66 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE EN EL IPN


FUNCIONES EN EL SALÓN INDIEN DEL CENTRO CULTURAL "JAIME TORRES BODET" EN ZACATENCO y EN EL AUDITORIO "DR. MARIANO VÁZQUEZ" DE LA ESCUELA SUPERIOR DE MEDICINA

              ¡ENTRADA LIBRE...!


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Viernes 3: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Sábado 4: 18 hs.

LA CAMARISTA
(México 2018. 101 mins.)
Dirección: Lila Avilés
Con: Gabriela Cartol, Teresa Sánchez.
Guión: Lila Avilés, Juan Carlos Márquez. Fotografía: Carlos F. Rossini.

La joven Eve, una solitaria camarista de un lujoso hotel de la Ciudad de México, se enfrenta con tranquilidad a la monotonía de sus largos días de trabajo. Su deseo por ser alguien más la hará descubrir diferentes universos y sueños detrás de las pertenencias de los huéspedes que alberga el lugar. Con una cámara casi voyerista que sigue el discurrir diario de la protagonista, la opera prima de la realizadora mexicana Lila Avilés examina la brecha social que existe entre la clase trabajadora y la acaudalada. Apoyado en la interpretación de Gabriela Cartol en el rol principal, el filme retrata a detalle el mundo de Eve y las tensiones que surgen en su cotidianidad.

Lila Avilés. Ciudad de México, 1982
Estudió artes escénicas, dirección de escena y guion cinematográfico. Durante seis años colaboró en la compañía La Máquina de Teatro. Antes de dirigir La camarista, su primer largometraje, realizó varios cortometrajes. En 2015, fue asistente de dirección en la serie Mozart in the Jungle.

Crítica
Cediendo el punto de vista a la clase trabajadora, La camarista, opera prima de la mexicana Lila Avilés, examina, con delicada atención, la injusticia social inherente a la estructura laboral interna de los grandes hoteles, espacios en los que la clase acaudalada y los obreros en turno comparten pasillos naturalmente, cada uno jugando un rol específico. A través del discurrir diario de la vida de Evelia, una joven asistente de limpieza en uno de los hoteles más exclusivos de la Ciudad de México, y mientras pasa las horas encerrada en esa fortaleza observando, casi como pasmada, la vida de aquellos que residen en las habitaciones que le corresponde limpiar, se construye una película que evidencia y trabaja sobre la brecha existente entre ambas partes: los absurdamente privilegiados huéspedes por un lado y, por el otro, las vicisitudes que enfrentan cada día los empleados que les sirven.(Fragmentos texto de Eduardo Cruz Icónica)

Premios y festivales
2018 Ojo a Largometraje Mexicano y Premio Guerrero de la Prensa (Ficción). Festival Internacional de Cine de Morelia. México. | Premio del Jurado. Festival Internacional de Cine de Marrakech. Marruecos. | Coral Especial del Jurado de Opera Prima. Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Cuba.



SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Viernes 3: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Sábado 4: 18 hs.

Viernes 3: 12, 17 y 19 hs. “66 Muestra Internacional de Cine”
LA CASA JUNTO AL MAR
(La villa. Francia 2017. 107 mins.)
Director: Robert Guédiguian
Con: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin.
Guión: Robert Guédiguian y Serge Valletti. Fotografía: Pierre Milon.

En un pueblo de la costa francesa, Angèle, Joseph y Armand vuelven a casa de su anciano padre, quien está paralizado tras sufrir in infarto. Angèle es actriz y vive en París; Joseph está enamorado de una chica más joven que él; Armand es el único que se quedó en Marsella para cuidar el restaurante que regentaba su padre. La reunión sirve de pretexto para revaluar los ideales que les transmitió su progenitor, pero la llegada de una pequeña embarcación cambiará sus reflexiones. El cineasta Robert Guédiguian, junto a su recurrente ensamble de actores, continúa con su espíritu revolucionario en esta película sobre los lazos familiares. La globalización y la migración funcionan como telón de fondo.

Robert Guédiguian. Marsella, Francia, 1953
Estudió sociología en París. A lo largo de su carrera como cineasta ha plasmado su compromiso político, narrando la vida de las clases oprimidas y trabajadoras, principalmente de su Marsella natal. En sus películas habla de la precariedad laboral, la inmigración, la marginalidad y la carencia de bienes.

Crítica
Robert Guédiguian sigue siendo un irreductible. Casi 40 años después de su primera película, Último verano (1980), el director continúa, a machamartillo, con su espíritu revolucionario, voz de la conciencia de la clase obrera de una Francia que, en estas cuatro décadas, ha cambiado mucho. Y seguramente no hacia su lugar soñado.
Sin embargo, a los 64 años, junto a sus modos batalladores, consciente de la ruta política hacia la que se ha dirigido buena parte de su país en los últimos tiempos, Guédiguian parece expeler una cierta desesperanza. Y el año 2017 dirigió la cautivadora La casa junto al mar, donde una sombra de abatimiento apunta a que las grandes ilusiones quizá hayan alcanzado la categoría de utopía. Una obra en la que el peso de la conciencia adquiere protagonismo, y en un tiempo en el que sus personajes –encarnados por los de siempre, los maravillosos Ariane Ascaride, Gérard Meylan y Jean-Pierre Darroussin– parecen casi más predispuestos para la armonía que para la contienda. (Javier Ocaña. El País)

Premios y festivales
2017 Premio SIGNIS y Premio UNIMED. Muestra Internacional del Arte Cinematográfico. Venecia, Italia. | Selección Oficial de la sección Perolas. Festival Internacional de Cine Donostia – San Sebastián. España. | Selección Oficial de la sección Masters. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Selección Oficial. Festival de Cine Francés de Helvetia. Biel/Bienne, Suiza.


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Sábado 4: 18 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Domingo 5: 18 hs.

MARÍA POR CALLAS
(Maria by Callas. Francia 2018. 113 mins.)
Director: Tom Volf
Con: Fanny Ardant (narradora), Joyce DiDonato (voz de María Callas), María Callas, Aristóteles Onassis, Vittorio De Sica, Pier Paolo Pasolini, Luchino Visconti, Omar Sharif.

La ópera contemporánea no sería la misma sin la emblemática figura de María Callas. La cantante greco-americana no sólo resaltó por su revolucionaria forma de interpretar las arias de Verdi, Bizet o Puccini y llevar a la ópera a su nivel más popular, sino también por su vida al mismo tiempo tempestuosa y enigmática, a menudo explotada por la prensa de los años 50 y 60. A partir de una exhaustiva compilación de imágenes restauradas –muchas de ellas inéditas–, la opera prima de Tom Volf hace un recorrido por la vida de Callas, combinando elementos como cintas íntimas y cartas personales. El resultado es un documental envolvente que subvierte la imagen clásica construida en torno a la icónica diva.

Tom Volf. Francia, 1987
Fotógrafo y videasta, ha participado en la filmación de espectáculos de ópera, así como en publicidad relacionada con el mundo de la moda. Su trabajo tras la cámara fija ha sido publicado por varias revistas y expuesto en distintas galerías de Europa. El ambicioso proyecto de Maria por Callas lo llevó por todo el mundo en busca de materiales inéditos de la diva.

Crítica
Si el nombre de María Callas no le evoca nada, o muy poco (quizá la recuerde como la actriz principal de Medea [1969] de [Pier Paolo] Pasolini), no se sienta con culpa: cuarenta años después de su deceso, ninguna otra intérprete de ópera ha podido adquirir su estatus de estrella. Por lo mismo, descubrir hoy en día la historia de “la Callas”, tanto en términos de su fulgurante carrera como de su trepidante vida personal, es una excelente oportunidad para cuestionar la noción de estrella, y más aún cuando desde los años 50 la naturaleza de la música se ha transformado tanto. Es sin duda esta cuestión de la popularidad lo que inspiró al joven realizador Tom Volf para realizar su primer largometraje. Su deseo (que aparece flagrante en el filme) por compartir su reciente fascinación por la diva griega, se combina con un dispositivo original que desafía directamente al espectador. (Fragmento de un texto de Julien Dugois. À voir à lire)

Premios y Festivales
2018 Nominación al Hugo de Oro a Mejor Documental. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos. │Selección Oficial. Festival Internacional de Cine de Barcelona- Saint Jordi. España.│Presentación especial. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá.


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Domingo 5: 18 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Lunes 6: 13 y 19 hs.

