Aldape Morales.

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio a la Mejor Dirección. Festival de Cannes. Francia. | Función inaugural. Festival Internacional de Cine de Morelia. México. | Premio “Miguel Delibes” al Mejor Guion y Premio “José Salcedo” al Mejor Montaje. Semana Internacional de Cine de Valladolid. España. | Selección Oficial de la sección Masters. Festival de Cine de Jerusalén. Israel.

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1971)
Diciembre. Lunes 2: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


EL MENSAJERO
(The Go-Between, Gran Bretaña, 1971, 116 mins.)
Director: Joseph Losey
Con: Julie Christie, Alan Bates, Margaret Leighton, Michael Redgrave, Dominic Guard, Michael Gough, Edward Fox, Richard Gibson, Simon Hume-Kendall.
Guión: Harold Pinter sobre la novela de L.P. Hartley. Fotografía: Gerry Fisher. Música: Michel Legrand.

Inglaterra, principios del siglo XX. Los señores Maudsley, de la alta sociedad inglesa, han invitado a Leo, un compañero de clase de su hijo a pasar unos días de vacaciones con ellos. El recién llegado será utilizado por la hermana de su amigo para enviar cartas a su amante. 
Sensible, hermosísima película de Joseph Losey, de belleza impresionante, tanto por las preciosas fotografía y música, como por su magnífico y lánguido tempo. Como es habitual en el cineasta, que adapta una novela de L.P. Hartley con guión de su amigo el dramaturgo Harold Pinter, fustiga las diferencias de clase, y la hipocresía de la que suelen hacer gala los más afortunados. Pero además hay una habilísima descripción de la psicología de los personajes, con las palabras justas, y un reparto cómplice que está sencillamente sensacional. De los mejores filmes que hablan del final abrupto de la inocencia propia de la infancia.

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Martes 3: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Miércoles 4: 13 y 19 hs.


POR LA GRACIA DE DIOS
(Grâce à Dieu, Francia-Bélgica, 2019, 137 min.)
Director y guión: François Ozon.
Con: Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud, Éric Caravaca, François Marthouret, Bernard Verley, Martine Erhel.
Fotografía: Manu Dacosse. Música: Evgueni y Sacha Galperine.

Alexandre vive con su esposa e hijos en Lyon. Un día descubre por casualidad que el cura que abusaba de él cuando era un boy scout sigue trabajando con chicos jóvenes. Perturbado, decide tomar cartas en el asunto. Su búsqueda de otras víctimas lo lleva a François y Emmanuel, quienes también luchan con los traumas ocasionados por las acciones del cura. Basada en el caso real del padre Bernard Preynat, quien en 2016 fue acusado de abusar sexualmente de alrededor de 70 niños y jóvenes durante la década de los 80, la más reciente película de François Ozon aborda con economía narrativa y un enorme apego a la realidad el silencio de la Iglesia católica hacia la pedofilia y cuestiona su complicidad.

FRANÇOIS OZON. París, Francia 1967
Director y guionista, estudió en la prestigiosa escuela de cine La Fémis, en París, y hoy es uno de los realizadores más renombrados de Francia. Su ya basta filmografía, usualmente presentada en los festivales más importantes del mundo, se ha caracterizado por un enfoque satírico de la sociedad europea, así como un tratamiento poco convencional de la sexualidad humana.

CRÍTICA:
Hace unas semanas tuvo lugar en el Vaticano una cumbre contra la pederastia, hecho histórico donde salía a relucir uno de los temas más escandalosos que han lastrado a la Iglesia moderna. Aunque se ha denunciado que el congreso apenas resultó en medidas concluyentes, su proceso permitía romper con una tradición desalmada. Y es que hasta entonces los abusos sexuales de curas, párrocos u obispos hacia los menores asistentes a sus congregaciones se beneficiaban de la impunidad. Era pues importante arrojar luz sobre unos crímenes que han afectado y siguen afectando a muchas personas, en el seno de una institución entre otras en las que unos pocos se aprovechan de su posición de superioridad e influencia con la peor de las intenciones.
Por la gracia de Dios insiste en el componente personal, en su sentido individual, de una historia coral, pero sin perder de vista esta última dimensión que conecta más con la realidad. [El filme] está comprometido con sus múltiples facetas, y su rigor persigue proporcionar a sus espectadores tanta información como emoción, pero sin conclusiones definitivas ni arrebatos pasionales. (Fragmentos de un texto de Ignacio Navarro. Revista EAM (elantepenultimomohicano.com) Madrid, abril de 2019.

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Gran Premio del Jurado y nominación al Oso de Oro. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania. │Premio al Mejor Actor (Melvil Poupaud, Denis Ménochet, Swann Arlaud). Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria. España. │Selección Oficial de la sección Mundo. Festival Internacional de Cine de Nueva Zelanda.

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1972)
Diciembre. Martes 3: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


LA CHICA DEL BAÑO PÚBLICO
(Deep End, RFA-EUA, 1970, 90 mins.)
Director: Jerzy Skolimowski
Con: Jane Asher, John Moulder-Brown, Karl Michael Vogler, Christopher Sandford, Diana Dors, Louise Martini, Erica Beer, Anita Lochner, Anne-Marie Kuster, Cheryl Hall.
Guión: Jerzy Skolimowski, Jerzy Gruza, Boleslaw Sulik. Fotografía: Charly Steinberger. Música: Cat Stevens, The Can.

Mike, un joven de 15 años, consigue un modesto empleo en una piscina pública. Allí se obsesiona con Susan, una atractiva joven que trabaja allí como asistente. Aunque Susan está comprometida, Mike empieza a hacer todo lo que está a su alcance para sabotear su relación y quedarse con la chica.
Skolimowski tiene la agudeza de no caer en las trampas que con facilidad se le planteaban argumentalmente, sobre todo en el fácil recurso a explotar en torno burlesco esa búsqueda desesperada del deseo insatisfecho por parte del joven. Por el contrario, la narración en realidad se torna milimalista, y aparece esa carencia de una fuerza argumental poderosa, donde el cineasta se detiene antes que nada en el estudio de caracteres, apostando en sus instantes finales por un extraño y necrófilo alcance poético, que se muestra con la misma carencia de afectividad que se detecta en el el resto del metraje. (Cinema de perra gorda)

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. MIÉRCOLES 4: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Jueves 5: 13 y 19 hs.


EL DESPERTAR DE LA FIERA. DOGMAN
(Dogman, Italia-Francia, 2018, 102 min.)
Director: Matteo Garrone
Con: Marcello Fonte, Edoardo Pesce, Alida Baldari Calabria, Nunzia Schiano, Adamo Dionisi, Francesco Acquaroli, Gianluca Gobbi.
Guión: Matteo Garrone, Ugo Chiti, Massimo Gaudioso y Maurizio Braucci. Fotografía: Nicolaj Brüel. Música: Michele Braga.

Además de su trabajo como peluquero en un modesto salón de belleza para perros, el diminuto y gentil Marcello divide sus días entre cuidar a su hija y tener una peligrosa relación de subyugación con Simoncino, exboxeador que aterroriza al vecindario, un suburbio pobre donde la ley que predomina es la del más fuerte. En un esfuerzo por reafirmar su dignidad, Marcello emprenderá un inesperado acto de venganza. Inspirada en un caso real ocurrido en los años 80, el filme navega entre el realismo social y el cine de género para seguir los dilemas morales de un hombre (interpretado poderosamente por Marcello Fonte) que busca redimirse en un ambiente podrido donde la bondad no parece existir.

MATTEO GARRONE. Roma, Italia, 1968
Debutó como director en 1996 con el corto Silhouette. Con un estilo semidocumental, sus películas en torno a seres que reflejan dolor y pesimismo en entornos desolados lo han convertido en uno de los referentes del reciente cine italiano, con trabajos como Reality (2012) o la aclamada Gomorra (2008).

CRÍTICA
Después de transitar por extraños parajes sin tanta solvencia, Matteo Garrone parece volver a un territorio cercano a Gomorra [2008]. El director parte de la recreación del llamado “delito del Canaro”, acontecido en la periferia romana durante los años 80. La fábula sobre la violencia, la rabia y los perros es simple y clara. La puesta en escena destaca sobre todo por la descripción de un ambiente podrido, de una sociedad sin esperanza donde la ignorancia no es posible y la bondad no existe. Una vez expuesta la base de la parábola, todo avanza de forma precipitada. Además del espacio recreado, el principal motor del filme radica en la fuerza como actor de Marcello Fonte, gran protagonista de la historia. (Extracto de un texto de Ángel Quintana. Caimán Cuadernos de Cine, núm. 76 (127). Madrid, noviembre de 2018

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premios David di Donatello a Mejor Película, Dirección, Guion Original, Actor de Reparto, Dirección de Fotografía, Edición, Escenografía, Maquillaje y Sonido. Academia del Cine Italiano. | Nominación al Premio BAFTA a Mejor Película de Habla No Inglesa. Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión.
2018 Premio a la Mejor Interpretación Masculina y Premio al Mejor Actor de la Sociedad Cinéfila Internacional (ICS). Festival de Cannes. Francia. | Premios del Cine Europeo a Mejor Actor, Diseño de Vestuario, y Artista de Maquillaje y Peinado. Academia del Cine Europeo [otorgados en Sevilla, España].

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1973)
Diciembre. Miércoles 4: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN

FILM DE AMOR Y ANARQUÍA
(Film d'amore e d'anarchia, Italia, 1973, 120 mins.)
Dirección: Lina Wertmüller
Con: Giancarlo Giannini, Mariangela Melato, Eros Pagni, Pina Cei, Elena Fiore, Giuliana Calandra, Isa Bellini, Anna Bonaiuto, Lina Polito, Franca Salerno.
Guión: Lina Wertmüller. Fotografía: Giuseppe Rotunno. Música: Nino Rota, Carlo Savina.

Italia, años 30. Un desconocido llega a un burdel romano. Salomé, prostituta y anarquista, lo presenta como su primo Antonio Soffiantini, comúnmente llamado Tunin. En realidad, es un campesino que ha llegado a Roma para matar a Benito Mussolini, pero su actitud política nunca es definida claramente. Además, no parece identificarse con esas opiniones revolucionarias feroces con las que Salomé se presenta. En la atmósfera libre del burdel, Tunin espera el día del asesinato...
Film de amor y anarquía se destapa pues como una de las mejores comedias melodramáticas de la historia del cine italiano y una de las más grandes piezas producidas en los años setenta en aquella geografía. Tejiendo a partir de un tono en principio leve, una compleja metáfora que exalta la libertad (empleando para ello una fina sátira) en las orillas del tristemente recordado período fascista, siendo a su vez adornada con una estupenda banda sonora compuesta por la dupla Carlo Savina / Nino Rota y un diseño de producción que no pierde detalle en recrear la vida en la Italia de esos años, lanzando una clara crítica tanto al fascismo como a cualquier doctrina política que coarte la libertad del individuo, y que por tanto emerge como un canto en favor del humanismo como único vehículo posible para poder establecer relaciones de igualdad con nuestros semejantes. (https://www.cinemaldito.com/amor-y-anarquia-lina-wertmuller/)

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Jueves 5: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Viernes 6: 13 y 19 hs.


EL DIABLO ENTRE LAS PIERNAS
(México-España 2018, 147 min.)
Director: Arturo Ripstein
Con: Silvia Pasquel, Alejandro Suárez, Greta Cervantes, Daniel Giménez Cacho, Patricia Reyes Spíndola, Erando González.
Guión: Paz Alicia Garciadiego. Fotografía: Alejandro Cantú. Música: David Mansfield.