VEN Y MIRA
(Idí i smotrí, Unión Soviética, 1985, 142 min.
Director: Elem Klimov
Con: Alekséi Krávchenko, Olga Mirónova, Liubomiras Laucevičius, Vladas Bagdonas, Victor Lorents.
Guión: Elem Klimov, Ales Adamovich. Fotografía: Aleksei Rodiónov. Música: Oleg Yanchenko.

Considerada como una de las películas más crueles sobre la guerra en la historia del cine, Ven y mira está basada en las masacres perpetradas por los nazis en Bielorrusia durante la Segunda Guerra Mundial, donde más de 620 aldeas fueron quemadas junto con todos sus habitantes. La película es contada a través de los ojos de un adolescente que quiere sumarse a los partisanos, pero progresivamente irá conociendo la violencia, el sufrimiento y las matanzas. Combinando un realismo minucioso con momentos de lirismo, el realizador Elem Klímov hizo un alegato antibélico donde una cámara siempre móvil y la agobiante atmósfera expresionista dejan al espectador en estado de shock.

Elem Klímov. Stalingrado, Unión Soviética, 1933 - Moscú, Rusia, 2003
Se diplomó en el Instituto de Aviación de Moscú en 1957 y después estudió cine en el Instituto de Cine Gerasimov. Dirigió comedias, películas para niños y documentales, pero es principalmente conocido por Ven y mira. Durante el gobierno de Mikhail Gorbachov, fue elegido como presidente de la Unión de Cineastas de la Unión Soviética.

Crítica
En principio la película pertenece a uno de los géneros favoritos del cine soviético: el filme patriótico y guerrero situado en la Segunda Guerra Mundial. Pero el filme de Klímov no tienen nada que ver con la retórica habitual. Es una película inconfortable y provoca el rechazo.
Ven y mira es una película molesta porque Klímov no se detiene ante nada. Su estilo barroco, a veces conscientemente excesivo, sus constantes deslices hacia la estética expresionista, la cámara extremadamente móvil, la impresionante banda sonora sitúan al filme muy lejos de la solemnidad fúnebre y de las tradicionales elegías patrióticas sobre la resistencia y el sacrificio del pueblo ruso. Klímov se indigna, denuncia, pero va más allá: se interroga sobre la barbarie humana, plantea abiertamente que la guerra es la peor de las abominaciones. Fragmentos de un texto de Tomás Pérez Turrent. Novedades 1988)

Premios y festivales
1985 Premio de Oro y Premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine de Moscú. Unión Soviética.
1986 Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá.
2018 Mejor Película Restaurada. Muestra Internacional del Arte Cinematográfico. Venecia, Italia.

SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Lunes 6: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Martes 7: 13 y 19 hs.

UN DÍA MÁS CON VIDA
(Jeszcze dzień życia, Polonia-España-Bélgica-Hungría-Alemania, 2018, 85 min.)
Director: Raúl de la Fuente y Damian Nenow, basados en el libro homónimo de Ryszard Kapuściński.
Guión: Raúl de la Fuente y Amaia Remírez, en colaboración con Damian Nenow, David Weber y Niall Johnson. Imagen: Raúl de la Fuente y Gorka Gómez Andreu [fotografía], Piotr Zyla y Miklós Varga [supervisión de animación]. Música: Mikel Salas.

En 1975, el periodista Ryszard Kapuściński viajó a Angola, uno de los campos de batalla a la sombra de la Guerra Fría. La situación de esa nación devastada por la guerra y las personas que conoce durante su odisea de tres meses, cambiaron sus ideales de vida. Basada en el libro homónimo publicado en 1976, Un día más con vida mezcla secuencias de animación que recrean el viaje del reportero polaco por el país africano con imágenes de archivo y entrevistas a sobrevivientes, lo que permite explorar el paisaje de un conflicto bélico que todavía resuena a más de 40 años. El filme resulta un poético ensayo documental sobre la fuerza de la memoria y el trabajo periodístico.

Raúl de la Fuente / Damian Nenow. Pamplona, España, 1974 / Bydgoszcz, Polonia, 1983

En 2006, Raúl de la Fuente dirigió su primer largometraje Nömadak TX, el cual obtuvo gran reconocimiento mundial. En 2014 realizó Minerita, aclamado corto ganador del Goya. Damian Nenow es graduado de la Escuela Nacional de Cine y Televisión de Łódź en Polonia y ha hecho diversos trabajos de animación.

Crítica
«La mejor forma de conocer el mundo es hacer amistad con él», dijo en su tiempo Ryszard Kapuściński, periodista polaco dedicado a dar voz a un mundo muy particular: el llamado tercer mundo. De una de las obras de este icónico corresponsal de guerra, Un día más con vida, parte el largometraje homónimo del polaco Damian Nenow y el español Raúl de la Fuente. En el libro, el reportero narra la descolonización portuguesa de Angola en 1975 y sus consecuencias: una guerra civil que, hasta hace muy poco, devastó la región. También se analizan los puntos fuertes y débiles del Movimiento de Liberación de Angola, que gobierna el país desde entonces. (Fragmento de un texto de Juan Roures. El antepenúltimo mohicano. San Sebastián, 28 de octubre de 2018

Premios y festivales
2019 Premio Goya a la Mejor Película de Animación. Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.
2018 Premio al Mejor Largometraje Animado. Premios del Cine Europeo [otorgados por la Academia de Cine Europeo en Sevilla, España]. | Premio del Público y Premio al Mejor Guion Vasco. Festival de Cine de Donostia-San Sebastián. España. | Proyección fuera de competencia. Festival de Cannes. Francia. | Función especial. Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy. Francia.


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Martes 7: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Miércoles 8: 13 y 19 hs.

EN GUERRA
(En guerre. Francia.  2018. 114 mins.)
Dirección: Stéphane Brizé.
Con: Vincent Lindon, Mélanie Rover, Jacques Borderie, David Rey, Olivier Lemaire.
Guión: Stéphane Brizé y Olivier Gorce, con la colaboración de Xavier Mathieu, Ralph Blindauer y Olivier Lemaire. Fotografía: Éric Dumont. Música: Bertrand Blessing.

Pese a las fructíferas ganancias del año y los sacrificios económicos que han hecho los empleados, la administración de Perrin Industrie decide cerrar la fábrica. Liderados por su portavoz Laurent Amédéo, 1100 trabajadores deciden luchar contra esta brutal decisión, haciendo todo lo posible para salvar sus empleos. La más reciente película de Stéphane Brizé retrata la tensión, las negociaciones y las acciones por la defensa de cada puesto de trabajo. El intérprete y cineasta francés se apoya en el trabajo de su actor fetiche Vincent Lindon para mostrar la íntima y profunda convicción en la lucha de lo que actualmente a menudo es negado: un trabajo y un salario dignos.

Stéphane Brizé. Rennes, Francia, 1966
En 1999 estrenó Le bleu des villes, su primer filme como director, en la Quincena de Realizadores en Cannes. Su obra se define por trabajos de corte social que reflejan la realidad de su tiempo. En 2015 volvió a Cannes, donde su filme La loi du marché obtuvo el Premio al Mejor Actor (Vincent Lindon).

Crítica
En guerra muestra la lucha de 1100 empleados contra el cierre de Perrin Industrie, fábrica donde los mismos trabajadores han hecho sacrificios mientras los beneficios monetarios de esa planta de suministros automotrices rondan los 17 millones de euros en un año. La cámara en mano por la que se decanta el actor y director francés se impregna de un estilo documental para retratar en primera instancia las protestas, los choques con la policía y las tediosas negociaciones, para dar paso a un segundo acto que muestra las fisuras surgidas entre los distintos sectores gremiales ante un hecho que podría arreglar el conflicto.La guerra aludida en el título recoge la desesperación de seres preocupados por su contexto laboral (Vincent Lindon es notable en el papel del líder obrero que lleva el compromiso de guiar la lucha y lidiar con sus consecuencias) y la demagogia que los poderes fácticos usan para justificar, negociar y discutir la precariedad laboral de nuestro tiempo. Quizá por ello la cita de Bertolt Brecht que aparece al inicio de la película, sea el espíritu de un filme arduo, visceral y necesario: «Quien lucha puede perder, pero quien no lucha ya ha perdido». (Edgar Aldape Morales. Cineteca Nacional)

Premios y festivales
2018 Selección Oficial. Festival de Cannes. Francia. | Placa de Plata al Mejor Guion de la Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos. | Premio FIPRESCI. Festival de Cine Europeo de Palić. Serbia.



SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Miércoles 8: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Jueves 9: 13 y 19 hs.

PLAZA PARÍS
(Praça Paris, Brasil-Portugal-Argentina- 2017, 110 min.)
Dirección: Lúcia Murat
Con: Grace Passô, Joana de Verona, Alex Brasil, Digão Ribeiro, Babu Santana y Marco Antonio Caponi.
Guión: Lúcia Murat, Raphael Montes. Fotografía: Guillermo Nieto. Música: André Abujamra, Márcio Nigro.

Gloria, habitante negra de una favela, es elevadorista en la universidad de Río de Janeiro donde Camila, estudiante blanca y portuguesa de psicología, cursa una maestría. La primera se convertirá en paciente de la segunda. Mientras el vínculo se estrecha, la trabajadora revelará a Camila un mundo de violencia y marginación hasta entonces desconocido para ella. Lo que inicia como una relación profesional, dejará al descubierto un trasfondo de clasismo, prejuicios y miedos que confluirán en una intersección aterradora. El más reciente filme de la veterana directora brasileña Lúcia Murat explora los orígenes del miedo al “otro” en el interior de una sociedad fundada en un racismo ancestral.

Lúcia Murat
Río de Janeiro, 1949
Su primer largometraje, Que Bom Te Ver Viva (1988), se estrenó en el Festival de Toronto y reveló a una cineasta comprometida con temas políticos y feministas. A lo largo de 30 años de carrera, ha explorado algunas de las cuestiones más urgentes de su país, desde los conflictos de clase y el colonialismo interno de ciertas regiones hasta la memoria de un pasado de represión política.

Crítica
Por un lado, Camila observa a su paciente con una curiosidad profesional casi indiferente. Por el otro, Gloria encara a su terapeuta con desconfianza y escepticismo. Camila es portuguesa, blanca, rica, y pasa una temporada en Brasil para terminar su maestría. Gloria es brasileña, negra, pobre, habitante de una favela y trabaja como ascensorista en la universidad donde Camila estudia. Son tan distantes entre sí que ni la formación profesional de Camila es suficiente para enseñarle a lidiar con todo lo que escucha de Glória en las sesiones de terapia. El abismo entre ellas es demasiado profundo. (Fragmento de un texto de un texto de Heitor Romero. Cineplayers(

Premios y festivales
2017 Premio Redentor al Mejor Director (Lúcia Murat) y Premio Redentor a la Mejor Actriz (Grace Passô). Festival Internacional de Río de Janeiro. Brasil.  │Selección oficial. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos│ Selección Oficial. Muestra Internacional de Cine de São Paulo. Brasil. │Mención Especial del  Premio SIGNIS. Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Cuba.



SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Jueves 9: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Viernes 10: 13 y 19 hs.

LETO
(Rusia-Francia 2018. 128 mins.)
Con: Teo Yoo, Roma Zver, Irina Starshenbaum, Filipp Avdeyev, Evgeniy Serzin, Aleksandr Gorchilin, Vasily Mikhailov, Aleksandr Kuznetsov, Nikita Yefremov.
Guión: Mikhail Idov, Lily Idova y Kirill Serebrennikov, basados en las memorias de Natalya Naumenko. Fotografía: Vladislav Opelyants. Música: Roma Zver y German Osipov.

Leningrado, principios de los años 80. Los discos de Lou Reed y David Bowie se trafican de contrabando mientras una escena subterránea de rock brota. En medio de ese entorno, el joven y enigmático Viktor Tsoï conoce a Mike y a su esposa Natasha. Rodeados por una nueva generación de músicos, juntos cambiarán el curso del rock en la Unión Soviética. Bajo una estética que remite al videoclip e inspirado en figuras reales del underground soviético, el ruso Kirill Serebrennikov dirige un dinámico filme que liga el delicado triángulo amoroso de los protagonistas con el ascenso de un puñado de jóvenes. El escenario será una libertaria escena musical que contrastaba con el férreo régimen de su país.

Kirill Serebrennikov. Rostov del Don, Rusia, 1969
Desde 2008, ha incursionado en cine, televisión y teatro. En 2016, presentó El discípulo en el Festival de Cannes, donde obtuvo el premio François Chalais. Figura del activismo político en su país, actualmente cumple arresto domiciliario a raíz de una acusación por malversación de fondos públicos.

Crítica
Estamos en el interior de un tren, cerca de Leningrado –hoy San Petersburgo– a principios de los [años] 80. Los integrantes de una banda de rock están sentados con sus instrumentos; un viejo les increpa. Se produce una pequeña pelea e interviene la policía. Entonces todo se para y empiezan a sonar los acordes de una versión libre de “Psycho Killer” [1977] de los Talking Heads. Algo estalla en la pantalla y surge el milagro: Leto, del director ruso Kirill Serebrennikov, no es sólo una película sobre momentos brillantes o sobre algunos golpes de efecto singulares a ritmo de videoclip, sino es una gran historia de amor situada en el mundo de unas bandas de rock que estaban en expansión pero que tenían que luchar con los restos de la burocracia comunista. (Fragmento de un texto de Ángel Quintana. Caiman. Cuadernos de Cine)

Premios y festivales
2019 Elefante Blanco al Mejor Director, Diseño de Arte y Banda Sonora. Premios del Sindicato de Críticos de Cine de Rusia. 2018 Premio Cannes Soundtrack. Festival de Cannes. Francia. | Premio al Mejor Diseño de Producción. Premios del Cine Europeo [otorgados por la Academia de Cine Europeo en Sevilla, España]. | Selección Oficial de la sección Look. Festival de Cine de Colonia. Alemania.

Viernes 10. NO HAY FUNCIÓN


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Sábado 11: 18 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Domingo 12: 18 hs.

OCHO DE CADA DIEZ
(México 2018. 107 mins.)
Director: Sergio Umansky Brener
Con: Noé Hernández, Daniela Schmidt, Raúl Briones, Edward Coward, Mayra Sérbulo.
Guión: Sergio Umansky Brener. Fotografía: Miguel Escudero. ´Música: Kenji Kishi.

Aurelio y Citlali se conocen en un pequeño hotel de la Ciudad de México en el momento más oscuro de sus vidas. Él acaba de sufrir la pérdida de su hijo asesinado a plena luz del día; ella es una inmigrante que tuvo que abandonar a su hija con su violento padre. Mientras que su búsqueda de justicia pronto se transforma en deseo de venganza, una relación afectiva empieza a crecer poco a poco entre ellos. Retomando la estadística de que ocho de cada diez asesinatos en el país no se investigan, el realizador Sergio Umansky ofrece una historia que denuncia la corrupción, la violencia y la injusticia en una sociedad donde el amor es la única forma de esperanza para soportar la terrible realidad.

Sergio Umansky Brener. México, 1973
Graduado con honores de la Universidad de Columbia, su trabajo de tesis Aquí iba el himno ganó reconocimiento en festivales como Sundance y Berlín. Fue guionista para televisión, estudió actuación y dirigió comerciales antes de realizar su primer largometraje, Mejor es que Gabriela no se muera (2007).

Crítica
Durante el sexenio de Enrique Peña Nieto murieron asesinadas más de 144 mil personas. 24 000 al año; 2000 al mes; 70 por día; muy seguramente una mientras se lee esta reseña. La cifra más preocupante, sin embargo, es que ocho de cada diez asesinatos quedan impunes, sin siquiera ser investigados. México es una sangrienta estadística donde los rostros se van desvaneciendo en el anonimato, como aquellas caras enmascaradas en el documental La libertad del diablo (2017), de Everardo González. Por eso, el esfuerzo por contar las historias de aquellos números se convierte automáticamente en una denuncia. Ocho de cada diez, de Sergio Umansky Brener, consigue abrir el expediente de la indiferencia y hacer una contundente crítica social desde la ficción.
Ocho de cada diez está lejos de un enfoque miserabilista de México. Todo está al servicio de una película que no titubea ante la verdadera historia que quiere contar: la de un amor agridulce surgido entre tanta mugre. Los detalles simbólicos también tienen lugar: un patriotismo echado a perder, las cicatrices que el afecto va sanando y un apodo, “el Caras”, tristemente fuera de lugar en una película que nos recuerda que, detrás de las estadísticas, hay personas.

Premios y festivales
2018 Premios Mezcal a Mejor Actor y Mejor Actriz y Premio Guerrero de le Prensa. Festival Internacional de Cine en Guadalajara. México. | Mención Especial en la Competencia Internacional. Festival Internacional de Cine de Varsovia. Polonia. 2019 Selección Oficial. Stockfish Festival de Cine en Reikiavik. Islandia (Israel Ruiz Arreola, Wachito. Cineteca Nacional)




SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Domingo 12: 18 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Lunes 13: 13 y 19 hs.