Todos los días Beatriz es víctima de insultos y humillaciones por parte de su celoso esposo, con quien ha creado una longeva codependencia. A fuerza de sentirse celada, Beatriz se siente deseada y sobre todo deseable. Para comprobarlo, una noche sale de casa sin rumbo alguno con un solo propósito: sexo. Esta tóxica relación se desarrolla en una casa destartalada bajo la mirada de la joven criada, Dinorah, quien eventualmente tomará el asunto en sus manos. Bajo la idea de que la atracción y la repulsión no se terminan con la edad, el más reciente largometraje de Arturo Ripstein aborda la sexualidad geriátrica con un humor salvaje y una mirada poética ante la miseria de la vida que llega al ocaso.

ARTURO RIPSTEIN. Ciudad de México, 1943
Autor de una de las obras más personales del cine mexicano, notable por su rigurosa puesta en escena casi siempre orquestada a través de planos secuencia, su marcado pesimismo y sordidez, así como su experimentación con el melodrama. En 1985 inició su colaboración con Paz Alicia Garciadiego.

CRÍTICA
El abismo del aparato sexual femenino guarda un terrible y amenazante secreto: su propio placer. Todo intento por dominarlo se convierte en un calvario interminable para el machismo más recalcitrante. Y si hay amores que duran toda la vida, por qué no habrían de existir también los celos eternos como los que Beatriz hace padecer a su viejo marido. Protagonistas de la más reciente película de Arturo Ripstein y Paz Alicia Garciadiego, esta pareja de ancianos está sometida a las amargas contradicciones del amor y el deseo. El diablo entre las piernas se arroja así, sin titubeos, a los demonios que nacen de la sexualidad y no perecen ni en la vejez.
Como es costumbre, los melodramas Garciadiego-Ripstein hacen implosión, la catástrofe succiona hasta el fondo a personajes condenados a la fatalidad. En este caso, los celos que carcomen al viejo y el ardor de la entrepierna que Beatriz no puede claudicar, son los catalizadores de una telenovela inclemente que estimula las pasiones carnales y las aplasta con la misma fuerza. El diablo entre las piernas secreta un deseo sin fin, un deseo del que no pueden escapar esos dos cuerpos viejos y excitados. (Israel Ruiz Arreola, Wachito. Cineteca Nacional. Ciudad de México, 17 de octubre de 2019)

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1974)
Diciembre. Jueves 5: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


LA PRIMA ANGÉLICA
(España, 1974, 100 mins.)
Director: Carlos Saura
Con: José Luis López Vázquez, Lina Canalejas, Fernando Delgado, Julieta Serrano, Lola Cardona, Josefina Díaz, José Luis Heredia, Encarna Paso.
Guión: Carlos Saura, Rafael Azcona. Fotografía: Luis Cuadrado. Música: Varios.

Un hombre vuelve a su pueblo natal para asistir al entierro de su madre. Allí, rememora su infancia y adolescencia, especialmente el amor que sentía por su prima Angélica.
Singular mirada de Carlos Saura, con guión de Rafael Azcona, a los mecanismos de funcionamiento de la memoria. Con una estructura compleja, cuenta el regreso a Segovia de Luis, un editor cuarentón, para enterrar los restos de su madre en el panteón familiar. Al llegar al lugar de su infancia, los recuerdos de una educación opresiva y su amor por la prima Angélica se apoderan de su mente. Ahora Angélica está casada en un matrimonio infeliz, y él se ve agobiado por los traumas del pasado.
El film fue Premio del Jurado en Cannes, y fue muy polémica en España por la visión negativa de un personaje falangista. Pero en un momento de política cultural aperturista del régimen, tuvo muy buena acogida de público y crítica. (decine21.com)



SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Viernes 6: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Sábado 7: 18 hs.

VARDA POR AGNÈS
(Varda par Agnès, Francia, 2019, 115 min.)
Dirección: Agnès Varda [primera parte codirigida con Didier Rouget].
Con: Agnès Varda, Sandrine Bonnaire, Hervé Chandès, Nurith Aviv y Esther Levesque. Guión:
Agnès Varda y Didier Rouget . Fotografía: Claire Duguet, Julia Fabry y François Décréau.

¿De dónde nace la idea de una película legendaria, sensible e inigualable? ¿Cómo se concibe el proceso de creación cinematográfica? ¿Qué pasa detrás de lo que vemos en la pantalla, de los movimientos de cámara, los personajes entrañables y las escenas emotivas? Agnès Varda, sentada en el escenario de un teatro, desmenuza los momentos más significativos de su carrera como cineasta, haciendo una introspección de los procesos que la llevaron a filmar películas memorables como Sin techo ni ley (1985). Varda por Agnès fue la última producción de la pionera de la Nueva Ola Francesa, un largometraje de no-ficción realizado pocos meses antes de su muerte: una involuntaria carta de despedida.

AGNÈS VARDA. Bruselas, Bélgica, 1928 – París, Francia, 2019
Creadora delicada y entrañable de piezas audiovisuales, creció en Sète, un pequeño poblado de Francia. Antes de convertirse en una de las mayores representantes de la Nueva Ola Francesa, realizó estudios de literatura, psicología, historia del arte y filosofía en La Sorbona y la Escuela del Louvre en París, Francia.