ATARDECER
(Napszállta, Hungría-Francia, 2018, 141 min.
Director: László Nemes.
Con: Juli Jakab, Vlad Ivanov, Marcin Czarnik, Evelin Dobos, Judit Bárdos.
Guión: László Nemes, Clara Royer y Matthieu Taponier. Fotografía: Mátyás Erdély. Música: László Melis.

Budapest, 1913. La joven Írisz Leiter llega a la capital con la esperanza de trabajar en la antigua tienda de sombreros de sus padres. Una vez ahí, descubre que tiene un hermano del que no sabía nada. Su empeño por encontrarlo la llevará a descubrir oscuros secretos mientras el país se prepara para la Gran Guerra. Retomando el estilo visual de su primera película, László Nemes filma muy de cerca a su protagonista, con primeros planos de su rostro que acaparan la atención sobre la realidad circundante. El alboroto que reina en la ciudad y los personajes que Írisz va encontrando en sus caminatas proyectan los miedos, las premoniciones de la guerra y el derrocamiento del Imperio austrohúngaro.

László Nemes. Budapest, Hungría, 1977
Estudió historia, relaciones internacionales y escritura de guiones. Fue asistente de dirección de Béla Tarr y estudió en la Escuela de las Artes Tisch de Nueva York. Su primer largometraje, El hijo de Saúl (2015), ganó el Gran Premio de Cannes y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa.

Crítica
El espectador que se acerque a la segunda película de László Nemes sin haber pasado por su notable El hijo de Saúl puede verse abrumado, debido a que el director llega incluso a acentuar el recurso visual que ingenió para aquel viaje dramático por los campos de concentración en la Segunda Guerra Mundial. Esto es, sigue con la cámara pegada a la espalda de su protagonista, hasta el punto de que absolutamente todo lo que la rodea se difumina, haciéndola deambular por una bruma que unifica y confunde los escenarios.
Este desenfoque óptico abarca todos los estímulos sensoriales: así, no sólo escenarios y personajes ajenos a los rostros de sus protagonistas están sumergidos en un borrón. También el sonido se enfanga, los diálogos se entrecruzan, las palabras de los personajes pierden algo de sentido al carecer de contexto al que agarrarse. Todo lo que no sea el circunspecto gesto de sus protagonistas no existe. (Fragmento de un texto de John Tones. Espinof)

Premios y festivales
2018 Premio FIPRESCI. Muestra Internacional del Arte Cinematográfico. Venecia, Italia | Presentación especial. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. │Selección Oficial. Festival Internacional de Cine de Estocolmo. Suecia. | Premio Eurimages a la Mejor Coproducción Europea. Festival de Cine Europeo de Sevilla. España. | Selección Oficial. Festival de Cine BFI de Londres [British Film Institute]. Reino Unido. | Premio Especial del Jurado. Jameson CineFest, Festival Internacional de Cine de Miskolc. Hungría. 2019 Selección Oficial. Festival Internacional de Cine de Palm Springs. Estados Unidos.


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Lunes 13: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Martes 14: 13 y 19 hs.

LA BODA
(Noces, Bélgica-Pakistán-Luxemburgo-Francia, 2016, 98 min.)
Dirección: Stephan Streker.
Con: Lina El Arabi, Sébastien Houbani, Babak Karimi, Neena Kulkarni, Alice de Lencquesaing, Olivier Gourmet, Zacharie Chasseriaud, Aurora Marion.
Guión: Stephan Streker. Fotografía: Grimm Vandekerckhove.

Zahira, una joven belga-paquistaní, lleva una buena relación con su familia hasta que sus padres le piden que siga la tradición y elija un marido para casarse. Dividida entre las costumbres de su país de origen y su estilo de vida occidental, la joven acudirá a pedir ayuda a su hermano Amir. Sin embargo, no será fácil rebelarse ante la imposición y las consecuencias son impredecibles. La boda es un drama familiar del cineasta Stephan Streker en el que chocan trágicamente dos formas irreconciliables de pensar. Streker entrelaza la modernidad con la tradición, la libertad con el deber y la violencia con el amor, mientras toca temas como los crímenes de honor, el matrimonio forzado y la inmigración.

Stephan Streker. Bruselas, Bélgica, 1964
Trabajó en diferentes medios de comunicación como periodista deportivo, crítico de cine y fotógrafo antes de dedicarse al cine. Hizo su debut como director en 1993 con el cortometraje Shadow Boxing. La boda es su tercer largometraje, después de Michael Blanco (2004) y Le monde nous appartient (2012).

Crítica
Los matrimonios arreglados siguen siendo una práctica común en pleno siglo XXI en regiones como Asia del Sur, África y Oriente Medio. Para nuestros ojos occidentalizados, es una costumbre incomprensible, pues atenta contra uno de los valores que se supone distinguen a las sociedades modernas: la libertad. En la era de la globalización, donde las fronteras nacionales físicas pueden impedir el avance de caravanas migrantes, pero no el de su herencia cultural, este tipo de matrimonios deben, irónicamente, adaptarse a los tiempos por los medios que sean necesarios (incluyendo internet). Así sucede en La boda, un sobrio y desgarrador drama familiar del cineasta Stephan Streker, donde chocan trágicamente dos formas irreconciliables de pensar. (Israel Ruiz Arreola, Wacho. Cineteca Nacional)

Premios y festivales
2018 Nominación al premio César a la Mejor Película Extranjera. Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia. | Nominación al premio Lumière a la Mejor Película Francófona. Académie des Lumières. Francia. | Premio Magritte a Mejor Actriz de Reparto (Aurora Marion) y Mejor Vestuario. Académie André Delvaux. Bélgica. 2017 Selección Oficial del programa IFFR Live. Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos. 2016 Selección Oficial de la sección Discovery. Festival Internacional de Cine de Toronto. | Premios Valois a Mejor actriz y Mejor Actor. Festival de Cine Francófono de Angulema. Francia.



SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Martes 14: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Miércoles 15: 13 y 19 hs.

ANGELO
(Austria.Luxemburgo. 2018. 110 mins)
Director: Markus Schleinzer
Con: Ange Samuel Koffi D’Auila, Kenny Nzogang, Ryan Nzogang, Makita Samba, Jean-Baptiste Tiémélé, Alba Rohrwacher, Larisa Faber, Lukas Miko, Gerti Drassl, Michael Rotschopf.
Guión: Markus Schleinzer y Alexander Brom. Fotografía: Gerald Kerkletz.

La vida de Angelo, un africano nacido en el siglo XVIII y trasladado a Europa donde se convierte, primero en sirviente y luego en una atracción para la alta sociedad vienesa, es la médula de esta película basada en hechos reales. Dividido por capítulos, el filme sigue los pasos del hombre que, al casarse con una joven trabajadora, sufrirá el rechazo de la corte, haciéndole saber que su carácter de extraño no desaparecerá. El sobrio dispositivo narrativo y las cuidadas ambientaciones que utiliza el director Markus Schleinzer en su segundo largometraje, configuran un examen tanto histórico como contemporáneo sobre la integración cultural, la identidad, la otredad y el racismo.

Markus Schleinzer. Viena, Austria, 1971
De 1994 a 2010, trabajó como director de casting en aproximadamente 70 películas, entre ellas El listón blanco (2009) de Michael Haneke. En 2011, debutó como realizador con Michael: Crónica de una obsesión, crudo trabajo sobre la pedofilia que formó parte del 32 Foro Internacional de la Cineteca.

Crítica
A principios del siglo XVIII, un niño de diez años es secuestrado en África y llevado a Europa. Tras ser vendido a una condesa, es bautizado como “Angelo”, convirtiéndose en otro tesoro exótico de su colección. “Civilizado” mediante un experimento educativo, Angelo se volverá sirviente conforme crece, llegando a representar historias ficticias de África para entretener a la alta sociedad ilustrada, y obteniendo un éxito que lo lleva a codearse con el emperador de Austria. Su matrimonio secreto con Magdalena, una joven sirvienta blanca, cambiará el curso de su futuro.
Dividido por capítulos, este drama histórico se basa en la historia real de Angelo Soliman, una de las figuras más controversiales de la Ilustración vienesa. Soliman es considerado un ejemplo de lo que se concebía como integración cultural en la Europa de 1700. La alta, noble y educada alta sociedad quería explorar lo desconocido, y [también] trataba de reflejar su vanidad y superioridad usando adornos exóticos que incluían seres humanos. (Fragmentos de un texto de Vassilis Economou. Cineuropa)

Premios y festivales
2019 Premios al Mejor Diseño de Producción, Vestuario y Maquillaje. Comisión de Cine de Austria (AFC). 2018 Selección Oficial. Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián. España. | Selección Oficial de la sección Platform. Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. | Selección Oficial. Festival Internacional de Cine de Viena (Viennale). Austria.