CRÍTICA
En este documental que reúne seis décadas de trayectoria en imágenes, Agnès Varda se presenta ante diversos públicos para compartir, como delineando un largo travelling de memoria, un cariñoso paseo por sus motivaciones estéticas, el discurso feminista que acompaña su inventiva, las alusiones literarias y pictóricas en sus cintas, la importancia de la fotografía en su concepción de la realidad, la filosofía del tiempo detrás y frente a cámara, su incursión como artista visual, la docuficción, su paso por la era digital y su cinescritura del alma. (…) El legado del que nos habla Varda por Agnès no es, de ningún modo, un canto fúnebre dedicado a la extensa obra de la artista, sino un homenaje a su eterna imaginativa, creativa y compartida vitalidad cinematográfica. (Paola Parra Solorio. Cineteca Nacional. Ciudad de México, 25 de octubre de 2019

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Estreno mundial fuera de competencia. Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale). Alemania. | Estreno en México. Festival Internacional de Cine de Morelia. México. | Selección del programa The Features of Agnès. Festival Internacional de Cine de Edimburgo. Escocia. | Selección Oficial de la sección Les Incontournables. Festival de Nuevo Cine de Montreal. Canadá. | Selección del programa Viva Varda. Festival de Cine de Sídney. Australia. | Premier española. Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi. España. | Selección Oficial de la sección Art For Life. Festival !F de Cine Independiente de Estambul. Turquía. | Proyección especial. Visions du Réel. Festival Internacional de Cine de Nyon, Suiza.  

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1975)
Diciembre. Viernes 6: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


EL PASAJERO
(The passenger, Italia-Francia-España, 1975, 117 mins.)
Director: Michelangelo Antonioni
Con: Jack Nicholson, María Schneider, Jenny Runacre, Ian Hendry, Ambroise Bia, Steven Berkoff, José María Caffarel, James Campbell, Manfred Spies.
Guión: Mark Peploe, Michelangelo Antonioni, Peter Wollen. Fotografía: Luciano Tovoli. Música: Ivan Vandor.

David Locke es un afamado reportero que intenta sin éxito entablar contacto con unas tropas rebeldes en un país del África subsahariana para culminar un reportaje sobre las problemáticas y abundantes luchas armadas del sur del continente. Tras su último intento fallido de localizar y entrevistar a unos guerrilleros, quedará estancado en una duna con su Land Rover mientras cruza un paraje desértico, regresando abatido a su hotel a pie. Allí, decepcionado consigo mismo, descubrirá el cadáver de David Robertson, un huésped con el que había entablado amistad y del que Locke sabía que no tenía familia y que se hallaba en África por “negocios”. Sin dudarlo, y aprovechando su parecido físico, suplantará la identidad del fallecido para experimentar una nueva vida. Protagonizada por Jack Nicholson y Michelangelo Antonioni, "El pasajero" plantea con mucho acierto la dualidad existencial del protagonista y su desarraigo con un mundo que no le complace

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Sábado 7: 18 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Domingo 8: 18 hs.


GÉNESIS 2.0
(Genesis 2.0, Suiza-China-Rusia-Corea del Sur-Estados Unidos, 2018, 113 min.)
Director: Christian Frei, en codirección con Maxim Arbugaev.
Con: Peter Grigoriev, Semyon Grigoriev, George Church, Spira Sleptsov, Hwang Woo-Suk.
Guión: Christian Frei. Fotografía: Peter Indergand, y fotografía adicional de Maxim Arbugaev y Vladimir Egorov. Música: Max Richter y Eduard Artemyev.

En las remotas islas de Nueva Siberia en el extremo norte de Rusia, los cazadores de mamuts buscan colmillos de aquellos seres extintos. Su hallazgo de una carcasa de mamut bien preservada atrae la mirada de varios científicos que quieren devolver a la vida al animal prehistórico, en un proceso que sería la primera señal de la próxima revolución tecnológica en el campo de la genética. Con una narrativa que evoca a la ciencia ficción, el más reciente filme del documentalista Christian Frei (codirigido con Maxim Arbugaev) sigue la peligrosa vida de un grupo de cazadores en la inmensidad de los paisajes árticos, y cuyo trabajo se entrelaza con quienes buscan crear sistemas biológicos artificiales.

CHRISTIAN FREI. Schönenwerd, Suiza, 1959
Considerado uno de los documentalistas suizos más llamativos, Frei ha conformado una obra enfocada en varias facetas de la naturaleza humana a partir de historias que van desde el turismo espacial hasta exploraciones culturales. Su filme Fotógrafo de guerra (2001) obtuvo una nominación al Óscar de la Academia Estadounidense.

CRITICA
Génesis 2.0 retrata un camino hacia el futuro. Un futuro que se retrata en ciertos aspectos grotescos y que se perfila en el horizonte como una amenaza traidora y febril. La nueva película de Christian Frei y Maxim Arbugaev arranca con imágenes grandiosas de las misteriosas tierras de la Nueva Siberia, en el extremo norte de Rusia. Una isla poco hospitalaria y orgullosa que, desde el principio del filme, parece respirar, vivir y acelerar los pasos de sus poco bienvenidos huéspedes: un grupo de buscadores de colmillos de mamut. En vilo, entre los vestigios de una era y un futuro de falsa ciencia ficción del que podría formar parte, el grupo de cazadores que filman Frei y Arbugaev parece perder progresivamente el norte.
(…) Génesis 2.0 traza un paralelo constante entre dos realidades y desvela el trasfondo de una misión científica poblada por personajes que erizan la piel. El vaso comunicante es un desasosiego por la riqueza y el poder que aparecen en la naturaleza humana. Y el paroxismo que parece importar es la construcción de un superhombre previsible, fruto de la comercialización de la vida misma. (Extractos de un texto de Giorgia Del Don. Cineuropa. Suiza, 23 de abril de 2018)

PREMIOS Y FESTIVALES
2018 Premio Especial del Jurado de la sección World Cinema Documentary a la Mejor Fotografía. Festival de Cine de Sundance. Park City, Estados Unidos. | Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de Moscú. Rusia. | Selección Oficial de la sección Panorama Suisse. Festival de Cine de Locarno. Suiza. | Selección Oficial de la sección Masters. Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA). Países Bajos. | Selección Oficial de la Competencia Internacional de Largometrajes. Visions du Réel, Festival Internacional de Cine de Nyon. Suiza.

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Domingo 8: 18 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Lunes 9: 13 y 19 hs.


REINA DE CORAZONES
(Queen of Hearts, Dinamarca-Suecia, 2019, 127 min.)
Dirección: May el-Toukhy
Con: Trine Dyrholm, Gustav Lindh, Magnus Krepper, Liv Esmår Dannemann, Silja Esmår Dannemann y Stine Gyldenkerne.
Guión: Maren Louise Käehne y May el-Toukhy. Fotografía: Jasper J. Spanning. Música: Jon Ekstrand.

Lo que inicia como un melodrama familiar acerca de las pequeñas fracturas en un largo matrimonio, donde la vida laboral y el distanciamiento íntimo provocan el inminente enfriamiento de la relación amorosa, se convierte en un palpitante romance casi incestuoso entre una madrasta y el hijo de su marido. En su segundo largometraje, la cineasta danesa May el-Toukhy explora algo más profundo que la infidelidad, se adentra en las implicaciones morales que trae consigo la trasgresión de tabús y hace especial énfasis en lo que sucede cuando alguien cae en la provocación de actuar bajo la intoxicante influencia del deseo y la pasión.

MAY eL-TOUKHY. Charlottenlund, Dinamarca, 1977
Tras egresar de la Escuela Nacional Danesa de Artes Escénicas, estudió en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca. Ha dirigido tres cortometrajes y dos filmes que analizan las circunstancias tanto sublimes como brutales del amor.

CRÍTICA
El amor es complicado. Cambia personalidades, el tiempo mismo, y una cosa llamada deseo puede a veces afectar e infectar incluso la relación más fuerte. Importan las elecciones, pero pueden incluso significar mucho más las decisiones que uno toma después. Reina de corazones es una tragedia acerca de esta toma de decisiones y un recordatorio de que incluso los mejor-intencionados entre nosotros pueden joder brutalmente las cosas si no se tiene el suficiente cuidado. (…) Hay dos cosas en la médula de la cinta: las percepciones que nos creamos sobre las personas, y las decisiones que tomamos. La película pudo haber concluido fácilmente con la revelación y el desencanto de la familia feliz. Pero el-Toukhy reservó opciones más devastadoras para sus personajes. Las malas decisiones tienen consecuencias trágicas y, mientras el mundo se desmorona alrededor, la desesperación toma el control. Reina de corazones es una tragedia sobre la realidad: nunca conocemos realmente a nuestras personas más cercanas. Pensamos que lo hacemos, y queremos creerlo muy desesperadamente, pero lo que verdaderamente somos, sólo lo sabe cada uno. (Extractos de un texto de Rob Hunter. Film School Rejects (filmschoolrejects.com) Austin, 7 de enero de 2019  Traducción: Astrid García Oseguera

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio de la Audiencia. Festival Internacional de Cine de Sundance. Park City, Estados Unidos. | Premio a la Mejor Actriz (Trine Dyrholm). Festival de Cine de Zúrich. Suiza | Dragon Award a la Mejor Película Nórdica, a la Mejor Actuación (Trine Dyrholm) y Premio del Público. Festival de Cine de Gotemburgo. Suecia. | Nominación al Big Screen Award. Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Lunes 9: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Martes 10: 13 y 19 hs.


PAPICHA: NIÑA HERMOSA
(Papicha, Argelia-Francia-Bélgica-Catar, 2019, 108 min.)
Dirección: Mounia Meddour
Con: Lyna Khoudri, Shirine Boutella, Amira Hilda Douaouda, Zahra Manel Doumandji, Yasin Houicha, Nadia Kaci.
Guión: Mounia Meddour, con la colaboración de Fadette Drouard. Fotografía: Léo Lefèvre. Música: Rob.

Argelia, 1997. El país está en manos de grupos que buscan instaurar el estado islámico. Las mujeres son las que más se ven afectadas por las nuevas leyes, con las cuales los líderes buscan controlar sus cuerpos y su forma de comportarse. En ese entorno, la joven estudiante Nedjma sueña convertirse en diseñadora de modas, por lo que, pese a la situación política que la rodea, luchará por su libertad organizando un desfile de modas que desafía los tabús. Desde una mirada feminista e inspirada en sus propias vivencias, en su primer largometraje la directora Mounia Meddour recrea el clima de violencia y opresión que se vivía en Argelia, hundida en una guerra civil que se extendió hasta el nuevo milenio.

MOUNIA MEDDOUR. Argelia, 1978
Nació y creció en Argelia hasta los 18 años, cuando se mudó a Francia con su familia debido a las amenazas de muerte que recibieron durante la guerra civil en su país natal. Estudió periodismo antes de unirse al programa de verano sobre dirección en la escuela de cine La Fémis. Papicha: niña hermosa es su primer largometraje.

CRÍTICA
«Obedece, si no, nos ocuparemos de ti». En Argel, durante los años 90, el impacto de la guerra sucia que enfrenta al gobierno y a la nebulosa islamista se esparce por todos los estratos de la sociedad argelina. Es a través de la óptica de una joven llena de energía y esperanza (sin duda, inspirada en sus propios recuerdos) que Mounia Meddour regresa a ese sombrío periodo en su primer largometraje, Papicha: niña hermosa.
Retrato feminista, Papicha: niña hermosa seduce por su energía, frescura y el carisma de su actriz protagónica. Sin buscar grandilocuencias o cierto matiz, el filme consigue recrear con justicia el angustioso clima de la Argelia de los años 90: los matrimonios concertados, la incesante escalada de violencia o la opresión hacia las mujeres, principales víctimas del adoctrinamiento. La opera prima de Meddour es la estampa de una juventud envuelta entre dos fuegos –sufrir o exiliarse– que progresa bajo un ritmo impulsado por la determinación de una heroína siempre en movimiento, siempre retumbando en una película simple y efectiva cuyo tema, como en Mustang: Belleza salvaje [2015], rinde homenaje a quienes perseveran en la adversidad para soñar con un mundo nuevo. (Extractos de un texto de Fabien Lemercier. Cineuropa. Cannes, 17 de mayo de 2019
Traducción: Edgar Aldape Morales)

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1976)
Diciembre. Lunes 9: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


EL HONOR PERDIDO DE UNA MUJER
(Die Verlorene Ehre der Katharina Blum oder: Wie Gewalt entstehen und wohin sie führen kann. Alemania 1975. 100 mins.)
Dirección: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta 
Con: Angela Winkler, Mario Adorf, Dieter Laser, Jürgen Prochnow, Heinz Bennent, Hannelore Hoger, Rolf Becker, Margarethe von Trotta.
Guión: Volker Schlöndorff, Margarethe von Trotta sobre la novela de Heinrich Böll. Fotografía: Jost Vacano. Música: Hans Werner Henze.