Miércoles 15: FESTIVO


SALÓN INDIEN. ZACATENCO
Jueves 16: 12, 17 y 19 hs.
ESM. Auditorio Dr. Mariano Vázquez.
Viernes 17: 13 y 19 hs.

ASAKO I & II: SOÑAR O DESPERTAR
(Asako I & II. Netemo sametemo, Japón-Francia, 2018, 116 min.)
Director: Ryūsuke Hamaguchi
Con: Masahiro Higashide, Erika Karata, Rio Yamashita, Kōji Seto, Sairi Itō, Daichi Watanabe.
Guión: Sachiko Tanaka y Ryūsuke Hamaguchi, basados en una novela de Tomoka Shibasaki. Fotografía: Yasuyuki Sasaki. Música: Tofubeats.

Asako, una estudiante de Osaka, conoce al aventurero y encantador Baku en una exposición fotográfica. El romance entre ambos surgirá de inmediato, pero será corto, porque poco después él desaparece sin dejar huella. Años más tarde, una Asako introvertida y triste, ahora empleada de una cafetería en Tokio, conoce a Ryohei, un chico idéntico a Baku, pero totalmente opuesto a él. Basado en una novela de la escritora de ficción y romance Tomoka Shibasaki, la más reciente película del japonés Ryūsuke Hamaguchi, seleccionada para competir por la Palma de Oro en el pasado festival de Cannes, juega con la figura del doppelgänger con una historia que explora la complejidad de las relaciones interpersonales.

Ryūsuke Hamaguchi. Prefectura de Kanagawa, Japón, 1978
Se graduó de la Escuela de Cine de la Universidad de las Artes de Tokio con el largometraje Passion (2008), seleccionado para participar en el Festival de San Sebastián. Interesado en la complejidad de las relaciones interpersonales, sus películas The Depths (2010) y Happy Hour (2015) han sido bien recibidas por la crítica internacional.

Crítica
En 2015, Happy Hour de Ryūsuke Hamaguchi, una épica de cinco horas sobre la amistad femenina, anunció a una nueva y distinguida voz del cine internacional; se llevó un premio compartido a la mejor actriz en el festival de Locarno, y un año más tarde, su estreno fue recibido con entusiasmo. En comparación, Asako l & ll, presentada en la competencia de Cannes, nos trae un romance más mesurado, incluso convencional. Adaptando la novela Netemo sametemo, de Tomoka Shibasaki, la película se desliza hacia el sutilmente conmovedor subgénero del slice of life, común en el drama japonés. Es una pieza nostálgica, romántica y melancólica. (Fragmentos de un texto de Michael Leader
Sight & Sound)

Premios y festivales
2018 Selección Oficial de la Competencia. Festival de Cannes. Francia. │Selección Oficial Festival de Cine de Lisboa-Sintra. Portugal. │Selección Oficial de la sección Contemporary World Cinema . Festival Internacional de Cine de Toronto. Canadá. 2019 Selección Oficial. Festival Internacional de Cine de Cleveland. Estados Unidos. │Selección Oficial de la sección Limelight. Festival Internacional de Cine de Róterdam. Países Bajos._

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CONTINÚA PROGRAMACIÓN REGULAR MES DE MAYO 

Viernes 17 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN”
SÓLO CON TU PAREJA
(México 1991. 94 mins mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Daniel Giménez Cacho, Claudia Ramírez, Luis de Icaza, Astrid Hadad, Luz María Jerez, Dobrina Cristeva Liubomirova, Elizabeth Ávila, Isabel Benet, Toshirô Hisaki, Arturo Ríos.
Guión: Alfonso y Carlos Cuarón. Fotografía: Emmanuel Lubezky. Música: Carlos Warman.

Debut en el largo del mexicano Alfonso Cuarón, que maneja un libreto de su hermano Carlos Cuarón. Se trata de una comedia de enredo en torno a un incorregible mujeriego, Tomás Tomás, creativo de anuncios publicitarios, al que le cuesta dar el lema para una campaña de jalapeños. Lo que no le impide dar rienda suelta a su libido, con toda mujer que se pone a tiro. Lo que le lleva una noche a una situación rocambolesca de pasión a tres bandas, con una enfermera, su jefa, y una vecina azafata que podría ser su verdadero amor. La cosa se complica cuando la enfermera, despechada porque Tomás le engaña, falsifica un informe que señala que padece sida. Incapaz de soportarlo, Tomás planea su suicidio.

Viernes 17: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES
EL JUEZ DE LA HORCA
(The Life and Times of Judge Roy Bean. E.U. 1972. 120 mins.)
Director: John Huston
Con: Paul Newman, Victoria Principal, Ned Beatty, Jacqueline Bisset, Roddy McDowall,Jim Burk, Ava Gardner, Anthony Perkins, Matt Clark, John Huston, Stacy Keach, Steve Kanaly, Bill McKinney, Anthony Zerbe, Tab Hunter, Billy Pearson.
Guión: John Milius. Fotografía: Richard Moore. Música: Maurice Jarre.

El director John Huston y el guionista John Milius crearon esta mezcla de western y comedia negra. A finales del siglo XIX, un ladrón de bancos llamado Roy Bean  busca refugio al oeste del río Pecos, que marcaba los límites de la civilización en Tejas. Tras presentarse como un ladrón de bancos en la cantina, será robado y linchado por los habitantes del pueblo. Pero no acaban con su vida y el enfurecido Roy acude a la misma cantina a buscar venganza. Después del merecido ajusticiamiento, Roy Bean se autoproclama juez, la única ley al oeste del río Pecos. Tomándose en serio su labor, adquiere aires de tirano y se vuelve el justiciero más duro e impredecible que se haya visto en lugar alguno, pero toda persona tiene alguna debilidad y el juez Roy Bean no será una excepción...

Sábado 18
MARATÓN: CANIBALISMO 1.0

HOLOCAUSTO CANIBAL
(Cannibal Holocaust. Italia 1980. 98 mins.)
Director: Ruggero Deodato
Con: Robert Kerman, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen, Luca Barbareschi, Salvatore Basile, Gabriel Yorke, Ricardo Fuentes.
Guión: Gianfranco Clerici. Fotografía: Sergio D’Offizi. Música: Riz Ortelani.

Cuatro jóvenes documentalistas se adentran en la selva amazónica, en pleno corazón de América del Sur, para realizar un reportaje sobre las tribus que habitan en esa región, de las que se dice que todavía practican el canibalismo. Debido a la desaparición de los reporteros, dos meses después un grupo de rescate es enviado para averiguar qué ha sido de ellos; lo único que encuentran es el material filmado sobre su terrible fin.

¿Y SI NOS COMEMOS A RAUL?
(Eating Raoul. E.U. 1982. 83 mins.)
Director: Paul Bartel
Con: Paul Bartel, Mary Woronov, Robert Beltran, Susan Saiger, Ed Begley Jr., Buck Henry.
Guión: Paul Bartel, Richard Blackburn. Fotografía: Gary Thieltges. Música: Orlon Ober.

Una pareja de clase media sueña con abrir su propio restaurante, en el que darían comidas campestres. Con frialdad deciden asesinar a un millonario bohemio que se hace pasar por hippy. De esta forma conseguirían financiación. Sin embargo, tras este primer asesinato vendrán muchos más. 
Paul Bartel es el realizador, protagonista y co-escritor de esta comedia repleta de humor negro que alcanzó un inusitado éxito en los años 80. Completan el reparto una serie de actores en su mayoría jóvenes, desconocidos pero eficientes.


CANIBAL
(España. 2013. 116 mins.)
Director: Manuel Martín Cuenca
Con: Antonio de la Torre, Olimpia Melinte, Mará Alfonsa Rosso, Manolo Solo, Delphine Tempels, Joaquín Núñez, Yolanda Serrano, Gregory Brossard.
Guión: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández sobre la novela de Humberto Arenal. Fotografía: Pau Esteve Birba.