Después de pasar la noche con un presunto terrorista, la tranquila y ordenada vida de Katharina Blum queda completamente destruida. Como sospechosa, se convierte en víctima de una cruel campaña difamatoria de la policía y de un despiadado periodista sensacionalista, situación que pone a prueba los límites de su dignidad y de su cordura
Es un interesante estudio sobre los medios de comunicación y concretamente sobre la prensa escrita como instrumento de dominación. También es un notable trabajo sobre la injusticia derivada de la aplicación por parte del estado de métodos represivos basados en la sospecha generalizada sobre determinadas capas de población –en este caso, jóvenes estudiantes–. (…) Se rodó en la Alemania de 1975, en plena efervescencia de los grupos armados revolucionarios como la Baader-Meinhof, las RAF, Rote Zora, las Células Revolucionarias Revolutionäre Zellen o el Movimiento 2 de Junio (a menudo llamados los años de plomo) y todo ello en un estado dividido en dos, con la consiguiente dosis de sospecha y manipulación política que conllevaba la Guerra Fría para ambos bandos: la República Federal Alemana (RFA) y la República Democrática Alemana (RDA). (Dani Morell. El pajartoburlon.com)

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Martes 10: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Miérc. 11: 13 y 19 hs.


RAY & LIZ
(Ray & Liz. Reino Unido, 2018, 107 min..)
Director: Richard Billingham
Con: Justin Salinger, Ella Smith, Patrick Romer, Deirdre Kelly, Tony Way, Sam Gittins, Richard Ashton, Joshua Millard-Lloyd.
Guión: Richard Billingham, con base en su libro fotográfico Ray's a Laugh. Fotografía: Daniel Landin.

Richard Billingham inició desde muy joven su vocación como artista, y sus inquietudes creativas radicaron siempre en lo mismo: sus recuerdos de la infancia al crecer en un departamento de Black Country durante la era de Margaret Thatcher, las fracturas en el matrimonio de sus padres y el dolor que le causaba la incertidumbre existencial. Ray & Liz, su opera prima, no es la excepción: tomando como base una de sus publicaciones más aclamadas y populares, Ray’s a Laugh (1996), el británico lleva a la pantalla grande esas sensaciones, miedos y convulsas vivencias, las cuales comenzó a analizar a partir del arte desde la primera fotografía que capturó de niño: la trágica vida de su padre alcohólico.

RICHARD BILLINGHAM. Birmingham, Reino Unido, 1970
Su obra, tanto como fotógrafo como director de cine, se introduce principalmente en sus recuerdos y experiencias durante la infancia, desmenuzando principalmente la relación de sus padres. Cuatro de sus fotografías se encuentran en la colección permanente del Museo Nacional Británico de Arte Moderno.

CRÍTICA
El fotógrafo y cineasta Richard Billingham empezó a ejercer la profesión desde muy joven. Unas de sus primeras imágenes eran de su padre, que pasaba el día marginado en la recámara de su departamento bajo trágicas circunstancias de vida. Algo de esto puede ser visto en uno de sus libros más afamados, Ray’s a Laugh. Estas vivencias y las fotos cobran vida en la opera prima de Billingham, Ray & Liz.
El limbo de Ray nos transporta hacia sus recuerdos cuando tenía una existencia social, y presenciamos momentos cruciales en la vida y la desintegración del núcleo de una familia marginada por la pobreza, el alcoholismo y la crueldad. Mientras que recorremos esas vidas, la narración se enfoca en el personaje que representa al hermano joven del cineasta. Una serie de circunstancias hacen que el joven sea separado de su familia mientras que “Rich” se queda a vivir con sus padres, ya que se aproxima a la mayoría de edad.
Cuando vemos Ray & Liz es inevitable no pensar en dos eminencias provenientes de las islas anglosajonas del norte de Europa: primero, en el cineasta Alan Clarke dada la crudeza hiperrealista en un entorno popular y muy afectado por la tragedia de la sociedad inglesa; pero también en el narrador irlandés Samuel Beckett, el abismo final de Ray no es muy lejano al de los personajes hundidos dentro de sí mismos que muchas veces materializó el escritor. (Michel Lipkes. Catálogo FICUNAM . Ciudad de México, febrero de 2019)

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Nominación al Premio BAFTA a Mejor director, guionista o productor británico novel. Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión. | Selección Oficial de la Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM). México.
2018 Gran Premio del Jurado. Festival de Cine Europeo de Sevilla. España | Mención Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Locarno. Suiza. | Premio Hickox Award (mejor director de opera prima) y Premio a Mejor Productor Novel. Premios del Cine Independiente Británico. | Gran Premio y Premio a Mejor Actriz. Festival Internacional de Cine de Batumi Art-House. Georgia. | Alejandro de Oro “Theo Angelopoulos” a la Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Tesalónica. Grecia. | Gran Premio. Festival de Cine de la Ciudad de Luxemburgo. | Nominación al Premio del Público. CPX PIX. Festival de Cine de Copenhague. Dinamarca

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1977)
Diciembre. Martes 10: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


VIOLENCIA Y PASIÓN
(Gruppo di famiglia in un interno, Italia-Francia, 1974, 121 mins.)
Director: Luchini Visconti
Con: Burt Lancaster, Silvana Mangano, Helmut Berger, Claudia Marsani, Stefano Patrizi, Elvira Cortese, Dominique Sanda, Claudia Cardinale, Romolo Valli, Guy Tréjan, Philippe Hersent, Umberto Raho.
Guión: Suso Cecchi d'Amico, Enrico Medioli, Luchino Visconti. Fotografía: Pasqualino De Santis. Música: Franco Mannino.

Un profesor norteamericano jubilado lleva una vida solitaria en su lujoso palacio de Roma. Tiene un enfrentamiento con una vulgar marquesa italiana y sus acompañantes: su amante, su hija y el novio de su hija, y se ve obligado a alquilarles el apartamento del ático del palacio. Su sosegada vida se verá entonces perturbada por las maquinaciones de sus inquilinos.
Segunda colaboración entre Burt Lancaster y el director Luchino Visconti, tras El Gatopardo (1963). Aquí en el papel protagonista de un profesor de arte que acoge como huéspedes de su casa a una extraña familia compuesta por una condesa, su hija y los amantes de ambas. Este hecho trastocará toda su existencia. El filme está narrado con elegancia, muchos tiempos muertos y algo de pedantería, entrando en juego términos como decadencia, soledad y desintegración familiar.
Según el propio Visconti: “A través del personaje de Lancaster he querido examinar la posición, responsabilidad, las ilusiones y los fracasos de los intelectuales de mi generación”. La película se rodó en interiores, por lo que se tuvieron que construir complejos decorados de la enorme casa donde se desarrolla la trama.

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Diciembre. Miércoles 11: 12 y 19 hs.
AUDITORIO Dr. Mariano Vázquez
ESM. Diciembre. Jueves 12: 13 y 19 hs.


BUCURAU: TIERRA DE NADIE
(Bacurau, Brasil-Francia, 2019, 131 min)
Dirección y guión: Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles
Con: Bárbara Colen, Thomas Aquino, Silvero Pereira, Karine Teles, Sônia Braga, Udo Kier.
Fotografía: Pedro Sotero. Música: Mateus Alves y Tomaz Alves Souza.

Ubicada en un futuro distópico en Bacurau, un pequeño poblado ficticio del noroeste de Brasil, el tercer largometraje del brasileño Kleber Mendonça Filho (en colaboración con el también director Juliano Dornelles) es un ejercicio audiovisual de profunda experimentación formal donde los elementos característicos de las narrativas apocalípticas se integran a un relato con una velada crítica social. Bacurau, que obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2019, hace especial énfasis en situaciones irónicas y brutales de la sociedad contemporánea mientras sigue a su protagonista, Teresa, quien intenta desentrañar los misterios de su ciudad natal a la que ha vuelto después de un tiempo.

KLEBER MENDONÇA FILHO / JULIANO DORNELLES. Recife, Brasil, 1968 / Recife, Brasil, 1980
Kleber Mendonça Filho realizó documentales en video y cortometrajes antes de dirigir su opera prima, Sonidos vecinos (2012), en la cual Juliano Dornelles trabajó en el diseño de producción. Han colaborado en otros filmes como la notable Aquarius (2016) y Bacurau: Tierra de nadie, su primera película en codirección.

CRÍTICA
Bacurau: Tierra de nadie marca una especie de desviación para su director Kleber Mendonça Filho; es un glorioso y demente western que comienza en el espacio exterior y termina con [el actor] Udo Kier siendo cazado por un fantasma, mientras el resto de la cinta se la pasa mezclando todo lo que cabe entre Los siete samuráis [Akira Kurosawa, 1954] y Hostal [Eli Roth, 2005] en un sangriento y descarado “jódete” a quien quiera que piense que la tecnología de punta otorga el derecho de ver el mundo como su matadero personal.
Abriendo con las estrellas antes de hacer un zoom in en las llanuras del noroeste de Brasil, la cámara se concentra en un hombre y una mujer en la carretera manejando una camioneta que transporta agua. Ella es Teresa, nativa de la remota y ficcional aldea que le da nombre a la película. Él es uno de los personajes secundarios que confiere a la aldea un enérgico sentido de vida. Y los ataúdes regados a lo largo del camino debieron haber sido nuestra primera pista de que Bacurau se inclina hacia los terrenos del western. Debido a la naturaleza poco fantástica de Filho en sus obras anteriores, se asemeja más al florecimiento del cine de autor que una probadita en las aguas de la narrativa de género. (Extractos de un texto de David Ehrlich. Indiewire (indiewire.com) Estados Unidos, 15 de mayo de 2019. Traducción: Astrid García Oseguera)

PREMIOS Y FESTIVALES
2019 Premio del Jurado ex aequo. Festival de Cannes. Francia. | Premio a la Mejor Dirección de la sección competitiva, Premio de la Crítica José Luis Guarner y Premio del Jurado Carnet Jove al Mejor Largometraje de Género Fantástico. Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña. España. | Premio ARRI/OSRAM. Festival de Cine de Múnich. Alemania. | Premio del Jurado a la Mejor Película, Premio del Jurado a la Mejor Dirección y Premio del Jurado de la Crítica Internacional a la Mejor Película. Festival de Cine de Lima. Perú.

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1978)
Diciembre. Miércoles 11: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


PADRE PADRONE
(Padre Padrone. Italia, 1977, 115 mins.)
Dirección: Paolo y Vittorio Taviani
Con: Omero Antonutti, Saverio Marconi, Fabrizio Forte, Marcella Michelangeli, Stanko Molnar, Marino Cenna, Nanni Moretti, Gavino Ledda.
Guión: Paolo y Vittorio Taviani sobre el libro de Gavino Ledda. Fotografía: Mario Masini. Música: Egisto Macchi.