Carlos es el sastre más prestigioso de Granada. Un hombre respetable. Sus pasiones son el trabajo y sobre todo la comida, pero no come cualquier cosa: se alimenta de mujeres desconocidas, con las que no tiene ningún vínculo emocional. Esa situación cambia el día en que conoce a Nina, una joven rumana que busca desesperadamente a su hermana gemela, que ha desaparecido hace unos días. 
“Su virtud no es tanto su fino olfato para la metáfora como la sensación física de impudor que transmite el protagonista de esta historia; un hombre que, en su salvajismo, se ofrece completamente idéntico a cualquiera de nosotros. Tal cual. Si el trabajo de dirección se antoja tan coherente y profundo como sabio, lo que de verdad apabulla es el vaciamiento al que se somete el actor Antonio de la Torre. Y aquí conviene detenerse. (Luis Martínez. Festival de San Sebastián)

DELICATESSEN
(Delicatessen. Francia. 1991. 95 mins.)
Dirección: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro
Con: Dominique Pinon, Howard Vernon, Chick Ortega, Pascal Benezech, Marie-Laure Dougnac, Jean-Claude Dreyfus, Karin Viard, Anne-Marie Pisani, Silvie Laguna, Jean-François Perrier, Dominique Zardi, Marc Caro.
Guión: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro, Gilles Adrien. Fotografía: Darius Khondji. Música: Carlos D’Alessio.

En un inmenso descampado, se alza un viejo edificio habitado por personas de costumbres más bien extrañas que sólo tiene una preocupación: alimentarse. El propietario es un peculiar carnicero que tiene su establecimiento en los bajos del bloque. Allí llega un nuevo inquilino que trabaja en el circo y que alterará la vida de la excéntrica comunidad que lo habita.

EL DEMONIO NEON
(The Neon Demon. Francia. 2016. 117 mins.)
Director: Nicolas Winding Refn
Con: Elle Fanning, Karl Glusman, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Desmond Harrington, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Charles Baker,Jamie Clayton, Stacey Danger, Rebecca Dayan, Vanessa Martinez, Taylor Marie Hill, Alessandro Nivola.
Guión: Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham. Fotografía: Natasha Braier. Música: Cliff Martínez.

Jesse es una chica que llega a Los Angeles, California, para hacer su sueño realidad: convertirse en supermodelo. Pero su juventud y belleza despertará al demonio, y se verá atrapada en un peligroso mundo de envidias y celos en el que las modelos están dispuestas a todo para triunfar. 

VORAZ
(Grave. Francia-Bélgica. 2016. 99 mins.)
Dirección: Julia Ducournau
Con: Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Nait Oufella, Laurent Lucas, Bouli Lanners, Joana Preiss, Marion Vernoux, Denis M'Punga, Jean-Louis Sbille.
Guión: Julia Ducournau. Fotografía: Ruben Impens

Justine, una chica de 16 años, proviene de una familia en la cual todos sus integrantes son vegetarianos. Al ingresar a la facultad de veterinaria, se ve obligada a comer carne cruda. Este acto tendrá consecuencias fatales, ya que Justine comenzará a develar su verdadera y aterradora naturaleza. Con reminiscencias de las delirantes cintas de Dario Argento y referencias a películas como Carrie: Extraño presentimiento(1976) y Feroz (2000) de John Fawcett, el primer largometraje de Julia Ducournau es una provocadora película que conjunta el universo adolescente y sus problemas cotidianos con una atmósfera cruenta, respetando el fresco rigor del cine de autor europeo.

Lunes 20 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN
LA PRINCESITA
(A Little Princess. E.U. 1995. 97 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Liesel Matthews, Eleanor Bron, Liam Cunningham, Rusty Schwimmer, Arthur Malet, Vanessa Lee Chester, Errol Sitahal, Heather DeLoach, Taylor Fry, Darcie Bradford, Rachael Bella, Alexandra Rea-Baum, Camilla Belle.
Guión: Richard LaGravenese, Elizabeth Chandler sobre la novela de Frances Hodgson Burnett. Fotografía: Emmanuel Lubezky. Música: Patrick Doyle.

Sara Crewe (Liesel Matthews) comparte una vida de ensueño en la exótica India con su cariñoso padre (Liam Cunningham), pero la guerra los separa. Él es reclamado por el ejército y Sara es enviada a un internado en Nueva York, el mismo al que su difunta madre había asistido, dirigido por la estricta Srta. Minchin (Eleanor Bron), quien ve a Sara como una niña caprichosa y consentida. Todo cambia cuando a su padre lo dan por muerto y Sara tendrá que hacer labores y limpieza para poder seguir en el internado. 

Lunes 20: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
VECINOS Y AMANTES
(Strangers when we meet. E.U. 1960. 112 mins.)
Director: Richard Quine
Con: Kirk Douglas, Kim Novak, Ernie Kovacs, Barbara Rush, Virginia Bruce, Walter Matthau.
Guión: Eva Hunter. Fotografía: Charles Lang Jr. Música: George Duning.

Drama de infidelidad entre dos adultos cuyas respectivas parejas no les prestan mucha atención. El arquitecto Larry Coe, casado y con dos hijos, se siente atraído por Margaret Gault desde el momento en que la ve en la parada del autobús escolar. El hijo de Margaret es compañero del hijo menor de Larry. Margaret admira a Larry desde que vio en una revista la casa por la que le dieron un premio. Y también se siente atraída por él. La primera cita es un paseo hasta el terreno en que se levantará la casa que Larry está proyectando.
Dramón basado en la novela de Evan Hunter, que él mismo guioniza. Kim Novak es la vecina de la que se enamora Kirk Douglas, mientras que Barbara Rush es la mujer burlada, por la que empezará a mostrar interés el amigo Walter Matthau. La Novak era dirigida nuevamente por su director fetiche Richard Quine.

Martes 21 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN
GRANDES ESPERANZAS
(Great Expectations. E.U. 1998. 111 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Ethan Hawke, Gwyneth Paltrow, Anne Bancroft, Robert De Niro, Hank Azaria, Chris Cooper, Raquel Beaudene, Kim Dickens, Clem Caserta.
Guión: Mitch Glazer sobre la novela de Charles Dickens. Fotografía: Emmanuel Lubezky. Música: Patrick Doyle.

Adaptación libre de la novela de Charles Dickens, que ya conoció una excelente versión de David Lean. Presenta la historia de Finn, un niño pobre que se cría con su tío. Cuando consigue trabajo para una excéntrica ricachona se enamora perdidamente de Estella, su sobrina. El mexicano Alfonso Cuarón (La princesita) apuesta por un tratamiento muy sensual de la historia de amor. Y cuida con mimo el diseño artístico. Atentos a la partitura musical de Patrick Doyle: hermosísima.

Martes 21: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
ATLANTIC CITY
(Atlantic City. Canada 1980. 104 mins.)
Director: Louis Malle
Con: Burt Lancaster, Susan Sarandon, Hollis McLaren, Kate Reid, Robert Joy, Michel Piccoli.
Guión: John Guare. Fotografía: Richard Ciupka. Música: Michel Legrand.

Lou es un viejo jugador que intenta ganar algo de dinero alrededor de los casinos. Para ello recurre a los ahorros de Grace, su amante, con quien vive una joven llamada Sally, de la que Lou no tarda en enamorarse. Sally es una canadiense que de día trabaja vendiendo ostras y de noche recibe clases de croupier, soñando con llegar a ser algún día la primera mujer que trabaje en el Casino de Montecarlo. Está casada con un traficante de drogas llamado Dave, que huye con una partida de drogas, mientras la Mafia intenta averiguar su paradero a través de Sally.
Partiendo de una sólida base, que se cimenta en la mejor tradición del cine negro, Malle propuso una mirada desencantada sobre los mitos del género que le valió todo un León de Oro en el Festival de Venecia.

Miércoles 22 a las 12 hs. “ALFONSO CUARÓN
Y TU MAMÁ TAMBIÉN
(México 2001. 105 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Maribel Verdú, Gael García Bernal, Diego Luna, Daniel Giménez Cacho, Diana Bracho, Emilio Echevarría, Ana López Mercado, Andrés Almeida, Nathan Grinberg, Verónica Langer, María Aura, Mayra Sérbulo, Silverio Palacios, Arturo Ríos, Juan Carlos Remolina.
Guión: Alfonso y Carlos Cuarón. Fotografía: Emmanuel Lubezky. Música: Varios

Julio y Tenoch son dos adolescentes con las hormonas a pleno rendimiento. Separados temporalmente de sus novias, intentan ligar con Luisa, una joven española cuyo matrimonio no marcha bien. Y el caso es que la convencen para viajar a una supuesta playa, a la que llaman Boca del Cielo. Ambos jovencitos harán todo lo posible para acostarse con Luisa, lo que provoca su distanciamiento.
Alfonso Cuarón firma un film de alto voltaje erótico, que demuestra de modo agridulce que no todo lo que llamamos amistad merece tal nombre.