Biografía de Gabino Ledda, obligado por su padre a dejar la escuela para trabajar como pastor, y que continuó siendo analfabeto hasta que realizó el servicio militar. Después consigue un título universitario y regresa al pueblo, donde se reencuentra con su padre.
Uno de los más interesantes trabajos de los hermanos Taviani (Good Morning, Babilonia), que consiguieron captar los sonidos y las imágenes típicas del ambiente rural. El guión adapta la autobiografía de Ledda.
El gran acierto narrativo de este magnífico drama de los Taviani es mostrarnos una violencia cruda, con sentimientos a flor de piel, pero todo tratado sin la menor brizna de sentimentalismos. Su mirada crítica está llena de alegorías contra el sistema autoritario o dictatorial del reciente pasado histórico italiano. Alcanzando la libertad a través de la educación, de esta manera se erige como pilar socializador y motor del desarrollo personal. (videodromo.es)

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1979)
Diciembre. Jueves 12: 12 y 19 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO
(Cet obscur objet du désir, Francia-España, 1977, 102 mins.)
Director: Luis Buñuel
Con: Fernando Rey, Ángela Molina, Carole Bouquet, Julien Bertheau, André Weber, Milena Vukotic, María Asquerino, Ellen Bahl, Valérie Blanco, Auguste Carrière, Jacques Debary, Antonio Duque.
Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière sobre la novela de Pierre Louÿs. Fotografía: Edmond Richard. Música: Jacques Offenbach.

Durante un viaje en tren, de Sevilla a Madrid, el otoñal caballero Mathieu cuenta a sus compañeros de vagón la historia de sus infortunios amorosos con la bailarina Conchita. A partir de su primer encuentro en París, Conchita juega con la obsesión de Mathieu, haciéndolo pasar del deseo a la frustración y del amor al odio más furibundo. 

Última película de Luis Buñuel. El cineasta adapta la novela "Le femme et le pantin", de Pierre Louÿs, anteriormente adaptada por Josef Von Sternberg, en The Devil is a Woman, con Marlene Dietrich. Pero Buñuel le imprime un tono muy distinto, de comedia negra, a esta historia, sobre la frustración y el deseo sexual. Fernando Rey es perfecto para el papel, por su porte aristocrático, mientras que, para la protagonista femenina, el director decidió utilizar a dos actrices, Carole Bouquet para expresar su lado delicado, y Angela Molina, para encarnar su lado sensual. Las escenas de ambas se entremezclan, sin que se sepa muy bien en muchos momentos por qué ha escogido a cada una.

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1980)
Diciembre. Jueves 12: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


CONVOY
(Convoy. E.U. 1978, 110 mins.)
Director: Sam Peckinpah
Con: Kris Kristofferson, Ali MacGraw, Ernest Borgnine, Burt Young, Madge Sinclair, Franklyn Ajaye, Seymour Cassel.
Guión: Bill L. Norton. Fotografía: Harry Strading. Música: Chip Davis.

Las aventuras de un convoy de camiones liderado por Pato de Goma a través de los estados de Nueva Méjico, Texas y Arizona en protesta por los abusos del trastornado policía Lyle Wallace.
Gradualmente se añaden más camiones al cada vez más largo convoy, hasta sobrepasar la centena, rugiendo por las carreteras por el tratamiento que reciben por parte de la policía. Han puesto en jaque a la policía de todos los estados por los que pasan, que tratan de ponerles freno, pero en esta larga persecución tendrá un final inesperado.

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1982)
Diciembre. Viernes 13: 12 y 19 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


EL TAMBOR DE HOJALATA
(Die blechtrommel, RFA-Francia, 1979, 142 mins.)
Director: Volker Schlöndorff
Con: David Bennent, Mario Adorf, Angela Winkler, Daniel Olbrychski, Charles Aznavour, Andrea Ferréol, Heinz Bennent, Otto Sander
Guión: Jean-Claude Carrière, Franz Seitz, Volker Schlöndorff sobre la novela de Günter Grass. Fotografía: Igor Luther. Música: Maurice Jarre.

Un niño nace en la ciudad alemana de Danzig en 1924. Enseguida comienza a demostrar que es extraordinariamente precoz. Cuando cumple tres años, decide dejar de crecer, al mismo tiempo que le regalan un tambor que le habían prometido al nacer. Pasan los años y, a pesar de que madura, sigue teniendo el mismo aspecto físico. Con su tambor, le pone ritmo a los trágicos acontecimientos históricos que contempla.
La mejor película de Volker Schlöndorff, uno de los representantes del movimiento conocido como 'Nuevo Cine Alemán'. Consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar a la mejor película extranjera en 1979. Adapta fielmente la novela homónima, la más representativa del Premio Nobel de Literatura Günter Grass.

“MUESTRA MEMORABLE DE LAS MUESTRAS” (1981)
Diciembre. Viernes 13: 17 hs. ZACATENCO. SALÓN INDIEN


LA MUJER ZURDA
(Die linkshändige Frau. Alemania. 1978. 119 mins.)
Director: Peter Handke
Con: Edith Clever, Markus Mühleisen, Bruno Ganz, Michael Lonsdale, Angela Winkler, Bernhard Wicki, Nicholas Novikoff, Bernhard Minetti, Rüdiger Vogler, Jany Holt, Gérard Depardieu, Philippe Calzerques, Ines Des Longchamps.
Guión: Peter Handke. Fotografía: Robby Müller. Música: Uli Winkler.

Después de estar unos días sin verse, una mujer, se encuentra con Bruno, su marido, y le comunica que, durante la primera noche que han vuelto a pasar juntos, ha sentido que deben separarse para que pueda vivir sola con su hijo. Se irá a vivir a Francia, a una gran casa medio vacía y rodeada de trenes, con su hijo, haciendo traducciones para sobrevivir y encaminándose lentamente hacia la locura en su calidad de exiliada alemana en un París contemporáneo y hostil.
Debut en la dirección del escritor Peter Handke, premio nobel de literatura 2019, quien adapta su propia novela. Antes ha colaborado como guionista  con  Wim Wenders en El miedo del portero ante el penalti y Movimiento en falso (1975.