Miércoles 22: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
LA MENTIRA INFAME
(The Children´s hour. E.U. 1961. 107 mins.)
Director: William Wyler
Con: Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Miriam Hopkins, Fay Bainter, Karen Balkin, Veronica Cartwright, Mimi Gibson, Debbie Moldow, Diane Mountford, William Mims, Sally Brophy.
Guión: Lillian Hellman. Fotografía: Franz Planer. Música: Alex North.

Karen y Martha son las directoras de una exclusiva escuela para niñas. Una alumna maliciosa y vengativa, despechada por un castigo que ha recibido, oye por casualidad un comentario y lo utiliza, distorsionándolo, para acusar a sus profesoras de una conducta reprobable. Los escandalosos rumores se extienden velozmente por la comunidad escolar, con repercusiones inmediatas y devastadoras.
Uno de los clásicos más espinosos de Hollywood. Audrey Hepburn y Shirley MacLaine protagonizan esta adaptación al cine de la conocida obra de teatro de Lillian Hellman, que el propio Wyler había llevado a la gran pantalla en 1937, en la que dos profesoras son acusadas por una de sus alumnas de ser lesbianas.

Miércoles 22 a las 19 hs. Musicalización en vivo
(Auditorio Ing. Manuel M. Torres)
BERLÍN, SINFONÍA DE UNA CIUDAD
(Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt. Alemania 1927. 62 mins.)
Director: Walter Ruttman
Película documental.
Guión: Karl Freund, Carl Mayer. Fotografía: Robert Baberske, Karl Freund, Reimar Kuntze, László Schäffer.

Inspirado en el documental soviético "Kino-Nedelia" (1918) de Dziga Vertov, Ruttmann realizó en 1927, contando con los mejores fotógrafos alemanes de la época, un documental basado en la vida, durante un día, de la ciudad de Berlín. 

Jueves 23 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN
HARRY POTTER Y EL PRISIONERO DE AZKABAN
(Harry Potter and the Prisoner of Azkaban. U.K. 2004. 137 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, David Thewlis, Michael Gambon, Robbie Coltrane, Alan Rickman, Gary Oldman, Tom Felton, Timothy Spall, Emma Thompson, Maggie Smith.
Guión: Steve Kloves sobre la novela de J.K. Rowling. Fotografía: Michael Seresin. Música: John Williams.

Cuando Harry Potter y sus amigos vuelven a Hogwarts para cursar su tercer año de estudios, se ven involucrados en un misterio: de la prisión para magos de Azkaban se ha fugado Sirius Black, un peligroso mago que fue cómplice de Lord Voldemort y que intentará vengarse de Harry Potter. El joven aprendiz de mago contribuyó en gran medida a la condena de Sirius, por lo que hay razones para temer por su vida. 

Jueves 23: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
LA TRAMPA
(The Trap. Canadá. 1966. 106 mins.)
Director: Sidney Hayers
Con: Oliver Reed, Rita Tushingham, Barbara Chilcott, Rex Sevenoaks, Blain Fairman, Walter Marsh, Linda Goranson, Joseph Golland, Jon Granik.

Jean "La Bestia" (Oliver Reed) es un cazador de pieles que vive aislado en una remota cabaña lejos de la civilización. Decidido a acabar con su soledad, compra una esposa (Rita Tushingham), una joven muda que lo acompaña a regañadientes e intenta huir de él. Durante el largo y crudo invierno que pasan en la cabaña, dedicados sobre todo a la caza, acabarán acostumbrándose el uno al otro. 

Viernes 24 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN
NIÑOS DEL HOMBRE
(Children of Men. U.K.. 2006. 105 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Peter Mullan, Danny Huston, Clare-Hope Ashitey, Pam Ferris, Charlie Hunnam, Oana Pellea, Jacek Koman, Ed Westwick, Paul Sharma.
Guión: David Arata, Alfonso Cuarón, Timothy J. Sexton, Hawk Ostby, Mark Fergus sobre la novela de P.D. James. Fotografía: Emmanuel Lubezky. Música: John Tavener.

Año 2027: el ser humano está al borde de la extinción: los hombres han perdido la capacidad de procrear y se ignora por qué razon todas las mujeres del planeta se han vuelto estériles. Al mismo tiempo, el mundo se estremece cuando muere un muchacho de 18 años, la persona más joven de la Tierra. Se vive, pues, una situación de caos galopante. En tales circunstancias, Theo (Clive Owen), un desilusionado ex-activista radical de Londres convertido en burócrata, es contratado por Julian (Julianne Moore) para que proteja a una mujer que puede tener el secreto de la salvación de la humanidad, la persona más valiosa de la Tierra... 

Viernes 24: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
DÍAS DE VINO Y ROSAS
(Days of Wine and Roses. E.U. 1962. 117 mins.)
Director: Blake Edwards
Con: Jack Lemmon, Lee Remick, Charles Bickford, Jack Klugman, Alan Hewitt, Tom Palmer, Jack Albertson, Debbie Megowan.
Guión: J.P. Miller. Fotografía: Philip H. Lathrop. Música: Henry Mancini

Joe Clay (Jack Lemmon), el hijo de una cantante y un intérprete, que trabaja como relaciones públicas, y Kristen Arnesen (Lee Remick), la hija de unos suecos propietarios de un vivero, secretaria en una gran empresa, parecen una pareja feliz. A Joe le gusta mucho el Whisky, y esa afición se va convirtiendo en adicción. A ella le gustan mucho los dulces, pero él le arrastra a la bebida porque dice que es muy aburrida. A lo largo de un lento y meticuloso proceso de degradación se llega a una magistral sucesión de escenas terribles. En una de ellas Joe dice: "Nos hemos convertido en unos borrachos. Esa es la única razón de que me hayan echado de cinco empleos en un año".
Las interpretaciones de Lemmon, contundente en su aspecto dramático, y la de Remick, no tienen fisuras. Aunque este género no fuera el habitual en Blake Edwards, convierte este detallado descenso a los infiernos del alcohol y la degradación en una de sus grandes películas.

Lunes 27 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN
GRAVEDAD
(Gravity. E.U. 2013. 90 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris
Guión: Alfonso y Jonás Cuarón. Fotografía: Emmanuel Lubezky. Música: Steven Price.

La doctora Ryan Stone es una brillante ingeniera especializada en medicina que realiza su primera misión en un transbordador, con el veterano astronauta Matt Kowalsky, al mando de su último vuelo antes de retirarse. Pero en un paseo espacial aparentemente de rutina se desencadena el desastre. El transbordador queda destruido, dejando a Stone y Kowalsky completamente solos, unidos el uno al otro y dando vueltas en la oscuridad.
El terrible silencio les indica que han perdido cualquier vínculo con la Tierra... y cualquier posibilidad de rescate. A medida que el miedo se va convirtiendo en pánico, cada bocanada de aire consume el poco oxígeno que queda. Pero el único camino a casa solo puede encontrarse adentrándose más y más en la aterradora extensión del espacio.

Lunes 27: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
TARDE DE PERROS
(Dog Day Afternoon. E.U. 1975. 120 mins.)
Director: Sidney Lumet
Con: Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon, Sully Boyar, Penelope Allen, Beulah Garrick, James Broderick, Lance Henriksen,  Sandra Kazan, Marcia Jean Kurtz.
Guión: Frank Pierson sobre el artículo P.F. Kluge, Thomas Moore y el libro de Leslie Waller. Fotografía: Victor J. Kemper.

Se trata de una historia real, aunque increíble, sobre la vida de un joven sin oportunidades, interpretado por Al Pacino. El 22 de agosto de 1972, entra en un banco de Brooklyn dispuesto a atracarlo y a cambiar así el rumbo de su vida. Con el dinero, Pacino pretende pagar la operación de cambio de sexo de su amigo, amante, y compañero en el robo. Pero las cosas se complican y diez horas después todavía están dentro. Entran en juego rehenes, FBI, cámaras de televisión, y su golpe se convierte en un espectáculo para toda la ciudad.
Como es habitual en su cine, la propuesta del magnífico Sidney Lumet es inusual y muy interesante. Cuenta las cosas de un modo característico y atractivo, con un peculiar tono tragicómico.

Martes 28 a las 12 y 19 hs. “ALFONSO CUARÓN
ROMA
(México. 2018. 135 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Daniela Demesa, Nancy García García, Verónica García, Latin Lover, Enoc Leaño, Clementina Guadarrama, Andy Cortés, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero.
Guión y fotografía: Alfonso Cuarón.

La historia de la trabajadora doméstica Cleo y de su compañera de trabajo Adela, ambas de origen mixteco, quienes trabajan para una pequeña familia en la colonia Roma, un vecindario de clase media. Sofía, madre de cuatro, lidia con la larga ausencia de su esposo; mientras que Cleo se enfrenta a sus propias noticias devastadoras que amenazan con distraerla del cuidado de los hijos de Sofía, a quienes quiere como si fueran suyos. Mientras tratan de construir un nuevo sentimiento de amor y solidaridad en el contexto de una jerarquía social donde clase y raza se entrelazan constantemente, Cleo y Sofía pelean en silencio contra cambios que llegan al hogar de la familia en un país que se enfrenta a la lucha entre un gobierno apoyado por la milicia y las protestas estudiantiles.

Martes 28: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
EL SABOR DEL SAKE
(Samma no aji. Japón 1962. 112 mins.)
Director: Yasujiro Ozu
Con: Chishu Ryu, Shima Iwashita, Shinichiro Mikami, Keiji Sada, Mariko Okada,Nobuo Nakamura, Teruo Yoshida.
Guión: Kôgo Noda, Yasujiro Ozu. Fotografía: Yuuharu Atsuta. Música: Takanobu Saito.

Shubei Hirayama considera, en compañía de sus amigos Kawai y Horie, la boda de su hija Michiko. Tras consultar el caso con su familia, deciden que el mejor candidato para desposar a la muchacha es Miura, un joven por el que ella se siente atraída. Sin embargo, averiguan que aquel ya estaba comprometido. Apesumbrada, Michiko confía su suerte a su padre y a su hermano. La última película del maestro Ozu, realizada poco después del fallecimiento de su madre. Nuevamente protagonizada por el actor fetiche del realizador, Chishû Ryû, "El sabor del sake" es una obra divertida, delicada y conmovedora, el testamento ideal de uno de los mejores directores de todos los tiempos.

Miércoles 29 a las 12 y 19 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
LA VIEJA DAMA INDIGNA
(La vieille dame indigne. Francia. 1965. 94 mins.)
Director: René Allio
Con: Sylvie, Victor Lanoux, Etienne Bierry, Pascale de Boysson, Jean-Louis Lamande, Lena Delanne, Jeanne Hardeyn, Pierre Meffre, Robert Bousquet, Jean Bouise, André Jourdan, Pierre Decazes, André Thorent, René Morard, Edmund Dantez, Malka Ribowska, François Maistre, Armand Meffre.
Guión: René Allio sobre una historia de Bertolt Brech. Fotografía: Denys Clerval. Música: Jean Ferrat.

Madame Bertini, una mujer de 70 años que enviuda tras toda una vida de abnegada servidumbre, primero como hija y después como esposa y madre, decide emprender una nueva vida y disfrutar de los placeres prohibidos hasta entonces, incluyendo sus nuevas amistades (una prostituta del barrio y un zapatero anarquista), todo ello para consternación de su remilgada familia.

Miércoles 29: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
LA TIGRESA DEL OESTE
(Cat Ballou. E.U. 1965. 96 mins.)
Director: Elliot Silverstein
Con: Lee Marvin, Jane Fonda, Michael Callan, Dwayne Hickman, Nat 'King' Cole, Stubby Kaye, John Marley, Tom Nardini.
Guión: Walter Newman, Frank Pierson. Fotografía: Jack A. Marta. Música: Frank De Vol.

El rancho familiar de Catherine "Cat" Ballou (Jane Fonda) se ve amenazado por la inminente llegada del ferrocarril. La joven maestra de escuela, empeñada en conservar sus raíces, busca la ayuda de Kid Shelleen (Lee Marvin), pero descubre que es el pistolero más borracho de todo el Oeste. Cuando su padre muere asesinado por matones a sueldo de la compañía del ferrocarril, ella jura vengarse. 

Jueves 30 a las 12 y 19 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
LEJOS DEL MUNDANAL RUIDO
(Far From the Madding Crowd. U.K.. 1967.169 mins.)
Director: John Schlesinger
Con: Julie Christie, Terence Stamp, Peter Finch, Alan Bates, Fiona Walker, John Barrett ,Prunella Ransome, Alison Leggatt, Paul Dawkins, Julian Somers, Freddie Jones, Andrew Robertson, Brian Rawlinson, Vincent Harding, Victor Stone, Owen Berry, Lawrence Carter, Pauline Melville.
Guión: Frederic Raphael sobre la novela deThomas Hardy. Fotografía: Nicolas Roeg. Música: Richard Rodney Bennett.

La Inglaterra del siglo XIX. A la rica heredera Bathsheba Everdene –idílicamente representada por el bello rostro de Julie Christie– le encanta que los hombres se derritan rendidos a sus pies. Habrá de decidirse por tres amantes de diferentes personalidades: un ovejero algo tosco, el eterno solterón de buena posición, y un apuesto soldado con frecuentes arranques de violencia. Ellos conforman un reparto de ensueño: Terence Stamp, Peter Finch y Alan Bates.

Jueves 30: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
JÓVENES AFRODITAS
(Mikres Afrodites. Grecia. 1963. 88 mins.)
Director: Nikos Koundouros
Con: Vangelis Ioannidis, Eleni Prokopiou, Takis Emmanuel, Kleopatra Rota, Zannino, Anestis Vlahos, Kostas Papakonstantinou.
Guión: Vasilis Vasilikos, Kostas Sfikas basado en Theokritos, Longus. Fotografía: Giovanni Varriano. Música: Giannis Markopoulos.

Grecia en el año 2000 antes de Cristo. Varios pastores que descienden de las montañas en busca de pastura fresca para sus animales se extravían en su camino y encuentran a unas mujeres, esposas de pescadores, que se encuentran en el mar. Entre el adolescente Skimnos, hijo de un pastor, y Cloe, una niña de doce años, nace un fugaz y brutal amor. Los juegos de ambos despiertan el deseo de Lika, un pastor mudo que rapta a la muchacha.

Viernes 31 a las 12 y 19 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
EL GRAN ESCAPE
(The Great Escape. E.U. 1963. 168 mins.)
Director: John Sturges
Con: Steve McQueen, James Garner, Charles Bronson, Richard Attenborough, James Coburn, James Donald, Donald Pleasence, David McCallum, Gordon Jackson, Angus Lennie, Hannes Messemer, John Leyton, Lawrence Montaigne, Nigel Stock.
Guión: ames Clavell, W.R. Burnett sobre el libro de Paul Brickhill. Fotografía: Daniel L. Fapp. Música: Elmer Bernstein.

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Un grupo de oficiales ingleses y norteamericanos que están prisioneros en un campo de concentración nazi, se proponen organizar una fuga en la que se verán implicados doscientos cincuenta presos. Para llevar a cabo su plan comienzan a excavar tres túneles. 
Entretenidísima y famosa cinta sobre la laboriosa preparación y fuga de un campo de concentración nazi de varios prisioneros aliados durante la Segunda Guerra Mundial. Todo un clásico del cine de evasión, -en ambos sentidos-.

Viernes 31: 17 hs. “CLASICAS INOLVIDABLES”
ESCLAVA Y SEDUCTORA
(The Pumpkin Eate. U.K. 1964. 118 mins.)
Director: Jack Clayton
Con: Anne Bancroft, Peter Finch, James Mason, Cedric Hardwicke, Rosalind Atkinson, Maggie Smith, Eric Porter, Richard Johnson.
Guión: Harold Pinter sobre la novela de Penelope Mortimer. Fotografía: Oswald Morris. Música: Georges Delerue.


El guionista Jake Armitage y su mujer Jo viven en Londres con seis de los ochos hijos que ella ha tenido a lo largo de sus tres matrimonios, aunque solo uno de ellos es hijo biológico de Jack. Todo para ir bien entre la nueva pareja y su peculiar familia, hasta que Jo empieza a sospechar que Jake es un infiel crónico, aunque nunca tiene las pruebas necesarias para poder directamente enfrentarse a él. Esta situación hace que empiece a ir al psicólogo y su estado mental se irá volviendo cada vez más frágil...